Государственный академический театр имени Евгения Вахтангова

Комедия Эрве в трех действиях.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваСценография – Борис ВалуевХудожник по костюмам – Светлана СиницынаХудожник-гример –…Подробнее Комедия Эрве в трех действиях.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваСценография – Борис ВалуевХудожник по костюмам – Светлана СиницынаХудожник-гример – Ольга КалявинаХудожник по свету – Владимир АмелинВ ролях: Виктор Добронравов / Валерий Ушаков, Евгения Крегжде / Ольга Немогай, Мария Аронова, Владимир Симонов / Артур Иванов, Александр Солдаткин, Лидия Вележева, Павел Любимцев, Юрий Красков, Александра Стрельцина / Ольга Ефремова.Продолжительность спектакля – три часа 50 минутПремьера спектакля состоялась 30 декабря 2004 года«Мадемуазель Нитуш» продолжает традицию вахтанговских музыкальных спектаклей: «Соломенной шляпки», «Дам и гусаров», «Старинных русских водевилей», в которых вахтанговская школа с ее особым шармом, где элегантность и изящество уживаются с остроумной шуткой, прелестным вокалом, озорным танцем, создает особый вахтанговский стиль игры – легкий, ироничный, заразительный.В спектакле, поставленном Владимиром Ивановым, звучит живой оркестр и живые голоса, а его герои, пройдя через все перипетии водевильных интриг, обретают, наконец, каждый свое счастье: хормейстер монастырского пансиона наслаждается постановкой своей оперетты на подмостках дижонского театра, воспитанница пансиона, мечтавшая о театре, становится певицей и находит свое личное счастье в лице блистательного драгунского лейтенанта Шамплатро.Свернуть

Премьера спектакля состоялась 25 марта 2016 г. на Новой сцене Вахтанговского театра. «Гроза» – вероятно, самая знаменитая драма А. Н. Островского. Многие по сей день считают ее одним из наиболее загадочных…Подробнее Премьера спектакля состоялась 25 марта 2016 г. на Новой сцене Вахтанговского театра. «Гроза» – вероятно, самая знаменитая драма А. Н. Островского. Многие по сей день считают ее одним из наиболее загадочных произведений мировой драматургии. После ее выхода в свет в 1859 году, после первых премьер в Москве и Санкт-Петербурге «Гроза» сразу породила множество споров и противоположных суждений. Кто-то называл ее несерьезной балаганной поделкой, а кто-то – совершенным поэтическим творением. Кому-то казалось, что Островский выразил радикальный протест против устаревшего уклада жизни, а кто-то, наоборот, увидел в его драме апологию консервативного русского быта. Но все люди театра ясно ощутили в «Грозе» настроение глобальной катастрофы, которая призвана то ли разрушить мир, то ли его обновить. Столь огромным оказалось влияние вроде бы простой, на современный взгляд, истории, происшедшей в некоем провинциальном городке Калинове на реке Волге. Главная героиня «Грозы» Катерина – молодая замужняя женщина – впервые испытывает сильную любовь к мужчине, который не является ее мужем. Это чувство превращается в роковое испытание для нее, ибо ни ее воспитание, ни общий уклад жизни не позволяют ей покинуть семью ради возлюбленного, который к тому же не готов принять ее… С первых же постановок «Грозы» стало ясно, что роль Катерины относится к вершинам женского трагического репертуара. Первыми ее исполнительницами в 1859 году были Л. Никулина-Косицкая (Малый театр) и Ф. Снеткова (Александринский театр). Затем ее играли Г. Федотова, П. Стрепетова (ее выше всех ставил А. Н. Островский в конце жизни), М. Ермолова, М. Савина, В. Пашенная – ярчайшие звезды ушедшей эпохи. В XX веке – Е. Рощина-Инсарова в спектакле В. Мейерхольда 1916 года в Александринском театре; А. Коонен в спектакле А. Таирова 1924 года в Камерном театре; Л. Щербинина в спектакле Б. Бабочкина 1974 года в Малом театре; и другие знаменитые актрисы, составившие славу русского театра. Из разговора с режиссером Уланбеком Баялиевым Нам хотелось сочинить архаичный, поэтичный спектакль, понятный современным зрителям: про человека, про любовь, про боль. Сейчас очень не хватает глубокого, подробного разговора о человеке. Мир живет в страшной спешке, так что мы не успеваем самое главное: поговорить, рассказать, добраться до глубины в человеческих отношениях. Мысли Островского очень объемны и современны. В городе Калинове каждый человек – сгусток боли. Эта боль – «тяжесть бытия», и у каждого она оправдана. В «Грозе», мне думается, нет «темного царства», нет противопоставления света и тьмы. Катерина не «светлее», не «лучше», чем все остальные. Просто она другая: она, как никто другой, ищет свободы, права на жизнь, права на любовь, пусть даже вопреки устоявшемуся порядку. Все мы знаем, что в душе всегда есть мечты и желания; но есть и мир, с которым надо считаться. Недаром интернет в наши дни – главная среда общения: там можно быть не собой, надеть маску, менять личины, казаться лучше чем ты есть. В интернете ты можешь все регулировать сам, а можешь и скрыться насовсем, уйти в тихое, незаметное одиночество, которое очень похоже на спасение… Но мир и окружающих людей отрегулировать невозможно; от мира нельзя спастись одиночеством, как в интернете. В мире, наоборот, надо искать человека. Так в «Грозе»: там каждый герой ищет себе человека, каждый ищет общения. Таков, например, Кулигин – наверное, самый одинокий из героев Островского. А может, таковы и Кабаниха с Диким? В учебниках литературы их называют главными злодеями «Грозы», повелителями «темного царства». А ведь между ними когда-то могла случиться первая, настоящая любовь… Может, Кабаниха отказалась от своей любви, чтобы выйти замуж за не любимого, но понятного и надежного? И не оттого ли ее дети не вспоминают отца, что он «сгорел» слишком рано и не оставил о себе памяти? Может, теперь Кабаниха узнаéт во влюбленной Катерине себя молодую и хочет уберечь своего сына Тихона от трагической судьбы нелюбимого мужа? А. Н. Островский отдает частичку себя каждому из персонажей: он любит их всех, внимательно слушает их. Как будто ходит к ним в гости на чай в том самом халате, в котором его изобразил на портрете художник В. Перов. Почему Катя так боится большой любви, которая грозит разрушить ее брак? Кто-то говорит, из-за религии; мне думается, из-за совести. Катя хочет, как и все мы, быть достойным человеком, порядочным, жить без вранья. Кто-то должен взять на себя смелость проявить потаенное, истинное, сказать, совершить поступок, упасть и снова встать, чтобы мы могли жить. Такие люди, как Катя, становятся героями, идолами или изгоями – во всяком случае, на их долю выпадают бесконечные похвалы и осуждения, размышления, оценки, исследования… Продолжительность спектакля 2 ч. 50 мин. с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка Уланбек Баялиев Художник – сценограф Сергей Австриевских Художник по костюмам Ольга Нестеренко Композитор Фаустас Латенас Художник по свету Нарек Туманян Действующие лица и исполнители: Савел Прокофьевич Дико́й, купец, значительное лицо в город — Александр Горбатов Борис Григорьевич, племянник его — Леонид Бичевин Марфа Игнатьевна Кабанова (Кабаниха), богатая купчиха, вдова — Ольга Тумайкина Тихон Иваныч Кабанов, ее сын — Павел Попов, Дмитрий Ендальцев Катерина, жена его — Евгения Крегжде Варвара, сестра Тихона — Екатерина Нестерова Кулигин, химик, механик — Юрий Красков Ваня Кудряш, молодой человек, конторщик Дикого — Евгений Пилюгин Феклуша, странница — Евгений Косырев Глаша, девка в доме Кабановой — Любовь Корнева Старый пес — Анатолий Меньщиков Кот-НеСчастливцев — Виталийс СеменовсСвернуть

Премьера — 17 декабря 2016 года. Творческий тандем народного артиста СССР Владимира Этуша и режиссера – заслуженного деятеля искусств РФ Владимира Иванова давно радует Вахтанговскую публику.Подробнее Премьера — 17 декабря 2016 года. Творческий тандем народного артиста СССР Владимира Этуша и режиссера – заслуженного деятеля искусств РФ Владимира Иванова давно радует Вахтанговскую публику. Уже 16 лет не сходит с подмостков Театра Вахтангова «Дядюшкин сон» по Ф.М. Достоевскому (спектакль был сыгран 250 раз). 5 лет идёт «Цена» Артура Миллера — фрагмент спектакля «Пристань». Представления снискали несомненный успех у зрителей. В постановка Владимира Иванова психологическая глубина характеров сочетается с ирониничной лёгкостью и ярким гротеском. Успешное совместное творчество продолжилось в новом спектакле. На этот раз материалом постановки стала знаменитая пьеса Надежды Птушкиной «Пока она умирала». Но в сценической версии театра получила не только новое название – «Бенефис», но и несколько измененный сюжет. Поклонников Владимира Этуша ждет неожиданный сюрприз. Зрителям предстоит встреча с любимым артистом в совершенно новом качестве. Легендарный артист пошел на рискованный эксперимент с одним желанием – испытать себя в иной ипостаси. Продолжительность спектакля 2 часа 50 минут с одним антрактом Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка и сценическая версия Владимир Иванов Сценография и костюмы Максим Обрезков Музыкальный руководитель Татьяна Агаева, Арам Мирзоянц Художник-гример Ольга Калявина Художник по свету Александр Матвеев Звукорежиссеры Андрей Герасимов, Анатолий Ибрагимов Помощник режиссера Ирина Горошкова Действующие лица и исполнители: Александр Петрович, пожарник — Владимир Этуш Павел, актер — Евгений Князев Кира, актриса — Ольга Тумайкина Лена, молодая актриса — Екатерина Симонова Геннадий Петрович, директор театра — Сергей Пинегин Помощник режиссера — Светлана ИозефийСвернуть

ТЕАТР. МУЗЫКА. ПОЭЗИЯ. | 16+ Спектакль-инновация театра «Сатирикон», построенный только на стихах, музыке и пластических этюдах, не имеющий сквозного сюжета и четких действующих лиц смешит, веселит, заставляет…Подробнее ТЕАТР. МУЗЫКА. ПОЭЗИЯ. | 16+ Спектакль-инновация театра «Сатирикон», построенный только на стихах, музыке и пластических этюдах, не имеющий сквозного сюжета и четких действующих лиц смешит, веселит, заставляет задуматься, и более того – не отпускает несколько дней... «Это не постановка, а бомба замедленного действия!» (Musecube) «Зал встречал стоя. БРАВО!!!» (Дмитрий Шульгин)Свернуть

Премьера спектакля состоялась 14 октября 2016 года на Новой сцене Вахтанговского театра! Театр благодарит за помощь в создании спектакля И.А. Маршака. Первый звонок… Первый школьный день……Подробнее Премьера спектакля состоялась 14 октября 2016 года на Новой сцене Вахтанговского театра! Театр благодарит за помощь в создании спектакля И.А. Маршака. Первый звонок… Первый школьный день… Мальчики и девочки, полные жизни и радости, полные надежд рассказывают о себе, о родителях, о своих мечтах. Так начинается их общая биография. Так начинается пьеса «Наш класс». С этими десятью ребятами за время спектакля мы проживем десять жизней. Они будут дружить, веселиться, ссориться, мириться, драться. Они будут спасать и предавать друг друга, любить, ревновать, ненавидеть. И только одного они никогда не смогут – разорвать ту невидимую нить, которою связаны их жизни. Ибо – «одноклассник все равно, что родственник». В 2008 году польский драматург Тадеуш Слободзянек написал пьесу, название которой призывало осознать трудные уроки истории — «Наш класс. История в 14 уроках». Действие начинается в маленьком городке в конце 20-х годов, а судьбы персонажей — польских и еврейских мальчиков и девочек из одного класса — прослеживаются до наших дней. У десяти героев пьесы есть реальные прототипы, и события, описанные в пьесе, действительно происходили в польском городке Едвабне. Режиссер спектакля Наталья Ковалева:«В 2000 году вышла книга Я. Т. Гросса «Соседи» о Едвабне. Она вызвала в польском обществе шок, расколов его на два лагеря: желавших и не желавших признать свою вину. Для поляков это история их страны. Но ведь и в истории нашей страны есть трудные страницы. И это не только история: и сегодня нам часто приходится делать трудный выбор. За свой поступок отвечаем мы сами. Как поступить так, чтобы не захлебнуться поздним раскаянием? Работая над спектаклем, я часто задавала вопрос себе: «А что бы я сделала?». И оправдание, которое звучит у героев пьесы: «А что я мог сделать?», — не есть ответ. Так что для меня эта история — общечеловеческая. Везде, где человек зажат в кулак диктатуры, он перестает быть человеком — он становится волком, окружённым красными флажками. От страха он сеет зло вокруг себя, и в результате не может жить сам. Как выскочить за флажки? Мне думается, что о сложных уроках истории необходимо разговаривать с людьми языком театра, ибо он прост и нагляден: здесь перед живым человеком (зрителем) живой человек (артист) за пару часов проживает целую жизнь, проявляя тайные механизмы судьбы человека: связи его прошлого с настоящим и будущим». Тадеуш Слободзянек не летописец, который «добру и злу внимает равнодушно». Он глубоко встревожен вечными вопросами, он ведет битву за человека. Потому и достигает глубины художественного обобщения явлений. Пьеса «Наш класс» была отмечена главной литературной премией Польши Нике. При вручении ее автору было отмечено, что пока в Польше есть такие писатели, можно смотреть в будущее оптимистически. Спектакль рекомендован для зрителей старше 18 лет (18+). Продолжительность спектакля — 3 часа с одним антрактом. Режиссер — Наталья Ковалева Художник — Александр Боровский Композитор — Клавдия Тарабрина Хореограф — Ирина Филиппова Действующие лица и исполнители: Зоська — Полина Кузьминская Рахелька — Ксения Кубасова Дора — Дарья Щербакова Якуб Кац — Эльдар Трамов Рысек — Юрий Поляк Менахем — Владимир Шульев Зигмунт — Владимир Логвинов Хенек — Алексей Гиммельрейх Владек — Павел Попов Абрам — Максим СевриновскийСвернуть

Дидье Карон (12 июня 1963) начинал свою карьеру в качестве служащего небольшого банка. Но вскоре творческая натура Карона потребовала перемен. Он пробует себя в литературных жанрах, пишет…Подробнее Дидье Карон (12 июня 1963) начинал свою карьеру в качестве служащего небольшого банка. Но вскоре творческая натура Карона потребовала перемен. Он пробует себя в литературных жанрах, пишет первую пьесу «Благотворительность по заказу», которую поставили в театре «Сплендид», и несколько одноактных пьес, пробует роль артиста, снимаясь в небольших сериалах. Признание и успех в 2002 году принесет ему пьеса «Настоящее счастье», по которой он снимет свой первый полнометражный фильм. С тех пор Карон активно работает режиссером, актером, драматургом. С 2008 года руководит одним из самых старых и популярных театров Мишель в Париже. В его репертуаре сегодня с большим успехом идут две пьесы Карона — «Фальшивая нота», в которой он играет одну из главных ролей и «Сад Альфонса». «Фальшивая нота» написана в 2017 году и летом была показана на фестивале в Авиньоне. Всемирно известный дирижер Миллер только что завершил свой концерт в Женевской филармонии. Он недоволен своим оркестром и крайне раздражен. В его гримерной неожиданно появляется зритель, который специально приехал из Бельгии, чтобы присутствовать на этом концерте. Давний поклонник творчества Миллера, он жаждет получить автограф и фотографию маэстро на память. Но что стоит за этой встречей? Только ли желание выразить свой восторг или заранее заготовленный план? Встреча этих двух людей изменит жизнь каждого, превратившись в поединок, в результате которого поменяется мировоззрение и философия жизни обоих персонажей. Почти детективная история, где жертва и палач подчас меняются местами и держат зал в напряжении в течение всего спектакля. Премьера спектакля «Фальшивая нота» состоится 15 сентября – в день открытия 98-го сезона на основной сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Постановка — Римас Туминас Режиссер — Алексей Кузнецов Сценография — Адомас Яцовскис Костюмы — Максим Обрезков Композитор — Фаустас Латенас Перевод — Ирина Прохорова, Александр Браиловский Действующие лица и исполнители: Миллер — Алексей Гуськов Динкель — Геннадий ХазановСвернуть

Фёдор Воронцов, автор пьесы, актёр: «Мой отец, актер Михаил Воронцов, был человеком с прекрасным чувством юмора. Прирожденный артист, готовый каждую секунду подшутить, подколоть, разыграть.Подробнее Фёдор Воронцов, автор пьесы, актёр: «Мой отец, актер Михаил Воронцов, был человеком с прекрасным чувством юмора. Прирожденный артист, готовый каждую секунду подшутить, подколоть, разыграть. Юмористический азарт отца частенько был направлен на маму. Она пыталась игнорировать и не поддаваться на его провокации, но у него всегда получалось её расколоть, и даже довести до слёз. Чаще от смеха, а порой и всерьёз. Их «сражения» были всегда захватывающи! Мои родители могли признаваться в любви и ругаться стихами! Между ними всегда была энергетическая связь — «игра», которая не позволяла оставить друг друга в покое. Вот на таких качелях они и прожили все тридцать пять лет совместной жизни! Эта «игра» меня раздражала и восхищала одновременно. И я решил написать об этом пьесу. Я очень хотел, чтобы мои родители в ней и сыграли, но папа не успел — умер. А мама, актриса Елена Ивочкина, всё-таки решилась это сделать, взяв себе в партнеры друга нашей семьи, замечательного актера Евгения Карельских. Этот спектакль мы все посвящаем моему отцу, актёру театра Вахтангова, Михаилу Воронцову». Илья Шиловский, режиссёр: «Для большинства людей юбилей является торжеством, на котором приглашенные обычно публично перечисляют заслуги юбиляра перед обществом, попутно восхваляя его ценные человеческие качества. Пьеса молодого автора Федора Воронцова — попытка взглянуть на это событие совсем с другой стороны. Для героев этой истории юбилей — это прежде всего подведение итогов. Попытка хотя бы в этот день сказать себе правду. Разобраться, сожалеть ли о том, что сделал, или наоборот — о том, что не успел, не захотел, не смог. Понять, что для тебя является главным в этой жизни, а что вторичным». Автор пьесы — Федор Воронцов Режиссер-постановщик — Илья Шиловский Премьера спектакля — 26 мая 2018 года Действующие лица и исполнители: Елена Ивочкина Евгений КарельскихСвернуть

Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене,…Подробнее Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене, и юные зрители воочию увидят героев, которых сначала явило их воображение, а теперь они появятся на сцене и подарят удивительные моменты общения, развлекут, уведут в мир фантазии, где игра актеров и мастерство постановщика спектакля Владимира Иванова создадут волшебный мир удивительных превращений.Театр имени Евгения Вахтангова возвращается к практике постановки спектаклей для детей. Эту миссию он объединил с другой, уже ставшей традицией: включение лучшего выпускного спектакля Театрального института им. Б. Щукина в свой репертуар. Акция чрезвычайно важная, определяющая потенциальные возможности будущих актеров, их стимул к творческому росту на пути к профессиональной сцене.Сказка Ш. Перро, щедрый подарок, яркий, музыкальный, веселый, в живописных декорациях Максима Обрезкова, непременно порадует юных зрителей. Авторство спектакля «Кот в сапогах» принадлежит студентам IV курса актерского факультета и руководителю курса – профессору Владимиру Иванову, в прошлом сезоне удостоенному премии фестиваля им. А. Миронова «Фигаро» за верность репертуарному театру.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановХудожник – Максим ОбрезковМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваБалетмейстер – Олег ГлушковПродолжительность спектакля – два часа с одним антрактом.Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет.Свернуть

Две истории по пьесам Ф. Бордона «Последние луны» и Г. Мюллера «Тихая ночь». В афише Театра им. Вахтангова много разных спектаклей. Но если вдруг вам захочется задуматься, услышать негромкую историю жизни двух…Подробнее Две истории по пьесам Ф. Бордона «Последние луны» и Г. Мюллера «Тихая ночь». В афише Театра им. Вахтангова много разных спектаклей. Но если вдруг вам захочется задуматься, услышать негромкую историю жизни двух пожилых людей, настройтесь заранее — веселость на два часа покинет вас, и вы узнаете правду, которая встревожит, а может быть, окажется сопричастной и к вашей жизни. Актеры будут говорить со сцены о равнодушии, эгоизме, милосердии, сострадании. Как много в нашей жизни первого и как мало второго. И где, как не в театре, подумать об этом. В спектакле со странным названием «Последние луны» два акта и две одноактных пьесы — итальянца Фурио Бордона и немца Гарольда Мюллера, они неизвестны в России, но обе поставлены в двадцати странах. Пьеса «Последние луны» написана в 1992 году и отмечена премией театральных деятелей Италии как лучшая пьеса года. В сезоне 1995/96 года она была поставлена для Марчелло Мастрояни и стала последней театральной работой великого артиста. «Тихая ночь» Г. Мюллера написана три десятилетия тому назад и с успехом прошла в разных странах. Старость не знает национальных границ и географических пределов. Она может быть умиротворенной и счастливой в кругу близких, или стать катастрофой, если ты оставлен дорогими тебе людьми. Человек — единственное живое существо на свете, которое знает, что умрет. Итальянская и немецкая история двух пожилых людей пронзительно и горько сыграна замечательными русскими актерами Ириной Купченко и Василием Лановым. И если у зрителей после спектакля заноет сердце и они подумают о тех, кто в них нуждается или о тех, кому предстоит встретиться с их старостью, значит история, которую театр попытался рассказать, достигла цели. Постановка – Римас Туминас Режиссер – Алексей Кузнецов Сценография и костюмы – Мария Митрофанова Композитор – Фаустас Латенас В ролях:«Последние луны» — Василий Лановой, Елена Сотникова, Олег Макаров; «Тихая ночь» — Ирина Купченко, Сергей Юшкевич, Инна Алабина, Любовь Корнева, Наталья Молева, Нина Нехлопоченко и другие. Премьера спектакля состоялась 8 декабря 2008 года.Свернуть

Премьера спектакля состоялась 22 ноября 2017 года на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Андрей Максимов, режиссер: «В первую очередь я хочу сказать огромное спасибо Римасу Туминасу,…Подробнее Премьера спектакля состоялась 22 ноября 2017 года на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Андрей Максимов, режиссер: «В первую очередь я хочу сказать огромное спасибо Римасу Туминасу, который дал мне возможность реализовать свой проект на только открывшейся сцене Вахтанговского театра. Работать в лучшем театре страны – это просто какое-то невероятное чудо. Когда я сказал об этом Римасу Владимировичу, он ответил: «Чудо вы нам покажете в ноябре». Хочется в это верить. Благодаря директору театра Кириллу Кроку, театр работает как отлаженный механизм. Только ставь! Я стараюсь… Пьеса «Любовь у трона» — это своего рода фантасмагория: сон снится Екатерине Великой накануне государственного переворота, который приведет ее к власти на долгие годы. Во сне она вспоминает свои отношения с мужем Петром III. По сути, это история о любви на фоне политики. Я давно мечтал поработать с поразительной актрисой Ольгой Тумайкиной, очень хотел, чтобы Екатерину сыграла именно она. Мечта сбылась. Она очень мощная актриса, очень интересный, глубокий человек. С исполнителем роли Петра III были проблемы, пока я не вспомнил, что в Вахтанговском театре работает поразительный актер Андрей Ильин. Я видел его в роли Хлестакова на сцене Русского театра в Риге. Это была поразительная актерская работа! Я видел его на сцене МХТ и театра Моссовета. Счастлив теперь не только работать, но и общаться с ним. Впервые встретился в работе с художником Максимом Обрезковым, который придумал очень интересный мир для наших героев, очень необычный. Но Обрезков еще и создатель Симоновской сцены. Мне кажется, это уникальный случай, когда главный художник театра создал несколько сценических пространств, включая Новую сцену. Очень спокойный, интеллигентный, творческий человек. Музыку написал замечательный композитор Сергей Шустицкий, с которым мы сделали несколько спектаклей, и он даже выпустил диск с музыкой к моим постановкам. Мне кажется, что синонимом театра является удовольствие. Надо с удовольствием репетировать, с радостью. Я знаю, что есть режиссеры – любители «кровавых» репетиций, Бог им судья. Поставив довольно много спектаклей, я всегда старался, чтобы и актеры, и постановочная часть, и я сам получали удовольствие. Иначе не вижу смысла этим заниматься. Удовольствие должен получать и зритель. Это самое главное. Мне кажется, именно за этим он и приходит. Я не люблю разговоров о миссии театра, о некоем режиссерском послании. Сегодня есть большой интерес к судьбе Екатерины Великой. Мы, что называется, в тренде. И, слава Богу! Любовь у трона… Любовь на фоне серьезных разговоров о судьбе России, о судьбах русских людей… Сон-фантасмагория с подлинной человеческой страстью… Если зрителю будет интересно, если он поймет, что не напрасно потратил почти два часа – мы будем считать, что наша задача выполнена». Продолжительность спектакля 1 ч 40 мин. без антракта Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+) Действующие лица и исполнители: Пётр III, Император и Самодержец Всероссийский — Андрей Ильин Екатерина — его супруга, будущая Императрица и Самодержица Всероссийская Екатерина II — Ольга Тумайкина Остальные — Виталийс Семёновс, Павел Тэхэда КардэнасСвернуть

К открытию Новой сцены Вахтанговского театра Анжелика Холина создала новый спектакль, основанный на музыке романтических классических балетов – «Мужчины и женщины» (или Сценарии, по которым живут…Подробнее К открытию Новой сцены Вахтанговского театра Анжелика Холина создала новый спектакль, основанный на музыке романтических классических балетов – «Мужчины и женщины» (или Сценарии, по которым живут люди). Этот спектакль — повествование, сотканное из постоянных превращений отношений и чувств: кокетство, любовь, страсть, ревность, соперничество, предательство. Мужчины и женщины — какие они есть и какими хотят казаться. Анжелика Холина: «Этот спектакль – фантазия на тему Любви, трагическая комедия, которая соткана из моих наблюдений. Я назвала его «Мужчины и Женщины» потому что он именно о мужчинах и о женщинах. Мне хотелось ответить на вопрос, почему у людей в отношениях ничего не получается до конца, почему столько разрушенных союзов и сломанных судеб? В спектакле разыгрываются истории жизни мужчин и женщин с рождения, с чистоты, веры, с поиска любви и до конца их земного существования, когда любовь, которую они искали, встретили, пережили – умирает. Любовь – не романтическое все обещающее чувство. Это столкновение двух разных природ, женской и мужской. Огромным разрушительным оружием в отношениях является ЭГО человека, поэтому любовь часто приносит людям только боль. Мужчинам и женщинам надо учиться быть вместе и до конца бороться за свою любовь, даже когда их природная несовместимость становится невыносимой». Премьера спектакля продолжила «Парад премьер» Новой сцены 7 октября 2015 года. Продолжительность спектакля 2 ч.10 минут с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-хореограф и автор либретто — Анжелика Холина Художник-сценограф — Мариус Яцовскис Художник по костюмам и гриму — Юозас Статкевичус Художник по свету — Тадас Валейка Балетмейстер-репетитор — Живиле Байкштите Действующие лица и исполнители: Мужчины: Дмитрий Ендальцев, Александр Константинов, Павел Попов, Денис Самойлов, Павел Юдин Женщины: Ася Домская, Ксения Кубасова, Анастасия Лукьянова, Аня Чиповская, Лада ЧуровскаяСвернуть

Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса —…Подробнее Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса — Александр Коручеков). Это волшебная сказка, где звезды разговаривают, люди летают, где странное поведение персонажей – норма. Где герой истории мальчик Питер Пэн не хочет становиться взрослым, поэтому он убежал из дома и поселился среди фей в Кенсингтонском парке. Питер Пэн появляется в доме Дарлингов среди ночи, с феей Чинь-Чин с захватывающими рассказами о сказочной стране, увлекая ими детей, и улетает с ними в неведомое прекрасное пространство, где все необычно – времена года меняются ежечасно, где полно русалок, крокодилов, краснокожих индейцев, пиратов. Невообразимое стечение событий, поединков, фантастические истории ожидают Джона, Майка и Венди Дарлингов в компании потерявшихся мальчиков. От смертельной опасности их спасает Питер Пэн, победивший Капитана Крюка. Дети возвращаются в отеческий дом, где их ждут счастливые родители, они вырастают, и только Питер Пэн остается мальчишкой, который с трудом узнает повзрослевших друзей. Александр Коручеков, режиссер: «Есть знаковые сказки, которые выходят за рамки детской литературы. Как, например, «Алиса в стране чудес». Такова и история о Питере Пэне, мальчике, который не хотел взрослеть. Питер Пэн – это глубокая история, в ней много пластов. Этому произведению посвящены тома исследований, где выясняют, что такое взрослость, что такое детскость. У Джеймса Барри – есть и пьеса, и повесть о Питере Пэне. Пьеса замечательная, но ее надо ставить на большой сцене, делать мюзикл, в котором использовать машинерию, пригласить акробатов, фокусников, сделать сложный постановочный спектакль. Мы же готовим свою работу на Новой сцене и здесь важны не постановочные эффекты, а игровая суть истории. Ведь детство продолжается, пока человек играет, верит в приключения. Питеру Пэну скучно без игры: он, например, предлагает своим друзьям обедать «понарошку», а когда они понимают, что хотят есть по-настоящему, Питер не дает им возможности покинуть игру, вернуться в реальную жизнь. Игра остается игрой, пока всем весело, пока она в радость. Это очень глубокое и разнообразное произведение, которое исследует важные пласты жизни, ставит проблему неизбежного взросления: как из веселого ребенка – озорника и придумщика – вырастает обыкновенный скучный взрослый человек. Питер не хочет становиться взрослым, ускользает от реальной жизни. Он предпочитает остаться навсегда ребенком. Поэтому он обречен на одиночество. Обратиться к истории о Питере Пэне предложил Римас Туминас, и нам всем эта идея понравилась. Играть спектакль будут студенты IV курса Театрального института имени Б. Щукина. Мне интересно поставить со своими учениками (я – художественный руководитель этого курса) детский спектакль, в который каждый год будут вводиться новые исполнители – очередной выпускной курс. Мы постараемся уйти от иллюстративности и не хотим заигрывать с детьми-зрителями, хотя сценическое пространство предполагает тесный контакт с публикой. Наша задача – разбудить фантазию ребенка, заставить его включаться в ситуации, чтобы нашим маленьким зрителям хотелось дома доиграть, что-то додумать. Мы призываем детей к сотворчеству. Этот спектакль рассчитан и на детей с 6–7 лет, и на взрослых, мам и пап, особенно на тех, кто в душе так и остался ребенком». Премьера спектакля «ПИТЕР ПЭН» продолжила ПАРАД ПРЕМЬЕР на Новой сцене Театра Вахтангова 26 декабря 2015 года. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет (6+). Обращаем Ваше внимание, что все посещающие Театр зрители, вне зависимости от их возраста, должны иметь отдельный билет. Режиссер-постановщик — Александр Коручеков Художник-сценограф — Максим Обрезков Художник по костюмам — Мария Данилова Художник по свету — Нарек Туманян Хореограф — Сергей Землянский Композитор — Петр Налич В спектакле звучит музыка «The Beatles», «Queen», группы «АукцЫон» Благорарим за помощь в создании спектакля Ольгу Лерман, Арама Мирзоянца, Светлану Федотову.Свернуть

Премьера сказки для оркестра и чтеца «Аленький цветочек» на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. В роли чтеца выступит актер театра и кино, Заслуженный артист России Александр Олешко.Подробнее Премьера сказки для оркестра и чтеца «Аленький цветочек» на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. В роли чтеца выступит актер театра и кино, Заслуженный артист России Александр Олешко. Александр Олешко и оркестр Вахтанговского театра (музыкальный руководитель — Татьяна Агаева) подарят юным зрителям сказку «Аленький цветочек», музыку к которой написал современный композитор и дирижер Андрей Рубцов. Это новая интерпретация известной истории о русских Красавице и Чудовище. Текст Сергея Аксакова был подвергнут переработке, благодаря которой повествование обрело нужную динамику. «Аленький цветочек» — оригинальное и целостное сочинение. Композитору удалось создать яркие и запоминающиеся музыкальные образы, точно иллюстрирующие происходящие события. «Читать сказки с оркестром – это особое творческое счастье! Но в случае с «Аленьким цветочком» и волшебной музыкой, которую написал Андрей Рубцов, это умноженные в сто раз радость и восторг! Талантливый композитор, удивительный дирижер, добрый, честный, хороший человек! Все эти качества можно услышать в музыке! И я точно знаю, что и взрослые, и дети станут чуть счастливее и захотят прослушать эту сказку и эту музыку еще не раз!» — говорит Александр Олешко. Автор музыки: Андрей Рубцов – композитор и дирижер, окончил Московскую государственную консерваторию им. П.И. Чайковского по классу дирижирования, а затем – аспирантуру Королевской академии музыки в Лондоне.Свернуть

Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса —…Подробнее Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса — Александр Коручеков). Это волшебная сказка, где звезды разговаривают, люди летают, где странное поведение персонажей – норма. Где герой истории мальчик Питер Пэн не хочет становиться взрослым, поэтому он убежал из дома и поселился среди фей в Кенсингтонском парке. Питер Пэн появляется в доме Дарлингов среди ночи, с феей Чинь-Чин с захватывающими рассказами о сказочной стране, увлекая ими детей, и улетает с ними в неведомое прекрасное пространство, где все необычно – времена года меняются ежечасно, где полно русалок, крокодилов, краснокожих индейцев, пиратов. Невообразимое стечение событий, поединков, фантастические истории ожидают Джона, Майка и Венди Дарлингов в компании потерявшихся мальчиков. От смертельной опасности их спасает Питер Пэн, победивший Капитана Крюка. Дети возвращаются в отеческий дом, где их ждут счастливые родители, они вырастают, и только Питер Пэн остается мальчишкой, который с трудом узнает повзрослевших друзей. Александр Коручеков, режиссер: «Есть знаковые сказки, которые выходят за рамки детской литературы. Как, например, «Алиса в стране чудес». Такова и история о Питере Пэне, мальчике, который не хотел взрослеть. Питер Пэн – это глубокая история, в ней много пластов. Этому произведению посвящены тома исследований, где выясняют, что такое взрослость, что такое детскость. У Джеймса Барри – есть и пьеса, и повесть о Питере Пэне. Пьеса замечательная, но ее надо ставить на большой сцене, делать мюзикл, в котором использовать машинерию, пригласить акробатов, фокусников, сделать сложный постановочный спектакль. Мы же готовим свою работу на Новой сцене и здесь важны не постановочные эффекты, а игровая суть истории. Ведь детство продолжается, пока человек играет, верит в приключения. Питеру Пэну скучно без игры: он, например, предлагает своим друзьям обедать «понарошку», а когда они понимают, что хотят есть по-настоящему, Питер не дает им возможности покинуть игру, вернуться в реальную жизнь. Игра остается игрой, пока всем весело, пока она в радость. Это очень глубокое и разнообразное произведение, которое исследует важные пласты жизни, ставит проблему неизбежного взросления: как из веселого ребенка – озорника и придумщика – вырастает обыкновенный скучный взрослый человек. Питер не хочет становиться взрослым, ускользает от реальной жизни. Он предпочитает остаться навсегда ребенком. Поэтому он обречен на одиночество. Обратиться к истории о Питере Пэне предложил Римас Туминас, и нам всем эта идея понравилась. Играть спектакль будут студенты IV курса Театрального института имени Б. Щукина. Мне интересно поставить со своими учениками (я – художественный руководитель этого курса) детский спектакль, в который каждый год будут вводиться новые исполнители – очередной выпускной курс. Мы постараемся уйти от иллюстративности и не хотим заигрывать с детьми-зрителями, хотя сценическое пространство предполагает тесный контакт с публикой. Наша задача – разбудить фантазию ребенка, заставить его включаться в ситуации, чтобы нашим маленьким зрителям хотелось дома доиграть, что-то додумать. Мы призываем детей к сотворчеству. Этот спектакль рассчитан и на детей с 6–7 лет, и на взрослых, мам и пап, особенно на тех, кто в душе так и остался ребенком». Премьера спектакля «ПИТЕР ПЭН» продолжила ПАРАД ПРЕМЬЕР на Новой сцене Театра Вахтангова 26 декабря 2015 года. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет (6+). Обращаем Ваше внимание, что все посещающие Театр зрители, вне зависимости от их возраста, должны иметь отдельный билет. Режиссер-постановщик — Александр Коручеков Художник-сценограф — Максим Обрезков Художник по костюмам — Мария Данилова Художник по свету — Нарек Туманян Хореограф — Сергей Землянский Композитор — Петр Налич В спектакле звучит музыка «The Beatles», «Queen», группы «АукцЫон» Благорарим за помощь в создании спектакля Ольгу Лерман, Арама Мирзоянца, Светлану Федотову.Свернуть

Автор пьесы «Ветер шумит в тополях» Жеральд Сиблейрас – современный французский драматург, родился в 1961 году. В начале писательской деятельности работал над составлением диалогов и сценариев для…Подробнее Автор пьесы «Ветер шумит в тополях» Жеральд Сиблейрас – современный французский драматург, родился в 1961 году. В начале писательской деятельности работал над составлением диалогов и сценариев для фильмов. В соавторстве с Жаном Делом написал ряд пьес; одна из них, «Маленькая игра без последствий», принесла авторам невероятный успех и в 2003 году была удостоена театральной премии Мольера в пяти номинациях, в том числе «Лучшая французская пьеса года». Самостоятельная работа Ж. Сиблейраса «Ветер шумит в тополях» получила в 2006 году премию Лоуренса Оливье в номинации «Лучшая комедия». Жеральд Сиблейрас почти не известен в России, что не справедливо, ибо обладает безусловными достоинствами. Он – мастер остроумного диалога, его чувство юмора – безусловно, он философ и провокатор. Его герои – амбициозные чудаки, их самоирония беспощадна, а мечтательность наивна. На террасе дома престарелых встречаются три человека, у каждого свое прошлое, но сегодня они объединены одним будущим — старостью и границами этого дома. Скучная история? Нет. Ибо ее герои сосредоточены не на уходе из жизни, а борьбе за нее с обстоятельствами, комплексами, хворями, и нисколько не похожи на уходящую натуру. Жизнь будоражит их, мешает унынью. А прихватившие болячки – лишь повод для самоиронии. Соотечественник Ж. Сиблейраса Шарль де Голль сказал: «Достоинство нации определяется чувством юмора по отношению к себе». Этим качеством всецело обладают герои пьесы, в бесконечных перепалках друг с другом протекают мгновения их жизни, они мечтают о том, что не может случиться, и каждое утро приходят на террасу, как герои Беккета к засохшему дереву, зная, что ближайшая реальность – смерть. Историю трех чудаков поведают замечательные актеры – В. Вдовиченков, М. Суханов, В. Симонов в постановке Римаса Туминаса, чья режиссура – то живопись, то графика, которую он творит вместе с актерами, а когда работа закончена, уходит, и картина – спектакль – начинает самостоятельную жизнь. Так и в этой работе: они ищут ответы на вопросы о вечности, гордости, любви, сострадании, и в этой многокрасочности заключена мощная энергетика, которая, надеемся, перехлестнет через рампу и захватит зрителей. Совместный проект Театра имени Евгения Вахтангова и Международного театрального агентства «Арт-Партнер ХХI». Автор – Жеральд Сиблейрас Постановка – Римас Туминас Сценография и костюмы – Адомас Яцовскис Музыка – Фаустас Латенас Действующие лица и исполнители: Густав – Владимир Вдовиченков Фернан – Максим Суханов Рене – Владимир СимоновСвернуть

Премьера — 8 апреля 2018 года Пьеса Ники Симоновой «Фрида. Жизнь в цвете» о всемирно известных мексиканских художниках Фриде Кало и Диего Ривере. Об их творчестве, любви, противоречиях, спорах…Подробнее Премьера — 8 апреля 2018 года Пьеса Ники Симоновой «Фрида. Жизнь в цвете» о всемирно известных мексиканских художниках Фриде Кало и Диего Ривере. Об их творчестве, любви, противоречиях, спорах и примирениях. Об их непростой судьбе: изменах и расставаниях, — которые неспособны были разрушить их творческую общность. Фрида Кало родилась 6 июля 1907 года в пригороде Мехико. В восемнадцать лет она попала в тяжёлую аварию и получила серьёзные травмы, год была прикована к постели, а проблемы со здоровьем остались на всю жизнь. Именно после трагедии она впервые занялась живописью. В 1929 году вышла замуж за Диего Риверу, ей было 22, ему — 43. Их сближало не только искусство, но и общие политические убеждения — коммунистические. Их бурная совместная жизнь стала легендой. Спустя много лет Фрида говорила: «В моей жизни было две аварии: одна — когда автобус врезался в трамвай, другая — это Диего». В работах Фриды Кало заметно очень сильное влияние народного мексиканского искусства. Её творчество насыщено символами, и одновременно влиянием европейской живописи, что особенно проявляется в её ранних работах, равно как и присутствие стилистики наивного искусства. Большое влияние на живопись Фриды Кало оказал Диего Ривера. В её творчестве преобладает жанр автопортрета, метафорически отражающего события её жизни. В 1953 году состоялась первая персональная выставка художницы на её родине. В 2003 году выставка работ Фриды Кало и её фотографий прошла в Москве. Яркая и неординарная личность Фриды Кало нашла своё отражение в литературе и кинематографе. Диего Ривера родился 8 декабря 1886 года на северо-западе Мексики. С 1896 по 1902 год брал уроки рисования и живописи в Академии Художеств в Мехико, учился в Мадриде, жил и работал в Париже. Диего Ривера — один из самых знаменитых латиноамериканских художников-монументалистов ХХ века. В своём творчестве обращался к истории и современности коренных народов Америки, и в первую очередь — Мексики. Он испытал влияние как классического европейского изобразительного искусства, так и модернизма, в частности — кубизма. Ему были близки традиционные мексиканские художественные жанры и стили. В 1927 году Диего Ривера приезжал в СССР, участвовал в праздновании десятой годовщины революции. Несколько лет работал в США, его фрески украшают огромное число общественных зданий. Писал на темы фольклорных сюжетов, верований и обычаев народов Мексики и революционного движения в стране. В 1955–56 гг. Ривера вновь посещал СССР. Скончался 24 ноября 1957 года в Мексике, похоронен на территории Ротонды выдающихся деятелей. «Такие люди, как Ороско, Тамайо, Ривера, — подобны вершинам Анд», — сказал поэт Пабло Неруда. Режиссер Лейла Абу-аль-Кишек: «Творчество Фриды Кало неотделимо от ее жизни, большинство ее картин автобиографичны. Ее жизнь настолько насыщена событиями, что может послужить вдохновением для множества драматических произведений. Каждая картина – маленькая пьеса. За три дня до смерти Фрида напишет картину «Viva la Vida!». Это название звучит как манифест всей ее жизни, которую она прожила с благодарностью, несмотря на множество трагических обстоятельств. «Да здравствует Жизнь!» — говорит Фрида Кало на прощание. Спектакль «Фрида. Жизнь в цвете» о том, что скрыто за яркими и, отчасти, наивными картинами Фриды Кало. Это история об одиночестве, страсти, боли, любви и предназначении». Ника Симонова, автор текста «Фрида. Жизнь в цвете»: «История сама по себе настолько драматическая, красочная и самодостаточная, что все время нашей работы над спектаклем она вела нас: автора, режиссера, исполнительницу главной роли и всех создателей спектакля, – за собой, направляя, подсказывая решения. В сценах мы использовали документальные материалы, отрывки из дневника Фриды Кало, фрагменты интервью Диего Риверы, мексиканские крылатые фразы, песни, но также и свой субъективный взгляд на внутреннее развитие персонажей. Для меня «Фрида. Жизнь в цвете» — это в первую очередь история преодолений и подвигов одной маленькой женщины, которой суждено было стать большим художником. Это история любви и публичного одиночества. Это история победы цвета над серостью, выдумки над повседневностью, жизни над смертью». В спектакле звучит народная мексканская музыка Запись музыки осуществлена в студии Театра имени Евгения Вахтангова Звукорежиссёр — Руслан Кнушевицкий В записи принимали участие: Михаил Айнетдинов (труба), Николай Шипулин (гитара, бас-гитара, перкуссия, ударные), Андрей Сергиевский (рояль, синтезатор), Жазира Абдигали (виолончель) Создатели спектакля выражают благодарность Посольству Мексики в России и лично советнику по культуре Наталье Фортуни за неоценимые консультации в процессе репетиций Продолжительность спектакля 2 часа 30 минут с антрактом Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссёр Лейла Абу-аль-Кишек Художник-постановщик Дина Боровик Композитор Николай Шипулин Хореограф Евгения Любашина Музыкальный руководитель и педагог по вокалу Андрей Сергиевский Художник-гримёр Ольга Калявина Художник по свету Сергей Мясников Звукорежиссёр Екатерина Волкова Помощник режиссёра Рогнеда Смирнова Действующие лица и исполнители: Ведущий — Андрей Удалов Певица — Полина Чернышова Фрида Кало — Аделина Гизатуллина Алехандро Ариас — Константин Белошапка Кристина Кало — Анастасия Жданова Диего Ривера — Денис Самойлов Лупе Марин — Мария Волкова / Наталья Винокурова Лев Троцкий — Павел ЮдинСвернуть

Пьеса «Бег» – знаковое для творчества Михаила Булгакова произведение. Е.С. Булгакова вспоминала: «Это была любимая пьеса Михаила Афанасьевича. Он любил эту пьесу, как мать любит ребенка».Валентин Каверин писал о пьесе: «Бег»…Подробнее Пьеса «Бег» – знаковое для творчества Михаила Булгакова произведение. Е.С. Булгакова вспоминала: «Это была любимая пьеса Михаила Афанасьевича. Он любил эту пьесу, как мать любит ребенка».Валентин Каверин писал о пьесе: «Бег» разрушает условные границы жанра, то перед нами психологическая драма, то фантасмагория, почти выпадающая из реальных представлений об окружающем мире».Сценическая история пьесы «Бег» была непростой. После запрета в 1928 году ее репетиций во МХАТе, вопрос о постановке «Бега» четырежды рассматривался на заседаниях Политбюро. Второго, после «Дней Турбиных», появления белого офицерства на сцене власти не допустили. При жизни автора пьеса не была поставлена, что «было для М. Булгакова почти катастрофой». Премьера «Бега» состоялась только в 1957 году в Сталинграде.«Пьеса почти не имеет сценической истории. Семь более – менее известных постановок за 87 лет – это почти ничего. Факт довольно удивительный, учитывая восприятие пьесы как шедевра. И дело тут, как мне кажется, не в острой социальности,... а в загадочной театральной фактуре, в невозможности найти сценический эквивалент фантастическим, невообразимым ремаркам Булгакова, да и самому тексту, произносимому людьми, населяющими эту пьесу. Вот такая, например, ремарка: «Поднимаясь в гибельные выси…». Это что такое? Это можно сыграть??? Это как??? Но как прекрасно! И не надо искать основу для постановки пьесы в событиях реальной жизни – это тупиковый путь, сужающий поиск и тему.«Бег» для меня – это состояние человека, проснувшегося после сна, в котором его преследовал кошмар, видения… а утром ты обретаешь покой… Ты один, очень тихо, в соседней комнате спят родные,.. все хорошо,.. и ты спокоен и счастлив…» Юрий Бутусов.Режиссер – Юрий БутусовСценография – Александр ШишкинХудожник по костюмам – Максим ОбрезковХудожник по свету – Александр СиваевБалетмейстер – Николай РеутовХудожник по гриму – Ольга КалявинаЗвуковой дизайн – Андрей МирныйВ спектакле звучат стихотворения И. Бродского, В. Маяковского, А. Володина, С. ДовлатоваПродолжительность спектакля 3 ч. 50 мин.Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+).Свернуть

Премьера спектакля состоялась 14 октября 2016 года на Новой сцене Вахтанговского театра! Театр благодарит за помощь в создании спектакля И.А. Маршака. Первый звонок… Первый школьный день……Подробнее Премьера спектакля состоялась 14 октября 2016 года на Новой сцене Вахтанговского театра! Театр благодарит за помощь в создании спектакля И.А. Маршака. Первый звонок… Первый школьный день… Мальчики и девочки, полные жизни и радости, полные надежд рассказывают о себе, о родителях, о своих мечтах. Так начинается их общая биография. Так начинается пьеса «Наш класс». С этими десятью ребятами за время спектакля мы проживем десять жизней. Они будут дружить, веселиться, ссориться, мириться, драться. Они будут спасать и предавать друг друга, любить, ревновать, ненавидеть. И только одного они никогда не смогут – разорвать ту невидимую нить, которою связаны их жизни. Ибо – «одноклассник все равно, что родственник». В 2008 году польский драматург Тадеуш Слободзянек написал пьесу, название которой призывало осознать трудные уроки истории — «Наш класс. История в 14 уроках». Действие начинается в маленьком городке в конце 20-х годов, а судьбы персонажей — польских и еврейских мальчиков и девочек из одного класса — прослеживаются до наших дней. У десяти героев пьесы есть реальные прототипы, и события, описанные в пьесе, действительно происходили в польском городке Едвабне. Режиссер спектакля Наталья Ковалева:«В 2000 году вышла книга Я. Т. Гросса «Соседи» о Едвабне. Она вызвала в польском обществе шок, расколов его на два лагеря: желавших и не желавших признать свою вину. Для поляков это история их страны. Но ведь и в истории нашей страны есть трудные страницы. И это не только история: и сегодня нам часто приходится делать трудный выбор. За свой поступок отвечаем мы сами. Как поступить так, чтобы не захлебнуться поздним раскаянием? Работая над спектаклем, я часто задавала вопрос себе: «А что бы я сделала?». И оправдание, которое звучит у героев пьесы: «А что я мог сделать?», — не есть ответ. Так что для меня эта история — общечеловеческая. Везде, где человек зажат в кулак диктатуры, он перестает быть человеком — он становится волком, окружённым красными флажками. От страха он сеет зло вокруг себя, и в результате не может жить сам. Как выскочить за флажки? Мне думается, что о сложных уроках истории необходимо разговаривать с людьми языком театра, ибо он прост и нагляден: здесь перед живым человеком (зрителем) живой человек (артист) за пару часов проживает целую жизнь, проявляя тайные механизмы судьбы человека: связи его прошлого с настоящим и будущим». Тадеуш Слободзянек не летописец, который «добру и злу внимает равнодушно». Он глубоко встревожен вечными вопросами, он ведет битву за человека. Потому и достигает глубины художественного обобщения явлений. Пьеса «Наш класс» была отмечена главной литературной премией Польши Нике. При вручении ее автору было отмечено, что пока в Польше есть такие писатели, можно смотреть в будущее оптимистически. Спектакль рекомендован для зрителей старше 18 лет (18+). Продолжительность спектакля — 3 часа с одним антрактом. Режиссер — Наталья Ковалева Художник — Александр Боровский Композитор — Клавдия Тарабрина Хореограф — Ирина Филиппова Действующие лица и исполнители: Зоська — Полина Кузьминская Рахелька — Ксения Кубасова Дора — Дарья Щербакова Якуб Кац — Эльдар Трамов Рысек — Юрий Поляк Менахем — Владимир Шульев Зигмунт — Владимир Логвинов Хенек — Алексей Гиммельрейх Владек — Павел Попов Абрам — Максим СевриновскийСвернуть

Премьера спектакля состоялась 19 декабря 2009 г. «Возьмите „Записки сумасшедшего“, этот уродливый гротеск, эту странную, прихотливую грезу художника, эту добродушную насмешку над жизнию и человеком, жалкою…Подробнее Премьера спектакля состоялась 19 декабря 2009 г. «Возьмите „Записки сумасшедшего“, этот уродливый гротеск, эту странную, прихотливую грезу художника, эту добродушную насмешку над жизнию и человеком, жалкою жизнию, жалким человеком, эту карикатуру, в которой такая бездна поэзии, такая бездна философии, эту психическую историю болезни, изложенную в поэтической форме, удивительную по своей истине и глубокости, достойную кисти Шекспира: вы еще смеетесь над простаком, но уже ваш смех растворен горечью; это смех над сумасшедшим, которого бред и смешит, и возбуждает сострадание». В. Г. Белинский «О русской повести и повестях Гоголя» Под занавес 2009 года, объявленного ЮНЕСКО годом Н. В. Гоголя, Вахтанговский театр выпускает премьеру спектакля «Записки сумасшедшего». Пять лет назад театр уже обращался к этому мистическому произведению. Постоянные творческие искания исполнителя роли Поприщина Юрия Краскова, поддержанные художественным руководителем театра Римасом Туминасом, привели к созданию новой версии человеческой истории гоголевского титулярного советника. Продолжительность спектакля 1 час. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Руководитель постановки — Римас Туминас Сценография и костюмы — Максим Обрезков Художник-гример — Ольга Калявина Помощник режиссера — Наталья Кузина Действующие лица и исполнители: Поприщин — Юрий Красков За роялем — Наталья ГавриловаСвернуть

Сцены из деревенской жизни в двух действиях по пьесе Антона Чехова. Не удивляйтесь, если придя в Театр им. Евг. Вахтангова на спектакль «Дядя Ваня», вы не узнаете знакомых персонажей, а известные слова…Подробнее Сцены из деревенской жизни в двух действиях по пьесе Антона Чехова. Не удивляйтесь, если придя в Театр им. Евг. Вахтангова на спектакль «Дядя Ваня», вы не узнаете знакомых персонажей, а известные слова зазвучат неожиданно. Нет, Римас Туминас не совершил акта вандализма, он не переписал текст, не сократил его. Он прочел его с листа, как бы не догадываясь, что и до него были интерпретаторы. Режиссер очистил сцену от быта, оставив поле битвы страстей, разбитых иллюзий, неслучившихся надежд. Герои А. Чехова, увиденные Туминасом и воплощенные актерами, живут в сшибке амбиций, философствования, трудолюбия и ленности, служения и потребления. В творчестве А.П. Чехова находят предтечу театра абсурда: говорят одно, делают другое, думают третье. «Дядя Ваня» Туминаса о том, что думают герои Чехова и в чем признаются только в минуты душевного потрясения. Они порой косноязычны, как дядя Ваня, или излишне брутальны, как Астров, но их признания вырываются из души яростно, как человек из душной комнаты на свежий воздух. Режиссер и исполнители любят своих героев — таких разных, одиноких, порой смешных. Да, да, смешных! А. П. Чехов свои пьесы называл комедиями. Режиссеры и зрители гадали, почему эти истории, наполненные страданиями, недосказанностью, заканчивающиеся всегда на пронзительно-грустной ноте, – комедии? Для Туминаса пьесы Чехова – путь поиска, разгадка сути, оправдание жанра. Каждая его постановка – приближение к смыслу этого загадочного слова «комедия», так противоречащего контексту сюжета. Как тут не вспомнить слова А.С. Пушкина: «Высокая комедия не основана единственно на смехе, но на развитии характеров и нередко близко подходит к трагедии». Постановка – Римас Туминас Сценография и костюмы – Адомас Яцовскис Композитор – Фаустас Латенас В ролях: Владимир Симонов, Анна Дубровская, Евгения Крегжде / Мария Бердинских, Людмила Максакова, Сергей Маковецкий, Владимир Вдовиченков / Артур Иванов, Юрий Красков, Галина Коновалова, Сергей Епишев. Премьера спектакля состоялась 2 сентября 2009 года.Свернуть

Премьера спектакля — 2 марта 2017 года. Спектакль в постановке выпускника Мастерской Римаса Туминаса — Владимира Бельдияна. «А где же еще в наш рациональный и прагматичный век можно встретить таких дураков,…Подробнее Премьера спектакля — 2 марта 2017 года. Спектакль в постановке выпускника Мастерской Римаса Туминаса — Владимира Бельдияна. «А где же еще в наш рациональный и прагматичный век можно встретить таких дураков, которые так упорно еще чего–то ждут и на что-то надеятся, если не в театре?» (Римас Туминас). Владимир Что мы здесь делаем — вот в чем вопрос! И наше счастье, что случилось так, что мы знаем ответ. Да! В этом невероятном хаосе ясно только одно — мы ждём, когда придёт Годо… ... или когда наступит ночь. У нас назначена встреча, и точка. Мы не святые, но у нас назначена встреча. Сколько людей могут похвастаться тем же? Эстрагон Миллиарды. Беккет – писатель отчаяния. Но его почти неразличимый голос слышен, когда мы перестаем верить, что «человек – это звучит гордо». В пьесе «В ожидании Годо» Сэмюэля Беккета рассказана трогательная история о бродягах, живущих на обочине жизни, повязанных друг с другом общностью судьбы, надежд и ожиданий. Они бесконечно одиноки в этом мире, где счастливые истории всегда чужие. Каждый день они встречаются под засохшим деревом и ждут... В этом спектакле клоунада органично соседствует с трагедией, мистика с реальным миром. Живые люди превращаются в знаковые фигуры, а отвлечённое понятие времени обретает пластическое выражение. «В ожидании Годо» — это театр жизни, иллюзии и жестокой правды. «В ожидания Годо», где царит страх, не ушедший еще из Европы 1940-х после окончания самой жуткой из войн: Второй Мировой войны. Страх перед завтрашним днем, с наступлением которого кто-то уже не проснется был знаком Беккету, принимавшему участие во французском Сопротивлении. Война, говорят ветераны, это, прежде всего, одуряющее ожидание конца. Странные разговоры персонажей Беккета многие воспринимают как торжество абсурдистского юмора; но, быть может, единственная цель их бесед– спастись от страха бытия и пустоты мира, которая вдруг заявила о себе. Речь разрушает тишину. Но живы мы не когда говорим, а только когда нас слышат. Не случайно персонажи Беккета в спектакле похожи на клоунов. Увидеть в современном человеке не героя, а клоуна – не значит его унизить. Наборот в клоунах европейского театрального авангарда заключено стремление стать героем, обрести смысл существования, пусть даже природа современного человека, на взгляд Беккета, не очень-то соответствует привычному облику героя. Единственное занятие, которое персонажи Беккета признают для себя достойным, – ждать Годо. Многие критики отмечали неслучайность сходства в английском имени “God” (Бог) и “Godo” (Годо). Вероятно, Беккет хочет сказать своему зрителю, что ожидание Годо – единственное достойное занятие в мире, лишенном героизма и силящемся вновь обрести былую красоту. Беккет наотрез отказывался от звания абсурдиста, назвав свою пьесу трагикомедией. В 1969 году он был награжден Нобелевской премией по литературе, в дипломе лауреата стояла формулировка: «за сочинения, которые – в новых формах романа и драмы – обретают возвышенность посреди нищеты современного человека». «Сказка о спасении оборачивается руководством к действию». (Владимир Бельдиян). Продолжительность спектакля 1 час. 45 мин. без антракта Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-постановщик — Владимир Бельдиян Сценография — Владимир Круглов Свет — Александр Матвеев Костюмы, грим, дизайн — Анна Пакулова Звукорежиссеры — Андрей Мирный, Андрей Рыбников Помощник режиссера — Наталья Кузина Действующие лица и исполнители: Владимир — Алексей Гиммельрейх Эстрагон — Матвей Волков Поццо — Владислав Гандрабура Счастливчик — Артем Пархоменко Мальчик — Антон Полосов, Юрий Цокуров Спектакль обслуживают: Константин Белошапка, Александр Галочкин, Александр Горбатов, Оксана СурковаСвернуть

Премьера — 17 декабря 2016 года. Творческий тандем народного артиста СССР Владимира Этуша и режиссера – заслуженного деятеля искусств РФ Владимира Иванова давно радует Вахтанговскую публику.Подробнее Премьера — 17 декабря 2016 года. Творческий тандем народного артиста СССР Владимира Этуша и режиссера – заслуженного деятеля искусств РФ Владимира Иванова давно радует Вахтанговскую публику. Уже 16 лет не сходит с подмостков Театра Вахтангова «Дядюшкин сон» по Ф.М. Достоевскому (спектакль был сыгран 250 раз). 5 лет идёт «Цена» Артура Миллера — фрагмент спектакля «Пристань». Представления снискали несомненный успех у зрителей. В постановка Владимира Иванова психологическая глубина характеров сочетается с ирониничной лёгкостью и ярким гротеском. Успешное совместное творчество продолжилось в новом спектакле. На этот раз материалом постановки стала знаменитая пьеса Надежды Птушкиной «Пока она умирала». Но в сценической версии театра получила не только новое название – «Бенефис», но и несколько измененный сюжет. Поклонников Владимира Этуша ждет неожиданный сюрприз. Зрителям предстоит встреча с любимым артистом в совершенно новом качестве. Легендарный артист пошел на рискованный эксперимент с одним желанием – испытать себя в иной ипостаси. Продолжительность спектакля 2 часа 50 минут с одним антрактом Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка и сценическая версия Владимир Иванов Сценография и костюмы Максим Обрезков Музыкальный руководитель Татьяна Агаева, Арам Мирзоянц Художник-гример Ольга Калявина Художник по свету Александр Матвеев Звукорежиссеры Андрей Герасимов, Анатолий Ибрагимов Помощник режиссера Ирина Горошкова Действующие лица и исполнители: Александр Петрович, пожарник — Владимир Этуш Павел, актер — Евгений Князев Кира, актриса — Ольга Тумайкина Лена, молодая актриса — Екатерина Симонова Геннадий Петрович, директор театра — Сергей Пинегин Помощник режиссера — Светлана ИозефийСвернуть

Спектакль — лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль», 2016 Кто он, этот господин, появившийся в предновогоднюю заснеженную ночь в холле маленькой гостиницы города под названием Остенд?…Подробнее Спектакль — лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль», 2016 Кто он, этот господин, появившийся в предновогоднюю заснеженную ночь в холле маленькой гостиницы города под названием Остенд? Он актер и сам расскажет о себе, а мы станем пленниками его истории, судьбы, мистификации, игры воображения, мечты о роли Короля Лира, надсадной откровенности и подспудных тайн, о которых можно догадываться, так и не узнав, где граница между вымыслом и реальностью. Бернхард Томас Бернхард (1931–1989) – автор пьесы «Минетти» (1976) не очень известен в России. Да и за рубежом его имя не так уж часто появляется на афишах театров. Бернхард – незаконнорожденный австриец, появившийся на свет в Голландии, куда спешно уехала его мать, дабы скрыть свой грех. Автор «Минетти» – фигура сложная, противоречивая, как и все его творчество, в котором мистика и абсурд переплетены настолько тесно, что границы реальности постоянно теряются в вымысле. Он называл свое творчество «искусством преувеличений». Для него театр – не просто сцена, а пространство, на котором происходят события, разыгрывается драма судеб или судьбы. Мир героя – это театр во всех его проявлениях: героический, буффонный, величественный, площадной. Театр живет в его воображении, он превращает реальность в лицедейство, и поводом для этого могут послужить простые бытовые детали или случайные персонажи. Герои Бернхарда живут в противоречии с миром. Часто конфликт в пьесе вырастает из ощущения глубокого разлада между взглядом на мир автора и тем, как видят его окружающие. Большинство пьес Бернхарда содержит в своей основе монолог героя, прерываемый разве что несколькими проходными репликами. Зрителям необходимо понять второй план повествования, в котором скрывается тоска героя по гармонии – мечта, которая никогда не сбудется. Как не сбылась мечта его героя сыграть Короля Лира. Энсор Главный герой этой пьесы много раз повторяет, как заклинание, имя художника Энсора – создателя маски Короля Лира. Маска была сделана по его просьбе и хранится, как самое дорогое сокровище, в его старом чемодане. Энсор – историческая личность, и, как это часто бывает у Томаса Бернхарда, его имя связано с действием пьесы многими невидимыми нитями. Джеймс Энсор (1860–1949) – известный в Европе бельгийский художник, уроженец и житель Остенда – того самого приморского городка, в который прибыл старый Минетти. Он прожил всю жизнь в провинциальном Остенде, где по наследству от родителей ему досталась небольшая лавочка сувениров и антиквариата, полная самых невероятных вещей со всех концов мира, собранных безо всякой системы и принципа. Несмотря на свой упрямый провинциализм, к старости Энсор снискал большие почести и награды (титул барона, Орден Почетного легиона) и стал одним из самых уважаемых и известных в мире бельгийцев. Энсор немного похож на главного героя пьесы «Минетти» тем, что, достигнув к концу XIX в. европейской славы, будучи в самом расцвете сил, он вдруг стал рисовать много меньше, не побоявшись уйти в безвестность, и почти четверть века не имел крупных выставок. Маски и скелеты – постоянно повторяющиеся предметы на картинах Энсора. Его излюбленный сюжет – карнавал, в котором участвуют люди и маски: веселые и жуткие, человеческие и звериные, – где улыбка соседствует с оскалом черепа. Близость жизни и смерти, человека и зверя, праздника и страдания, повседневного быта и потусторонней мистики – любимые темы Энсора. Для воплощения этих тем он почти всегда избирал приемы гротеска. Кто-то резонно отмечал сходство его картин со средневековыми миниатюрами на темы «танца смерти», полотнами Босха и других мастеров позднего Возрождения; иные же утверждали, что именно Энсор стал первым провозвестником экспрессионизма в живописи. Минетти Минетти – еще одна историческая личность, введенная автором в спектакль к полному недоумению современников. Бернхард Минетти (1905–1998) – один из самых знаменитых театральных актеров Германии, актер-долгожитель, продолжавший играть на сцене тогда, когда ему было уже за 90 лет и он с трудом передвигался. Томас Бернхард, собственно, и создал свою пьесу для исторического Бернхарда Минетти. В 1976 году Минетти, когда ему исполнился 71 год, презрев все несчастливые приметы, сыграл на сцене смерть старого актера, нареченного его же именем собственным. Премьера спектакля «Минетти» состоялась в Штутгарте (Вюртембергский государственный театр), и после премьеры, вопреки самым печальным пророчествам, которых много тогда ходило в театральной среде Германии, актер прожил еще 22 года. Тем интереснее отметить «поправки» к судьбе Минетти-персонажа, внесенные в вымышленный сюжет реальной жизнью артиста, и невольные пророчества, прозвучавшие в пьесе. Следующей ролью настоящего Минетти стал Просперо из «Бури» Шекспира (Театр Шиллера, Берлин, 1977), которого Минетти-персонаж очень хотел сыграть после Лира и для которого «Энсор» тоже должен был сделать маску, но так и не сделал. Главным же в пьесе, неожиданно для всех, оказалось пророчество о Лире: действительно, последней большой ролью 80-летнего Бернхарда Минетти в театре стал именно Король Лир в трагедии Шекспира (Театр Шаубюне, Берлин, премьера в 1984 году). Так игра воображения и реальности, положенная в основу пьесы Бернхарда, покинула пределы сцены и без спроса вошла в жизнь артиста. Премьера спектакля — 3 октября 2015 года — приурочена к открытию Новой сцены Театра имени Евгения Вахтангова. Продолжительность спектакля 1 час 40 минут без антракта. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер — постановщик — Римас Туминас Ассистент режиссера — Анатолий Дзиваев Сценограф — Адомас Яцовскис Художник по костюмам — Котрина Дауётайте Музыка — Фаустас Латенас Хореограф — Анжелика Холина Mузыкальный руководитель — Татьяна Агаева Художник по свету — Нарек Туманян Художник-гример — Ольга Калявина Звукорежиссер — Андрей Мирный Помощник режиссера — Наталья Меньшикова В спектакле звучат фрагменты из произведений Уильяма Шекспира, Эдмона Ростана, Осипа Мандельштама. Действующие лица и исполнители: Минетти — Владимир Симонов Дама — Людмила Максакова Супружеская пара — Агнесса Петерсон, Алексей Кузнецов Девушка — Полина Кузьминская Влюбленный клоун — Максим Севриновский Портье — Виталийс Семеновс Сотрудники отеля — Юрий Поляк, Лада Чуровская, Максим Мальцев Музыканты отеля — Мария Волкова, Яна Соболевская Гости отеля – Маски — Ольга Боровская, Лилия Гайсина (Брик), Алексей Гиммельрейх, Ася Домская, Анастасия Лукьянова, Екатерина Нестерова, Оксана Суркова, Эльдар Трамов, Павел Юдин, Василий ЦыганцовСвернуть

Дидье Карон (12 июня 1963) начинал свою карьеру в качестве служащего небольшого банка. Но вскоре творческая натура Карона потребовала перемен. Он пробует себя в литературных жанрах, пишет…Подробнее Дидье Карон (12 июня 1963) начинал свою карьеру в качестве служащего небольшого банка. Но вскоре творческая натура Карона потребовала перемен. Он пробует себя в литературных жанрах, пишет первую пьесу «Благотворительность по заказу», которую поставили в театре «Сплендид», и несколько одноактных пьес, пробует роль артиста, снимаясь в небольших сериалах. Признание и успех в 2002 году принесет ему пьеса «Настоящее счастье», по которой он снимет свой первый полнометражный фильм. С тех пор Карон активно работает режиссером, актером, драматургом. С 2008 года руководит одним из самых старых и популярных театров Мишель в Париже. В его репертуаре сегодня с большим успехом идут две пьесы Карона — «Фальшивая нота», в которой он играет одну из главных ролей и «Сад Альфонса». «Фальшивая нота» написана в 2017 году и летом была показана на фестивале в Авиньоне. Всемирно известный дирижер Миллер только что завершил свой концерт в Женевской филармонии. Он недоволен своим оркестром и крайне раздражен. В его гримерной неожиданно появляется зритель, который специально приехал из Бельгии, чтобы присутствовать на этом концерте. Давний поклонник творчества Миллера, он жаждет получить автограф и фотографию маэстро на память. Но что стоит за этой встречей? Только ли желание выразить свой восторг или заранее заготовленный план? Встреча этих двух людей изменит жизнь каждого, превратившись в поединок, в результате которого поменяется мировоззрение и философия жизни обоих персонажей. Почти детективная история, где жертва и палач подчас меняются местами и держат зал в напряжении в течение всего спектакля. Премьера спектакля «Фальшивая нота» состоится 15 сентября – в день открытия 98-го сезона на основной сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Постановка — Римас Туминас Режиссер — Алексей Кузнецов Сценография — Адомас Яцовскис Костюмы — Максим Обрезков Композитор — Фаустас Латенас Перевод — Ирина Прохорова, Александр Браиловский Действующие лица и исполнители: Миллер — Алексей Гуськов Динкель — Геннадий ХазановСвернуть

Наталья Ковалева, режиссер спектакля: «Время от времени, каждый из нас задает себе непростые вопросы: кто я? зачем я живу? каково мое назначение? что я могу и не могу себе позволить? Такой разговор…Подробнее Наталья Ковалева, режиссер спектакля: «Время от времени, каждый из нас задает себе непростые вопросы: кто я? зачем я живу? каково мое назначение? что я могу и не могу себе позволить? Такой разговор предлагает зрителю спектакль «Очарованный странник». Вместе с героями спектакля мы отправимся в очарованное странствие по своей жизни, потому что это наши вопросы и наша жизнь. Пароход. Маленький кусочек суши посреди бескрайней воды. Десять человек плывут на остров Валаам. Долгий путь обыкновенно располагает к разговору. А порой даже и к исповеди. Такую исповедь нам и предстоит услышать. И развернется перед нами человеческая жизнь. Жизнь Ивана Флягина. Яркая, полная непредсказуемых поворотов, ситуаций смешных и горьких. В ней будет всё: высокая жертвенная любовь, муки телесные и душевные, жестокость и сострадание. Перед нами пройдут сцены неистовые и нежные: вот Иван укрощает дикого коня, а вот «укрощен» сам красотою женщины; вот он в единоборстве убивает человека, а вот пронизан жалостью и любовью к чужому ребенку… Сцена станет полем битвы за человеческую душу. Душа человеческая станет полем битвы. За нее будут драться и ангелы и демоны. Река жизни будет приносить Ивану образы убитого им монаха, согретой его любовью девочки, пьянчужки — барина, умницы Евгеньи Семёновны, красавицы-цыганки Грушеньки. Иван листает свою книгу жизни и открывается душа человеческая. А душа-то самая русская – всё её страсти морочат. Ведь Иван – типичный русский характер: широкий и страстный, дикий и необузданный, рисковый и смелый, упрямый, бесшабашный. И путь его – это путь человека от раба своих страстей и желаний до человека свободного. «Очарованный странник» – история сегодняшняя. Житие человеческое, описанное Лесковым, это жизнь каждого из нас. И ещё – это наша общая жизнь. Читаешь последние страницы повести и проникаешься тревогой её героя. Он страшится за свой народ, потому что когда все кричат о мире, то нападает «всегубительство». А что мы видим вокруг? В газетах, по радио, в телевизорах – все рассказывают нам о том, как борются за мир и покой, а на деле – там война, там террористический акт, там насилие, там вандализм, там коррупция, там грабеж, там ложь и так далее. Николай Лесков – исконно русский писатель. Русский по темам, которые выбирает, по героям, которых выводит, по мелодическому складу языка, которым их описывает. Я бы даже назвала его писателем эпическим, потому что повествования его – это всегда целостная картина народной жизни, на фоне которой разворачивается жизнь героя. И герой этот плоть от плоти народной. Лучше не скажешь, чем сказал сам Лесков в завершении «Левши»: «…предания эти нет нужды торопиться забывать, несмотря на баснословный склад легенды и эпический характер главного героя. …Это эпос… с очень «человечкиной душою». Вот и «Очарованный странник», как всякий эпос, – история вечная».Свернуть

Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса —…Подробнее Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса — Александр Коручеков). Это волшебная сказка, где звезды разговаривают, люди летают, где странное поведение персонажей – норма. Где герой истории мальчик Питер Пэн не хочет становиться взрослым, поэтому он убежал из дома и поселился среди фей в Кенсингтонском парке. Питер Пэн появляется в доме Дарлингов среди ночи, с феей Чинь-Чин с захватывающими рассказами о сказочной стране, увлекая ими детей, и улетает с ними в неведомое прекрасное пространство, где все необычно – времена года меняются ежечасно, где полно русалок, крокодилов, краснокожих индейцев, пиратов. Невообразимое стечение событий, поединков, фантастические истории ожидают Джона, Майка и Венди Дарлингов в компании потерявшихся мальчиков. От смертельной опасности их спасает Питер Пэн, победивший Капитана Крюка. Дети возвращаются в отеческий дом, где их ждут счастливые родители, они вырастают, и только Питер Пэн остается мальчишкой, который с трудом узнает повзрослевших друзей. Александр Коручеков, режиссер: «Есть знаковые сказки, которые выходят за рамки детской литературы. Как, например, «Алиса в стране чудес». Такова и история о Питере Пэне, мальчике, который не хотел взрослеть. Питер Пэн – это глубокая история, в ней много пластов. Этому произведению посвящены тома исследований, где выясняют, что такое взрослость, что такое детскость. У Джеймса Барри – есть и пьеса, и повесть о Питере Пэне. Пьеса замечательная, но ее надо ставить на большой сцене, делать мюзикл, в котором использовать машинерию, пригласить акробатов, фокусников, сделать сложный постановочный спектакль. Мы же готовим свою работу на Новой сцене и здесь важны не постановочные эффекты, а игровая суть истории. Ведь детство продолжается, пока человек играет, верит в приключения. Питеру Пэну скучно без игры: он, например, предлагает своим друзьям обедать «понарошку», а когда они понимают, что хотят есть по-настоящему, Питер не дает им возможности покинуть игру, вернуться в реальную жизнь. Игра остается игрой, пока всем весело, пока она в радость. Это очень глубокое и разнообразное произведение, которое исследует важные пласты жизни, ставит проблему неизбежного взросления: как из веселого ребенка – озорника и придумщика – вырастает обыкновенный скучный взрослый человек. Питер не хочет становиться взрослым, ускользает от реальной жизни. Он предпочитает остаться навсегда ребенком. Поэтому он обречен на одиночество. Обратиться к истории о Питере Пэне предложил Римас Туминас, и нам всем эта идея понравилась. Играть спектакль будут студенты IV курса Театрального института имени Б. Щукина. Мне интересно поставить со своими учениками (я – художественный руководитель этого курса) детский спектакль, в который каждый год будут вводиться новые исполнители – очередной выпускной курс. Мы постараемся уйти от иллюстративности и не хотим заигрывать с детьми-зрителями, хотя сценическое пространство предполагает тесный контакт с публикой. Наша задача – разбудить фантазию ребенка, заставить его включаться в ситуации, чтобы нашим маленьким зрителям хотелось дома доиграть, что-то додумать. Мы призываем детей к сотворчеству. Этот спектакль рассчитан и на детей с 6–7 лет, и на взрослых, мам и пап, особенно на тех, кто в душе так и остался ребенком». Премьера спектакля «ПИТЕР ПЭН» продолжила ПАРАД ПРЕМЬЕР на Новой сцене Театра Вахтангова 26 декабря 2015 года. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет (6+). Обращаем Ваше внимание, что все посещающие Театр зрители, вне зависимости от их возраста, должны иметь отдельный билет. Режиссер-постановщик — Александр Коручеков Художник-сценограф — Максим Обрезков Художник по костюмам — Мария Данилова Художник по свету — Нарек Туманян Хореограф — Сергей Землянский Композитор — Петр Налич В спектакле звучит музыка «The Beatles», «Queen», группы «АукцЫон» Благорарим за помощь в создании спектакля Ольгу Лерман, Арама Мирзоянца, Светлану Федотову.Свернуть

П. де БОМАРШЕБЕЗУМНЫЙ ДЕНЬ, или женитьба Фигаро«Коль мысли мрачные на ум тебе придут, — откупори шампанского бутылку, иль перечти «Женитьбу Фигаро», — советует один из персонажей «Маленьких трагедий» А.С.Подробнее П. де БОМАРШЕБЕЗУМНЫЙ ДЕНЬ, или женитьба Фигаро«Коль мысли мрачные на ум тебе придут, — откупори шампанского бутылку, иль перечти «Женитьбу Фигаро», — советует один из персонажей «Маленьких трагедий» А.С. Пушкина. Прошли годы, века, но и сегодня не грех воспользоваться советом великого поэта. Обаяние комедии Бомарше не увяло, ее энергетика, азарт, ирония, юмор, виртуозность интриги с годами как будто бы набрали еще большую остроту и блеск. И хотя Фигаро сегодня интересен для нас не как предвестник революции, что возмутило правящее сословие в Париже в эпоху премьеры спектакля, народный герой привлекает своей независимостью, находчивостью, неугомонным духом правдоискателя.Безумный день… Стилистику спектакля, наверное, следует искать в «безумном дне», свалившимся на голову участников этой истории, когда все переплелось, запуталось, и благодаря усилиям героя, счастливо разрешилось, и право первой ночи, прежде принадлежавшее Графу, сегодня сталкивается с непримиримостью Фигаро, человека нового времени, новых этических законов. Конфликт – в противоречии современной умной личности с обычаями и практиками, которые себя изжили.Оформление и костюмы не соответствуют времени написания комедии. Режиссер пытается представить эту историю через призму современности, живописуя нравы общества, поучает, развлекая.Режиссер спектакля Владимир Мирзоев:Старые мастера любили давать два варианта названия одного текста. Рядом с магическим «если бы» часто возникает волшебное «или». Мне дорога эта вариативность театра и культуры вообще. Причем вторая часть названия шедевра Бомарше могла бы отвалиться, как хвост у нашего предка, за ненадобностью. Безумие – вот главная категория, с которой мы хотим сегодня поиграть. Я бы убрал с афиши и «женитьбу», и даже интригана «Фигаро», если бы это не сбивало зрителя с толку.Стоишь, бывало, перед океаном классической драматургии и пытаешься почувствовать нечто, поймать свою волну. Но это не мода, нет, не вопрос, куда дует ветер. При выборе материала для меня главное – тема. В «Безумном дне» я увидел возможность очень важного разговора. О том, как современный человек вынужден подчиняться архаическим практикам, как элита ментально не поспевает за обществом, которое стремительно обновляется. Ведь вектор времени все равно направлен в будущее. Но антропология Бомарше не дидактична – это веселый витамин, спрятанный среди сладких ягод эротики, переодеваний, театральной игры. Мы, как дети, глотаем сочный, умный текст, не замечая его сложных смыслов.Без труда вытащив наших героев из эпохи феодализма, мы, тем не менее, не стали помещать их в мир гаджетов и свободной любви. Наш спектакль не модернизация в строгом смысле слова. Но эклектика, динамика и, главное, Безумие здесь вполне в духе актуального постмодерна. Не правда ли, сама жизнь выглядит сегодня как странный коллаж – мифологий, обычаев, заблуждений. Поэтому Моцарт и Россини могут запросто заглянуть в гости к африканскому вождю, посидеть у костра, выпить чашечку кофе. Иногда трудно понять, в каком веке мы оказались: то ли в середине 20-го, то ли в 17-м, то ли в 21-м.Как любил говорить Олег Николаевич Ефремов (в разных ситуациях): «А что вы хотите? – это жизнь». А иногда фраза звучала по-другому: «А что вы хотите? – это театр».Продолжительность спектакля 3 часа с одним антрактом.Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+).Свернуть

Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 января 2017 года. В спектакле принимают участие выпускники Театрального института имени Бориса Щукина, художественный…Подробнее Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 января 2017 года. В спектакле принимают участие выпускники Театрального института имени Бориса Щукина, художественный руководитель курса Александр Коручеков. Режиссер Екатерина Зонненштраль о спектакле: «Рассказ «Чужая жена и муж под кроватью» — раннее произведение Достоевского. Он составлен автором из двух отдельных рассказов «Чужая жена» и «Ревнивый муж». В каком-то смысле, этот текст — ирония автора над популярными в то время легкомысленными водевилями. Диалоги легки, почти анекдотичны. Однако сама тема рассказа — ревность и страсть, доведенная до сумасшествия — была для Достоевского очень серьезной, больной. Мысли о ней не покидали его на протяжении всей жизни. Это связано, в том числе и с отношениями в семье родителей: отец Достоевского мучил ревностью свою жену (мать Федора Михайловича), от чего она страдала, ведь любила его по-настоящему преданно. Позже, в расцвете своего творчества, уже зрелый Достоевский вернется к этой теме в рассказе «Вечный муж». Но здесь он напишет уже не легкий водевиль, а практически трагедию в самых реалистичных выражениях. Нам было интересно поработать с текстом «молодого» Достоевского. Здесь его язык еще не совершенен с точки зрения мастерства, но свеж и откровенен в своей наивности. Мы попытались разобраться в нем с помощью языка театра. Эксперимент чист и проводится прямо на ваших глазах. Никаких декораций. Только сцена, пять актеров, зритель и … игра. Игра, которая в процессе спектакля становится откровением». Создатели спектакля выражают особую благодарность: Александру Анатольевичу Коручекову HeadDressLab и отдельно Ларисе Сурковой за создание голубой шляпки, Екатерине Козловой за создание клетчатого плаща. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Продолжительность спектакля — 1 час без антракта. Действующие лица и исполнители: Шабрин — Юрий Цокуров Творогов — Арсений Зонненштраль Глафира — Евгения Ивашова Бобыницын — Федор Парасюк Старик — Федор Парасюк Лиза — Каролина ЕрузалимскаяСвернуть

Сцена почти пуста: ширма, гримировальный столик, старый чемодан – предметы, которые так часто сопровождают артистов в путешествиях. Камерное пространство обитаемо: его наполняют мастерство Елены Подкаминской…Подробнее Сцена почти пуста: ширма, гримировальный столик, старый чемодан – предметы, которые так часто сопровождают артистов в путешествиях. Камерное пространство обитаемо: его наполняют мастерство Елены Подкаминской и чарующие переливы музыки Фаустаса Латенаса. Отличительная особенность спектакля – абсолютная простроенность, выверенность каждого слова, жеста, взгляда. Режиссерский рисунок позволяет актрисе играть интонациями, иллюстрируя героев повествования, наслаждаться звучанием слова, импровизировать.Свернуть

Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене,…Подробнее Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене, и юные зрители воочию увидят героев, которых сначала явило их воображение, а теперь они появятся на сцене и подарят удивительные моменты общения, развлекут, уведут в мир фантазии, где игра актеров и мастерство постановщика спектакля Владимира Иванова создадут волшебный мир удивительных превращений.Театр имени Евгения Вахтангова возвращается к практике постановки спектаклей для детей. Эту миссию он объединил с другой, уже ставшей традицией: включение лучшего выпускного спектакля Театрального института им. Б. Щукина в свой репертуар. Акция чрезвычайно важная, определяющая потенциальные возможности будущих актеров, их стимул к творческому росту на пути к профессиональной сцене.Сказка Ш. Перро, щедрый подарок, яркий, музыкальный, веселый, в живописных декорациях Максима Обрезкова, непременно порадует юных зрителей. Авторство спектакля «Кот в сапогах» принадлежит студентам IV курса актерского факультета и руководителю курса – профессору Владимиру Иванову, в прошлом сезоне удостоенному премии фестиваля им. А. Миронова «Фигаро» за верность репертуарному театру.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановХудожник – Максим ОбрезковМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваБалетмейстер – Олег ГлушковПродолжительность спектакля – два часа с одним антрактом.Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет.Свернуть

Загадочные вариации на тему Эрика-Эмманюэля Шмитта.Первые звуки спектакля — шум прибоя, обозначающий место действия. Это остров в норвежском море, где уединился знаменитый писатель Абель Знорко.Подробнее Загадочные вариации на тему Эрика-Эмманюэля Шмитта.Первые звуки спектакля — шум прибоя, обозначающий место действия. Это остров в норвежском море, где уединился знаменитый писатель Абель Знорко. Писатель обрел на острове спасение от повседневности, здесь не надо играть роль счастливого человека, не надо «одевать» светскую улыбку, когда подступает боль и страдание. Однако его уединение неожиданно нарушает Эрик Ларсен, представившийся журналистом. Причиной встречи героев послужил выход книги, автором которой является один из них. Книга о любви, основанная на многолетней переписке, мгновенно стала бестселлером и спровоцировала конфликт. Новый роман писателя представляет собой подлинную переписку Знорко с возлюбленной, которая позже стала женой Ларсена. Несколько лет назад она умерла, но письма от ее имени продолжали приходить. Итак, двое мужчин, любивших одну и ту же, давно умершую женщину… Два антипода, объединенные общей болью утраты и обреченные на одиночество. Два мировоззрения, два видения одной и той же судьбы…Постановка — Сергей ЯшинРежиссер — Сергей ГоломазовСценография и костюмы — Алла КоженковаХудожник по свету — Владимир АмелинХудожник-гример — Ольга КалявинаВ ролях: Василий Лановой, Евгений Князев, Александр Прудников / Александр Солдаткин, Анна Антонова, Анастасия Васильева, Леонид Бичевин, студенты ТИ им. Щукина.Продолжительность спектакля — один час 45 минут.Премьера спектакля состоялась 22 апреля 1999 года.Свернуть

Спектакль — лауреат Вампиловского фестиваля. Премьера спектакля состоялась 16 мая 2011 года. 31 января 2018 года спектакль будет впервые сыгран на Симоновской сцене Вахтанговского театра.Подробнее Спектакль — лауреат Вампиловского фестиваля. Премьера спектакля состоялась 16 мая 2011 года. 31 января 2018 года спектакль будет впервые сыгран на Симоновской сцене Вахтанговского театра. Творческий союз режиссера Владимира Иванова, актеров Елены и Александра Михайловых, художника Максима Обрезкова, известен Вахтанговским зрителям по спектаклю «Матрёнин двор» А. И. Солженицына. Другая их совместная работа – спектакль-концерт «Тихая моя Родина» – несколько лет украшала репертуар малого зала театра. В 2018 году по многочисленным и настоятельным просьбам зрителей Театр имени Евгения Вахтангова решил возобновить этот спектакль в уютном пространстве новой Симоновской сцены. Если вы устали от грохота, суеты и бешеных скоростей нашего века, от агрессивности и крика, не похожего на человеческий голос, или просто вам невмоготу от невеселых мыслей – этот спектакль – для вас. Он о России, с ее древними белыми храмами на холмах, о багряных закатах, о Всенонощной в сельском храме, о бабушке Прасковье, о подвижниках веры… О Жизни, где любовь к Богу, к родной земле, к ближнему прославляется, как самое важное для человека. «Слава Богу за все!» Дуэт Михайловых, их чистые, светлые голоса в ансамблевом сочетании – высокий мужской и низкий женский – вернет в душу спокойствие, веру в добро, духовное богатство и поэзию жизни тихой, мудрой, простой. В программе спектакля: стихи А. Ахматовой, Г. Иванова, И. Северянина; песни на слова Н. Рубцова, И. Бродского, Н. Гумилева, В. Набокова, С. Толстого, Ф. Глинки, Л. Мея, М. Матусовского, Б. Чичибабина, Д. Новикова; авторские песни Б. Окуджавы, А. Суханова, В. Волкова, С. Григорьева, Л. Кононовой, Г. Галкина, Е. Муссалитиной, иеромонаха Романа (Матюшина); музыку В. Баснера, Г. Заволокина, В. Щукина, Б. Лазарева, Ю. Эдельштейна, иеромонаха Никона (Пашкова), Г. Кватромано, Е. Иванова и др. При участии: гитара — Евгений Иванов, скрипка — Полина Евланова, Юлия Таманова, флейта — Ольга Жевлакова, Анна Смирнова, виолончель — Лидия Казанкова, Анна Згурская. Продолжительность спектакля 1 час 30 минут без антракта. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Действующие лица и исполнители: В ролях — Елена Михайлова, Александр Михайлов Квартет музыкантов: Гитара — Евгений Иванов Скрипка — Юлия Таманова, Полина Евланова Флейта — Анна Смирнова, Ольга Жевлакова Виолончель — Лидия Казанкова, Анна ЗгурскаяСвернуть

Премьера спектакля «Сергеев и городок» состоялась 21 сентября 2017 года. Роман писателя Олега Зайончковского населяют люди маленького городка, где почти все друг друга знают. Они разные – вздорные, смешные, грубые,…Подробнее Премьера спектакля «Сергеев и городок» состоялась 21 сентября 2017 года. Роман писателя Олега Зайончковского населяют люди маленького городка, где почти все друг друга знают. Они разные – вздорные, смешные, грубые, ласковые, агрессивные и миролюбивые, есть среди них писатель – человек странный, ранимый, романтичный, но безвольный. Роман состоит из новелл, и каждая из них – история жизни, любви, расставаний, смешных недоразумений, посиделок с песней под баян, которые часто кончаются потасовками. Разные люди, разные характеры – поток жизни, где каждая страница открывает ее новую грань, заставляющую то рассмеяться, то огорчиться, а то порадоваться остроумию неожиданно разрешенной ситуации. Случаются с персонажами и трагические истории, но в описании их автор избегает сильных эмоций, они спокойно вписываются в течение жизни, оставляя легкую грусть без надрыва и отчаяния. В описании этих людей, их характеров, поступков авторская интонация добрая, слегка ироничная, так пишут о людях, которых знают и любят, поэтому так снисходительно прощают их слабости и чудачества. Светлана Землякова, режиссер: «Олег Зайончковский писатель-прозаик родился в Самаре. Потомок старинного дворянского рода сегодня живет в Подмосковье в Хотьково. В 2004 году издательство ОГИ опубликовало его роман в новеллах «Сергеев и городок», вошедший в финальные списки премии «Букер – Открытая Россия» (2004) и «Национальный бестселлер» (2005). Время остановилось в маленьком городке, в котором живет Сергеев. Времена перемешались и перепутались и наступило «всегда». Люди, ненужные истории, живущие далеко от Великих дел и блуждающие в пространстве, где все равно жив ты, или уже мертв. Смысл их бытия видимо в том, чтобы стать удобрением для земли, из которой произрастает новая растительная жизнь». Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Действующие лица и исполнители: Часть I. «ГОРОДОК» Сергеев — Максим Севриновский «В добрый путь» Писатель Подгузов — Денис Самойлов Женщина в очереди — Ольга Боровская Продавщица Валька — Юрий Цокуров Браток — Владимир Шульев Уборщица — Ольга Боровская Бомж — Юрий Цокуров Беженка — Мария Бердинских «Тяжелый день» Фёдор Степанов — Владимир Шульев Маша, его жена — Ольга Боровская Харжа — Владимир Логвинов Любка, его сожительница — Полина Чернышова Человек, играющий на баяне — Юрий Цокуров Участница самодеятельности — Полина Чернышова «Не поле перейти» Ваня Шишкин — Юрий Поляк Пелагея,мать его — Мария Бердинских Бубунов, начальник цеха — Денис Самойлов Зинка, крановщица — Ксения Кубасова Милка, нормировщица — Полина Чернышова Фрезеровщица — Ольга Боровская Кашлев — Юрий Цокуров Корзинин — Владимир Логвинов «Пиджак» Серёга Бабакин — Юрий Цокуров Андрюха Бабакин — Юрий Поляк Батянька — Владимир Логвинов Мамка — Ольга Боровская Ленка Грибова — Ксения Кубасова «Яблина» Любовь Петровна — Мария Бердинских Сергеев — Максим Севриновский Часть II. «СЕРГЕЕВ» (зимняя история) Сергеев — Максим Севриновский Наташа, его жена — Полина Чернышова Колька Безукладов — Юрий Поляк Пышнотелая тётка — Ольга Боровская Генка Бок — Денис Самойлов Тома, его жена — Ксения Кубасова Карл, пёс — Юрий Цокуров Гарик Моргулис — Владимир Логвинов Отец Михаил — Владимир Шульев Матушка Надежда — Мария Бердинских Прихожанка — Ольга Боровская Пьяный сосед Сергеева — Юрий Цокуров Животов Павел Петрович, доктор — Денис Самойлов Больные — Владимир Логвинов / Юрий Поляк / Юрий Цокуров Медсёстры — Ольга Боровская / Ксения Кубасова Лежачая старуха — Мария БердинскихСвернуть

Премьера спектакля состоялась 8 декабря 2017 года. Постановка выпускников Мастерской Римаса Туминаса продолжает парад премьер Симоновской сцены. В этот раз молодые режиссёры представят публике инсценировки…Подробнее Премьера спектакля состоялась 8 декабря 2017 года. Постановка выпускников Мастерской Римаса Туминаса продолжает парад премьер Симоновской сцены. В этот раз молодые режиссёры представят публике инсценировки знаменитых новелл Стефана Цвейга: Гульназ Балпеисова — «Лепорелла» Владимир Бельдиян — «Незримая коллекция» Анатолий Шульев — «Принуждение» Хуго Эрикссен — «Шахматная новелла» Новеллы Стефана Цвейга сделали имя автора популярным во всём мире. Они поражают драматизмом, увлекают неожиданными сюжетами, заставляют размышлять над превратностями человеческих судеб. Со студенческих лет Стефан Цвейг полюбил русскую литературу. Его кумирами были Лев Толстой и Фёдор Достоевский. В конце 1920-х годов в России вышло двенадцатитомное собрание сочинений Стефана Цвейга. В предисловии к нему Максим Горький писал: «Стефан Цвейг — редкое и счастливое соединение таланта глубокого мыслителя с талантом первоклассного художника». Горький особенно высоко оценил новеллистическое мастерство Цвейга, его откровенное исследование переживаний героев. Книги Цвейга с 20-х годов и по сию пору переводят на многие языки мира. Автору ведомы были бездны жизни, он изучал их как художник и психолог. Каждый его герой самоценен, его частная жизнь, перепутья и страсти выписаны объёмно, выпукло, подробно. Он мастер малого жанра. Романы ему менее удавались, а новеллы по-своему совершенны, каждая из них закольцована началом и концом. Это маленькие спектакли, где люди любят, страдают и у каждого своё «приключение души». Гульназ Балпеисова: «Мир любит сказки со счастливым концом, в которых любовь преображает человека, превращает чудовище в принца, замарашку в принцессу. В крайнем случае, не меняя внешность, любовь помогает разглядеть красоту души. Во имя любви совершаются великие поступки. Великие, да. Но далеко не всегда добрые и светлые. Как насчёт чудовищных деяний во имя любви? Это не то, о чём сочиняют сказки, не то, что показывают в романтических фильмах. Зато в постановке новеллы «Лепорелла» мы хотим коснуться именно этой темы. Что происходит с тем, кто влюблён, кто предан беззаветно, для кого любовь стирает все границы и моральные запреты? «… ибо кто же оглядывается на свою тень? Знаешь, что она неизменно и бесшумно идёт за тобой по пятам, иногда забегает вперёд, будто твоё ещё не осознанное желание, но как редко присматриваешься к ней, пытаясь узнать самого себя в этом нелепо искажённом обличье!», — Стефан Цвейг». Владимир Бельдиян: «Разорённая и нищая Германия в смутное время между двумя мировыми войнами. Антиквар из Берлина, увидев, что ему больше нечего продавать, отправляется в маленький провинциальный городок, чтобы найти одного старого клиента в надежде выкупить по дешёвке какую-нибудь завалявшуюся реликвию, однако он даже и не подозревает, каким сокровищем обладает тот человек». Анатолий Шульев: «Художник Фердинанд Р. с женой исполнили мечту всей жизни, купили домик в горах Швейцарии: любимая работа, вдохновляющие пейзажи, лучшее время и место, чтобы творить, растить детей и наслаждаться жизнью. Но внезапно покинутую ими Родину охватывает жажда крови, духовная эпидемия под названием Первая Мировая война: заболевание начинает захватывать новые территории. «Машина для убийств» требует всё новых жертв. И вот, спустя два месяца после начала войны, Фердинанд Р. получает повестку: он призван в действующую армию… Что делать? Скрыться, остаться в стороне, не участвовать, спастись или взять в руки оружие, смешаться с толпой, подчиниться и утонуть в крови?». Хуго Эрикссен: «Шахматная новелла» — последний художественный текст, созданный Цвейгом. Это исполненное отчаяния высказывание о крахе идеалов гуманизма, рассказ о том, как былые ценности Европы уничтожаются грубой силой и воинствующим невежеством. «Золотой век надёжности», как характеризовал его сам Цвейг, сменяется эпохой торжествующего нацизма, по Европе расползается «чёрная чума». Однако автор избегает публицистичности, предпочитает вскрыть проблематику через авантюрный, держащий в напряжении сюжет. А именно — через историю одного шахматного противостояния. Как говорит главный герой новеллы: «Это довольно запутанная история и может сойти за иллюстрацию к повести о нашей прелестной эпохе. Может быть, вы запасетесь терпением на полчаса?...». Продолжительность спектакля 3 часа 10 минут с антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка Гульназ Балпеисова Владимир Бельдиян Анатолий Шульев Хуго Эрикссен Сценография и костюмы Максим Обрезков Музыка Фаустас Латенас Художник по свету Александр Сиваев Художник-гример Ольга Калявина Звукорежиссёр Екатерина Волкова Помощник режиссера Ирина Громова Действующие лица и исполнители: ЛЕПОРЕЛЛА Пустой, ничтожный случай N.N. Игорь Карташев Лепорелла служанка Мария Бердинских Барон фон Ф. Юрий Поляк Баронесса фон Ф. Яна Соболевская Ольга Тумайкина «Донна Эльвира» Ольга Немогай Врач Владимир Логвинов Антон слуга Анатолий Меньщиков ПРИНУЖДЕНИЕ История выбора № 34.729 Ф. Фердинанд Василий Симонов Паула Ольга Немогай Чиновник Владимир Логвинов НЕЗРИМАЯ КОЛЛЕКЦИЯ Эпизод из жизни Германии между Первой и Второй мировыми войнами Коллекционер лейтенант, кавалер ордена Железного креста Олег Форостенко Его жена Елена Ивочкина Анна-Мари его дочь Оксана Суркова Разорившийся антиквар Эльдар Трамов Несостоявшийся художник Юрий Цокуров Буфетчица Анастасия Жданова Солдаты Юрий Поляк Павел Юдин Офицер СС Владимир Логвинов Раненый солдат Василий Симонов ШАХМАТНАЯ НОВЕЛЛА Рассказчик Дмитрий Соломыкин Его приятель Владимир Логвинов Мирко Чентович Александр Галочкин МакКоннор Евгений Косырев Доктор Б. Валерий Ушаков Медсестра Ольга НемогайСвернуть

Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина.Подробнее Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина. Чтецкие программы и оперные интерпретации значительно превалируют. В Театре им. Вахтангова режиссер Римас Туминас с артистами Юлией Борисовой, Людмилой Максаковой, Сергеем Маковецким, Владимиром Вдовиченковым, Олегом Макаровым и молодыми «вахтанговцами» решили воплотить роман в стихах в драматической форме, осторожно, импровизационно пытаясь найти сценический эквивалент слову, сюжету, ничего не разрушая и стараясь ничего не пропустить. Это наше познание Пушкина, его героев, их мира, пространства России. Кажется, что о Пушкине мы знаем все. Но и тома исследователей, литературоведов, толмачей, серьезных изысканий не могут до конца постичь феномен поэта. Александр Сергеевич – «наше все», непознанное, загадочное. И всякий раз, обращаясь к нему, опасаешься повториться в восприятии, стремишься избежать штампов, знания, которому противится поэт, ибо он всегда больше, неразгаданнее. Он не исчерпывается сюжетом. «Евгений Онегин» – это что? Философское размышление о жизни в поэтической форме? Не только. История любви? Не совсем. Это огромное пространство мира и чувств, которое вместило все эпохи, игру ума, прозрения, догадки, гнев, обличение, сатиру и цинизм, сострадание и прощение. «Евгений Онегин» – «энциклопедия русской жизни» и в высшей степени народное произведение, роман в стихах, написанный в эпоху романтизма, где «современный мир предстал со всем его холодом, прозою и пошлостью». И вместе с тем, по словам Белинского, «Онегин есть самое задушевное произведение Пушкина, самое любимое дитя его фантазии, в которой личность поэта отразилась с такой полнотой, светло и ясно. Здесь вся жизнь, вся душа, вся любовь его, здесь его чувства, понятия, идеалы». «Евгений Онегин» – это простор России, судьбы его героев, обычаи, устои, культура, природа. Это попытка проникнуть в сущность русской души, понять неподдающийся трезвому анализу русский характер. Это русское общество во всех его ипостасях – наивной прелести языческой деревни и в холодной чопорности высшего света. Это отважная трепетность Татьяны и игривая наивность Ольги. Это «ума холодных наблюдений и сердца горестных замет». Спектакль Римаса Туминаса разрушает стереотипы; он, как всегда, авторский, увиденный и выстроенный полифонично, музыкально, жестко и эмоционально. Режиссеру чужд поэтический флер, он ломает ритмическое построение фразы, его влечет проза жизни, он враг выспренности и ложной лиричности. Своим спектаклем он разрушает «хлам воспоминаний» ранее увиденного и прочитанного. Он открывает новый смысл в характере и сюжете. Кто герой этого романа? Онегин? Конечно же, Татьяна, «Татьяна – русская душою…». Ее русскость в органичном слиянии с природой, обычаями, искренней задушевности, простодушном бесстрашии. Она пленительна в естественной грации, отважной прямолинейности, горькой искренности: «но я другому отдана и буду век ему верна». Свое откровенное признание Татьяна пишет человеку, которого создало ее воображение, ее вымысел значительнее оригинала, это ее подарок Онегину, который тот не смог ни понять, ни оценить, ни оправдать своею сутью. Для Онегина это очередное послание, он не дал себе труд постичь и разгадать его, он, по словам Достоевского, «не сумел отличить в бедной девочке законченности и совершенства». Он не увидел ее ни в деревенской глуши, ни в петербургском салоне. Он не захотел узнать, разглядеть ее. Угадает его Татьяна: «Уж не пародия ли он?». Хотя сам предмет обожания уверен: «Я молод, жизнь во мне крепка, чего мне ждать, тоска, тоска!». Читай – душа пуста. В Петербурге Онегин пленяется не самой Татьяной, это не возвращение к воспоминаниям, а ослепление блеском, положением в свете. Для Татьяны – это вериги, для Онегина – достоинства, питающие его фантазию и чувства. Их разность столь очевидна, что, идя навстречу друг к другу, они обязательно пройдут мимо, так несоприкасаемы их души в понятии любви, достоинства, духовности. Ее доминанта – Россия. Его метания по свету – суета, невозможность остановиться на главном, а скорее, незнание, что есть главное – родина, долг, любовь? В их невстрече – горькая закономерность несовместимости. Режиссер-постановщик – Римас Туминас Сценография – Адомас Яцовскис Музыка – Фаустас Латенас Художник по костюмам – Мария Данилова Художник по свету – Майя Шавдатуашвили Действующие лица и исполнители: Евгений Онегин – Сергей Маковецкий / Виктор Добронравов / Максим Севриновский Гусар в отставке – Владимир Вдовиченков Владимир Ленский – Олег Макаров / Василий Симонов Татьяна Ларина – Евгения Крегжде / Ольга Лерман «Сон Татьяны» – Юлия Борисова Ольга Ларина – Мария Волкова / Наталья Винокурова и другие. Спектакль рекомендован для зрителей старше 18 лет.Свернуть

Премьера! Гюстав Флобер (1812 – 1880) – французский писатель-реалист, один из крупнейших представителей XIX века. Над романом «Мадам Бовари» Гюстав Флобер работал 6 лет. После публикации романа в журнале «Ревю…Подробнее Премьера! Гюстав Флобер (1812 – 1880) – французский писатель-реалист, один из крупнейших представителей XIX века. Над романом «Мадам Бовари» Гюстав Флобер работал 6 лет. После публикации романа в журнале «Ревю де Пари» Флобер и редактор журнала были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Реалистический психологизм был признан оскорблением общества. Впоследствии вынесен оправдательный приговор, а роман выпущен отдельным изданием. Гюстав Флобер был известен в России, русская критика восторженно приняла его в переводе И. Тургенева. Его романы пользовались успехом. М. Мусоргский написал оперу по мотивам «Саламбо». Для творчества Гюстава Флобера свойственна тщательная разработка характера с подробностями в деталях. С истории дочери фермера Руо, на которой женится провинциальный врач Шарль Бовари и, вскоре после венчания разочарованной в браке, пустившейся в поиск утешения на стороне, начинается сюжет Эммы Бовари. Но её увлечения Леоном Дюпюи и Родольфом Буланже бесперспективны. Разрыв с ними и семейные неурядицы повергают Эмму в депрессию. Она безотчётно тратит деньги мужа, обрастая долгами. Тайно продаёт приносившее небольшой доход поместье Шарля. Любовники не спасают её от разорения. Отчаявшись, Эмма принимает мышьяк, вскоре после неё скоропостижно уходит в мир иной Шарль. В ходе работы Гюстав Флобер неоднократно переделывал роман, отрицая наличие прототипа героини, заявив однажды: «Госпожа Бовари – это я». Ольга Субботина закончила режиссёрский факультет ГИТИСа (мастерская Л. Хейфеца). С 1997 года работает театральным режиссёром. Участвовала в создании Центра драматургии и режиссуры под руководством А. Казанцева и М. Рощина, где поставила 10 спектаклей, среди них «Заговор чувств» Ю. Олеши, «Ощущение бороды» К. Драгунской, «Половое покрытие» Братьев Пресняковых. Сотрудничала с театрами: Сатиры, Балтийский дом. Ставила спектакли в Финляндии и Франции. Сняла 3 художественных фильма и 7 сериалов на TV. Как режиссёр-ассистент работала с Петером Штайном и Декланом Донелланом. Режиссёр Ольга Субботина: «Когда мы слышим название этого произведения – «Мадам Бовари» – нам представляется нечто заунывно-кружевное, очень дамское, слезливое, и – всё про любовь! Но стоит сегодня перечитать роман Флобера, как вы с удивлением обнаруживаете невероятный, лихой и даже чёрный юмор; великолепную галерею образов в гоголевских тонах; искромётные сцены… «Копнув под Флобера», мы открыли для себя несколько особенностей – что автор (ныне безусловный классик!) был судим за этот роман уголовным судом; что Шарль Бовари был его… одноклассником! Да и ещё кучу всяких невероятных параллелей с сегодняшним днём, с русской литературой… Я не хочу выделять только Мадам Бовари, так как Эмма в романе не одна – вокруг неё муж, свекровь, дочь, да и вообще – всё провинциальное общество – всё это такое собирательное понятие «Бовари». Спектакль создан в уникальном пространстве – зрители смогут побывать сразу в двух залах Симоновской сцены: первое действие спектакля идет в Амфитеатре, второе — в Камерном зале. Внимание! Место, указанное в билете, будет действительно в первом акте спектакля, место на второй акт будет предоставлено администратором.Свернуть

Хореографический спектакль в двух действияхХореограф-постановщик — Анжелика ХолинаСценография — Мариус ЯцовскисХудожник по костюмам и гриму — Юозас СтаткявичусХудожник по свету — Тадас…Подробнее Хореографический спектакль в двух действияхХореограф-постановщик — Анжелика ХолинаСценография — Мариус ЯцовскисХудожник по костюмам и гриму — Юозас СтаткявичусХудожник по свету — Тадас ВалейкаДействующие лица и исполнители:Анна Каренина — Ольга ЛерманАлексей Каренин, муж Анны — Евгений КнязевСережа, сын Карениных — Миша ДергачевАлексей Вронский — Дмитрий СоломыкинСтепан Облонский (Стива), брат Анны — Валерий УшаковДарья Облонская (Долли), его жена — Мария ВолковаЕкатерина Щербацкая (Кити), сестра Долли — Екатерина КрамзинаКонстантин Левин — Федор ВоронцовКнягиня Бетси Тверская, кузина Вронского — Анастасия ВасильеваКнязь Тверской, муж Бетси — Артур ИвановГрафиня Вронская, мать Вронского — Вера НовиковаГрафиня Лидия Ивановна — Инна Алабинаи другие.Анжелика Холина, режиссер-хореограф и автор спектакля «Берег женщин», четвертый сезон идущего на вахтанговской сцене, в завершение юбилейного сезона вахтанговского театра, весной 2012 года, выпустила спектакль «Анна Каренина» Л.Н. Толстого, в котором, как и в предыдущей работе, продолжает эстетику невербального театра.«Я ищу эквивалент гармонии слова и смысла в пластике. Ведь каждое движение таит в себе смысл, адекватный слову. Музыка Альфреда Шнитке помогает раскрыть характеры, ее глубокий драматизм и вместе с тем изящество и легкость соответствуют амплитуде чувств героев романа. Для меня мораль романа — женщина не должна быть предметом удовлетворения мужского самолюбия. Нам кажется, что все мы знаем, что такое любовь, но когда это чувство приходит, мы сталкиваемся с собственным эгоизмом, который все разрушает» (Анжелика Холина).Свернуть

Премьера спектакля состоялась 25 марта 2016 г. на Новой сцене Вахтанговского театра. «Гроза» – вероятно, самая знаменитая драма А. Н. Островского. Многие по сей день считают ее одним из наиболее загадочных…Подробнее Премьера спектакля состоялась 25 марта 2016 г. на Новой сцене Вахтанговского театра. «Гроза» – вероятно, самая знаменитая драма А. Н. Островского. Многие по сей день считают ее одним из наиболее загадочных произведений мировой драматургии. После ее выхода в свет в 1859 году, после первых премьер в Москве и Санкт-Петербурге «Гроза» сразу породила множество споров и противоположных суждений. Кто-то называл ее несерьезной балаганной поделкой, а кто-то – совершенным поэтическим творением. Кому-то казалось, что Островский выразил радикальный протест против устаревшего уклада жизни, а кто-то, наоборот, увидел в его драме апологию консервативного русского быта. Но все люди театра ясно ощутили в «Грозе» настроение глобальной катастрофы, которая призвана то ли разрушить мир, то ли его обновить. Столь огромным оказалось влияние вроде бы простой, на современный взгляд, истории, происшедшей в некоем провинциальном городке Калинове на реке Волге. Главная героиня «Грозы» Катерина – молодая замужняя женщина – впервые испытывает сильную любовь к мужчине, который не является ее мужем. Это чувство превращается в роковое испытание для нее, ибо ни ее воспитание, ни общий уклад жизни не позволяют ей покинуть семью ради возлюбленного, который к тому же не готов принять ее… С первых же постановок «Грозы» стало ясно, что роль Катерины относится к вершинам женского трагического репертуара. Первыми ее исполнительницами в 1859 году были Л. Никулина-Косицкая (Малый театр) и Ф. Снеткова (Александринский театр). Затем ее играли Г. Федотова, П. Стрепетова (ее выше всех ставил А. Н. Островский в конце жизни), М. Ермолова, М. Савина, В. Пашенная – ярчайшие звезды ушедшей эпохи. В XX веке – Е. Рощина-Инсарова в спектакле В. Мейерхольда 1916 года в Александринском театре; А. Коонен в спектакле А. Таирова 1924 года в Камерном театре; Л. Щербинина в спектакле Б. Бабочкина 1974 года в Малом театре; и другие знаменитые актрисы, составившие славу русского театра. Из разговора с режиссером Уланбеком Баялиевым Нам хотелось сочинить архаичный, поэтичный спектакль, понятный современным зрителям: про человека, про любовь, про боль. Сейчас очень не хватает глубокого, подробного разговора о человеке. Мир живет в страшной спешке, так что мы не успеваем самое главное: поговорить, рассказать, добраться до глубины в человеческих отношениях. Мысли Островского очень объемны и современны. В городе Калинове каждый человек – сгусток боли. Эта боль – «тяжесть бытия», и у каждого она оправдана. В «Грозе», мне думается, нет «темного царства», нет противопоставления света и тьмы. Катерина не «светлее», не «лучше», чем все остальные. Просто она другая: она, как никто другой, ищет свободы, права на жизнь, права на любовь, пусть даже вопреки устоявшемуся порядку. Все мы знаем, что в душе всегда есть мечты и желания; но есть и мир, с которым надо считаться. Недаром интернет в наши дни – главная среда общения: там можно быть не собой, надеть маску, менять личины, казаться лучше чем ты есть. В интернете ты можешь все регулировать сам, а можешь и скрыться насовсем, уйти в тихое, незаметное одиночество, которое очень похоже на спасение… Но мир и окружающих людей отрегулировать невозможно; от мира нельзя спастись одиночеством, как в интернете. В мире, наоборот, надо искать человека. Так в «Грозе»: там каждый герой ищет себе человека, каждый ищет общения. Таков, например, Кулигин – наверное, самый одинокий из героев Островского. А может, таковы и Кабаниха с Диким? В учебниках литературы их называют главными злодеями «Грозы», повелителями «темного царства». А ведь между ними когда-то могла случиться первая, настоящая любовь… Может, Кабаниха отказалась от своей любви, чтобы выйти замуж за не любимого, но понятного и надежного? И не оттого ли ее дети не вспоминают отца, что он «сгорел» слишком рано и не оставил о себе памяти? Может, теперь Кабаниха узнаéт во влюбленной Катерине себя молодую и хочет уберечь своего сына Тихона от трагической судьбы нелюбимого мужа? А. Н. Островский отдает частичку себя каждому из персонажей: он любит их всех, внимательно слушает их. Как будто ходит к ним в гости на чай в том самом халате, в котором его изобразил на портрете художник В. Перов. Почему Катя так боится большой любви, которая грозит разрушить ее брак? Кто-то говорит, из-за религии; мне думается, из-за совести. Катя хочет, как и все мы, быть достойным человеком, порядочным, жить без вранья. Кто-то должен взять на себя смелость проявить потаенное, истинное, сказать, совершить поступок, упасть и снова встать, чтобы мы могли жить. Такие люди, как Катя, становятся героями, идолами или изгоями – во всяком случае, на их долю выпадают бесконечные похвалы и осуждения, размышления, оценки, исследования… Продолжительность спектакля 2 ч. 50 мин. с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка Уланбек Баялиев Художник – сценограф Сергей Австриевских Художник по костюмам Ольга Нестеренко Композитор Фаустас Латенас Художник по свету Нарек Туманян Действующие лица и исполнители: Савел Прокофьевич Дико́й, купец, значительное лицо в город — Александр Горбатов Борис Григорьевич, племянник его — Леонид Бичевин Марфа Игнатьевна Кабанова (Кабаниха), богатая купчиха, вдова — Ольга Тумайкина Тихон Иваныч Кабанов, ее сын — Павел Попов, Дмитрий Ендальцев Катерина, жена его — Евгения Крегжде Варвара, сестра Тихона — Екатерина Нестерова Кулигин, химик, механик — Юрий Красков Ваня Кудряш, молодой человек, конторщик Дикого — Евгений Пилюгин Феклуша, странница — Евгений Косырев Глаша, девка в доме Кабановой — Любовь Корнева Старый пес — Анатолий Меньщиков Кот-НеСчастливцев — Виталийс СеменовсСвернуть

Посвящается Валентине Караваевой.«В спектакле Юрия Бутусова есть такая небывалая свобода, такой драйв и такая степень откровенности, какие в нашем театре, казалось, давно уже перевелись. ...Подробнее Посвящается Валентине Караваевой.«В спектакле Юрия Бутусова есть такая небывалая свобода, такой драйв и такая степень откровенности, какие в нашем театре, казалось, давно уже перевелись. ... Это редкий спектакль, где забываешь, что чеховскую «Чайку» знаешь наизусть, и удивляешься новым, прежде не замеченным деталям. Который смотришь затаив дыхание. И описывать его хочется подробно, смакуя сцену за сценой.Для начала Бутусов огорошил зрителей распределением ролей. Герои «Чайки» выглядят так неожиданно, что без программки – пока персонажи не откроют рот – ни в жизни не угадаешь «ху из ху». Изящная Аркадина (Полина Райкина) тут явно моложе Заречной (крепкой и рыжеволосой Агриппины Стекловой), а статный Медведенко (Антон Кузнецов) даст фору тщедушному Треплеву (Тимофей Трибунцев). Последний, в клетчатой рубахе и круглых очках, напоминает молодого Иосифа Бродского и для полного сходства читает его «Элегию»: «Подруга, милая, кабак все тот же». ...В «Чайке» Бутусов продолжил сотрудничество с Фаустасом Латенасом, начатое в Театре Вахтангова. И его музыка, то ироничная и лихая, то надрывная, очень идет этому спектаклю и вызывает ассоциации с «Дядей Ваней» Римаса Туминаса. ... Ближе к середине спектакля становится ясно, что Бутусов ставит не чеховскую «Чайку», а «Чайку» сто лет спустя, уставшую от интерпретаций, растасканную на цитаты и обросшую штампами. Его спектакль – о том, что эту пьесу ставить больше нельзя и в то же время невозможно не ставить. О муках художника, который пытается найти свой язык, прорваться сквозь напластования фальши к себе настоящему».(Марина Шимадина, OpenSpace.ru)Автор – А. П. ЧеховРежиссер – Юрий БутусовХудожник – Александр ШишкинКомпозитор – Фаустас ЛатенасСвет – Анатолий КузнецовЗвук – Екатерина Павлова, Дарья ПосевинаПомощник режиссера – Ольга ЛипскаяДействующие лица и исполнители:Ирина Николаевна Аркадина – Полина Райкина / Лика НифонтоваКонстантин Гаврилович Треплев, ее сын – Тимофей Трибунцев / Антон Кузнецов / Денис Суханов / Артем ОсиповПетр Николаевич Сорин, ее брат – Владимир БольшовНина Заречная – Агриппина Стеклова / Марьяна Спивак / Лика НифонтоваИлья Афанасьевич Шамраев, управляющий у Сорина – Антон КузнецовПолина Андреевна, его жена – Лика НифонтоваМаша, его дочь – Марьяна Спивак / Марина ДровосековаБорис Алексеевич Тригорин, беллетрист – Денис СухановЕвгений Сергеевич Дорн, врач – Артем ОсиповСемен Семенович Медведенко, учитель – Антон КузнецовДевушка, которая танцует – Марина ДровосековаЯков – Сергей БубновМонолог Треплева – Юрий Бутусов / Тимофей ТрибунцевПродолжительность спектакля – четыре часа 10 минут с тремя антрактами.В спектакле звучат стихотворение Иосифа Бродского «Элегия» и музыка Era, Procol Harum, Yiruma, Roger Eno, Wardrobe, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Medecki, T-Bone Burnett, а также использован «Сaravan» D. Ellington, «Tombe la neige» S. Adamo, марш из «Tрех сестер» (режиссер — Э. Някрошюс), F. Latenasa и музыка румынских цыган. Премия «Золотая Маска» — «Лучшая работа режиссера» Номинации на Премию — «Лучший спектакль в драме, большая форма», «Лучшая работа художника», «Лучшая женская роль» (Агриппина Стеклова), «Лучшая мужская роль»(Тимофей Трибунцев)Свернуть

Комедия Эрве в трех действиях.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваСценография – Борис ВалуевХудожник по костюмам – Светлана СиницынаХудожник-гример –…Подробнее Комедия Эрве в трех действиях.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваСценография – Борис ВалуевХудожник по костюмам – Светлана СиницынаХудожник-гример – Ольга КалявинаХудожник по свету – Владимир АмелинВ ролях: Виктор Добронравов / Валерий Ушаков, Евгения Крегжде / Ольга Немогай, Мария Аронова, Владимир Симонов / Артур Иванов, Александр Солдаткин, Лидия Вележева, Павел Любимцев, Юрий Красков, Александра Стрельцина / Ольга Ефремова.Продолжительность спектакля – три часа 50 минутПремьера спектакля состоялась 30 декабря 2004 года«Мадемуазель Нитуш» продолжает традицию вахтанговских музыкальных спектаклей: «Соломенной шляпки», «Дам и гусаров», «Старинных русских водевилей», в которых вахтанговская школа с ее особым шармом, где элегантность и изящество уживаются с остроумной шуткой, прелестным вокалом, озорным танцем, создает особый вахтанговский стиль игры – легкий, ироничный, заразительный.В спектакле, поставленном Владимиром Ивановым, звучит живой оркестр и живые голоса, а его герои, пройдя через все перипетии водевильных интриг, обретают, наконец, каждый свое счастье: хормейстер монастырского пансиона наслаждается постановкой своей оперетты на подмостках дижонского театра, воспитанница пансиона, мечтавшая о театре, становится певицей и находит свое личное счастье в лице блистательного драгунского лейтенанта Шамплатро.Свернуть

Премьера спектакля состоялась 25 марта 2016 г. на Новой сцене Вахтанговского театра. «Гроза» – вероятно, самая знаменитая драма А. Н. Островского. Многие по сей день считают ее одним из наиболее загадочных…Подробнее Премьера спектакля состоялась 25 марта 2016 г. на Новой сцене Вахтанговского театра. «Гроза» – вероятно, самая знаменитая драма А. Н. Островского. Многие по сей день считают ее одним из наиболее загадочных произведений мировой драматургии. После ее выхода в свет в 1859 году, после первых премьер в Москве и Санкт-Петербурге «Гроза» сразу породила множество споров и противоположных суждений. Кто-то называл ее несерьезной балаганной поделкой, а кто-то – совершенным поэтическим творением. Кому-то казалось, что Островский выразил радикальный протест против устаревшего уклада жизни, а кто-то, наоборот, увидел в его драме апологию консервативного русского быта. Но все люди театра ясно ощутили в «Грозе» настроение глобальной катастрофы, которая призвана то ли разрушить мир, то ли его обновить. Столь огромным оказалось влияние вроде бы простой, на современный взгляд, истории, происшедшей в некоем провинциальном городке Калинове на реке Волге. Главная героиня «Грозы» Катерина – молодая замужняя женщина – впервые испытывает сильную любовь к мужчине, который не является ее мужем. Это чувство превращается в роковое испытание для нее, ибо ни ее воспитание, ни общий уклад жизни не позволяют ей покинуть семью ради возлюбленного, который к тому же не готов принять ее… С первых же постановок «Грозы» стало ясно, что роль Катерины относится к вершинам женского трагического репертуара. Первыми ее исполнительницами в 1859 году были Л. Никулина-Косицкая (Малый театр) и Ф. Снеткова (Александринский театр). Затем ее играли Г. Федотова, П. Стрепетова (ее выше всех ставил А. Н. Островский в конце жизни), М. Ермолова, М. Савина, В. Пашенная – ярчайшие звезды ушедшей эпохи. В XX веке – Е. Рощина-Инсарова в спектакле В. Мейерхольда 1916 года в Александринском театре; А. Коонен в спектакле А. Таирова 1924 года в Камерном театре; Л. Щербинина в спектакле Б. Бабочкина 1974 года в Малом театре; и другие знаменитые актрисы, составившие славу русского театра. Из разговора с режиссером Уланбеком Баялиевым Нам хотелось сочинить архаичный, поэтичный спектакль, понятный современным зрителям: про человека, про любовь, про боль. Сейчас очень не хватает глубокого, подробного разговора о человеке. Мир живет в страшной спешке, так что мы не успеваем самое главное: поговорить, рассказать, добраться до глубины в человеческих отношениях. Мысли Островского очень объемны и современны. В городе Калинове каждый человек – сгусток боли. Эта боль – «тяжесть бытия», и у каждого она оправдана. В «Грозе», мне думается, нет «темного царства», нет противопоставления света и тьмы. Катерина не «светлее», не «лучше», чем все остальные. Просто она другая: она, как никто другой, ищет свободы, права на жизнь, права на любовь, пусть даже вопреки устоявшемуся порядку. Все мы знаем, что в душе всегда есть мечты и желания; но есть и мир, с которым надо считаться. Недаром интернет в наши дни – главная среда общения: там можно быть не собой, надеть маску, менять личины, казаться лучше чем ты есть. В интернете ты можешь все регулировать сам, а можешь и скрыться насовсем, уйти в тихое, незаметное одиночество, которое очень похоже на спасение… Но мир и окружающих людей отрегулировать невозможно; от мира нельзя спастись одиночеством, как в интернете. В мире, наоборот, надо искать человека. Так в «Грозе»: там каждый герой ищет себе человека, каждый ищет общения. Таков, например, Кулигин – наверное, самый одинокий из героев Островского. А может, таковы и Кабаниха с Диким? В учебниках литературы их называют главными злодеями «Грозы», повелителями «темного царства». А ведь между ними когда-то могла случиться первая, настоящая любовь… Может, Кабаниха отказалась от своей любви, чтобы выйти замуж за не любимого, но понятного и надежного? И не оттого ли ее дети не вспоминают отца, что он «сгорел» слишком рано и не оставил о себе памяти? Может, теперь Кабаниха узнаéт во влюбленной Катерине себя молодую и хочет уберечь своего сына Тихона от трагической судьбы нелюбимого мужа? А. Н. Островский отдает частичку себя каждому из персонажей: он любит их всех, внимательно слушает их. Как будто ходит к ним в гости на чай в том самом халате, в котором его изобразил на портрете художник В. Перов. Почему Катя так боится большой любви, которая грозит разрушить ее брак? Кто-то говорит, из-за религии; мне думается, из-за совести. Катя хочет, как и все мы, быть достойным человеком, порядочным, жить без вранья. Кто-то должен взять на себя смелость проявить потаенное, истинное, сказать, совершить поступок, упасть и снова встать, чтобы мы могли жить. Такие люди, как Катя, становятся героями, идолами или изгоями – во всяком случае, на их долю выпадают бесконечные похвалы и осуждения, размышления, оценки, исследования… Продолжительность спектакля 2 ч. 50 мин. с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка Уланбек Баялиев Художник – сценограф Сергей Австриевских Художник по костюмам Ольга Нестеренко Композитор Фаустас Латенас Художник по свету Нарек Туманян Действующие лица и исполнители: Савел Прокофьевич Дико́й, купец, значительное лицо в город — Александр Горбатов Борис Григорьевич, племянник его — Леонид Бичевин Марфа Игнатьевна Кабанова (Кабаниха), богатая купчиха, вдова — Ольга Тумайкина Тихон Иваныч Кабанов, ее сын — Павел Попов, Дмитрий Ендальцев Катерина, жена его — Евгения Крегжде Варвара, сестра Тихона — Екатерина Нестерова Кулигин, химик, механик — Юрий Красков Ваня Кудряш, молодой человек, конторщик Дикого — Евгений Пилюгин Феклуша, странница — Евгений Косырев Глаша, девка в доме Кабановой — Любовь Корнева Старый пес — Анатолий Меньщиков Кот-НеСчастливцев — Виталийс СеменовсСвернуть

Премьера — 17 декабря 2016 года. Творческий тандем народного артиста СССР Владимира Этуша и режиссера – заслуженного деятеля искусств РФ Владимира Иванова давно радует Вахтанговскую публику.Подробнее Премьера — 17 декабря 2016 года. Творческий тандем народного артиста СССР Владимира Этуша и режиссера – заслуженного деятеля искусств РФ Владимира Иванова давно радует Вахтанговскую публику. Уже 16 лет не сходит с подмостков Театра Вахтангова «Дядюшкин сон» по Ф.М. Достоевскому (спектакль был сыгран 250 раз). 5 лет идёт «Цена» Артура Миллера — фрагмент спектакля «Пристань». Представления снискали несомненный успех у зрителей. В постановка Владимира Иванова психологическая глубина характеров сочетается с ирониничной лёгкостью и ярким гротеском. Успешное совместное творчество продолжилось в новом спектакле. На этот раз материалом постановки стала знаменитая пьеса Надежды Птушкиной «Пока она умирала». Но в сценической версии театра получила не только новое название – «Бенефис», но и несколько измененный сюжет. Поклонников Владимира Этуша ждет неожиданный сюрприз. Зрителям предстоит встреча с любимым артистом в совершенно новом качестве. Легендарный артист пошел на рискованный эксперимент с одним желанием – испытать себя в иной ипостаси. Продолжительность спектакля 2 часа 50 минут с одним антрактом Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка и сценическая версия Владимир Иванов Сценография и костюмы Максим Обрезков Музыкальный руководитель Татьяна Агаева, Арам Мирзоянц Художник-гример Ольга Калявина Художник по свету Александр Матвеев Звукорежиссеры Андрей Герасимов, Анатолий Ибрагимов Помощник режиссера Ирина Горошкова Действующие лица и исполнители: Александр Петрович, пожарник — Владимир Этуш Павел, актер — Евгений Князев Кира, актриса — Ольга Тумайкина Лена, молодая актриса — Екатерина Симонова Геннадий Петрович, директор театра — Сергей Пинегин Помощник режиссера — Светлана ИозефийСвернуть

ТЕАТР. МУЗЫКА. ПОЭЗИЯ. | 16+ Спектакль-инновация театра «Сатирикон», построенный только на стихах, музыке и пластических этюдах, не имеющий сквозного сюжета и четких действующих лиц смешит, веселит, заставляет…Подробнее ТЕАТР. МУЗЫКА. ПОЭЗИЯ. | 16+ Спектакль-инновация театра «Сатирикон», построенный только на стихах, музыке и пластических этюдах, не имеющий сквозного сюжета и четких действующих лиц смешит, веселит, заставляет задуматься, и более того – не отпускает несколько дней... «Это не постановка, а бомба замедленного действия!» (Musecube) «Зал встречал стоя. БРАВО!!!» (Дмитрий Шульгин)Свернуть

Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене,…Подробнее Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене, и юные зрители воочию увидят героев, которых сначала явило их воображение, а теперь они появятся на сцене и подарят удивительные моменты общения, развлекут, уведут в мир фантазии, где игра актеров и мастерство постановщика спектакля Владимира Иванова создадут волшебный мир удивительных превращений.Театр имени Евгения Вахтангова возвращается к практике постановки спектаклей для детей. Эту миссию он объединил с другой, уже ставшей традицией: включение лучшего выпускного спектакля Театрального института им. Б. Щукина в свой репертуар. Акция чрезвычайно важная, определяющая потенциальные возможности будущих актеров, их стимул к творческому росту на пути к профессиональной сцене.Сказка Ш. Перро, щедрый подарок, яркий, музыкальный, веселый, в живописных декорациях Максима Обрезкова, непременно порадует юных зрителей. Авторство спектакля «Кот в сапогах» принадлежит студентам IV курса актерского факультета и руководителю курса – профессору Владимиру Иванову, в прошлом сезоне удостоенному премии фестиваля им. А. Миронова «Фигаро» за верность репертуарному театру.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановХудожник – Максим ОбрезковМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваБалетмейстер – Олег ГлушковПродолжительность спектакля – два часа с одним антрактом.Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет.Свернуть

Две истории по пьесам Ф. Бордона «Последние луны» и Г. Мюллера «Тихая ночь». В афише Театра им. Вахтангова много разных спектаклей. Но если вдруг вам захочется задуматься, услышать негромкую историю жизни двух…Подробнее Две истории по пьесам Ф. Бордона «Последние луны» и Г. Мюллера «Тихая ночь». В афише Театра им. Вахтангова много разных спектаклей. Но если вдруг вам захочется задуматься, услышать негромкую историю жизни двух пожилых людей, настройтесь заранее — веселость на два часа покинет вас, и вы узнаете правду, которая встревожит, а может быть, окажется сопричастной и к вашей жизни. Актеры будут говорить со сцены о равнодушии, эгоизме, милосердии, сострадании. Как много в нашей жизни первого и как мало второго. И где, как не в театре, подумать об этом. В спектакле со странным названием «Последние луны» два акта и две одноактных пьесы — итальянца Фурио Бордона и немца Гарольда Мюллера, они неизвестны в России, но обе поставлены в двадцати странах. Пьеса «Последние луны» написана в 1992 году и отмечена премией театральных деятелей Италии как лучшая пьеса года. В сезоне 1995/96 года она была поставлена для Марчелло Мастрояни и стала последней театральной работой великого артиста. «Тихая ночь» Г. Мюллера написана три десятилетия тому назад и с успехом прошла в разных странах. Старость не знает национальных границ и географических пределов. Она может быть умиротворенной и счастливой в кругу близких, или стать катастрофой, если ты оставлен дорогими тебе людьми. Человек — единственное живое существо на свете, которое знает, что умрет. Итальянская и немецкая история двух пожилых людей пронзительно и горько сыграна замечательными русскими актерами Ириной Купченко и Василием Лановым. И если у зрителей после спектакля заноет сердце и они подумают о тех, кто в них нуждается или о тех, кому предстоит встретиться с их старостью, значит история, которую театр попытался рассказать, достигла цели. Постановка – Римас Туминас Режиссер – Алексей Кузнецов Сценография и костюмы – Мария Митрофанова Композитор – Фаустас Латенас В ролях:«Последние луны» — Василий Лановой, Елена Сотникова, Олег Макаров; «Тихая ночь» — Ирина Купченко, Сергей Юшкевич, Инна Алабина, Любовь Корнева, Наталья Молева, Нина Нехлопоченко и другие. Премьера спектакля состоялась 8 декабря 2008 года.Свернуть

Премьера спектакля состоялась 22 ноября 2017 года на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Андрей Максимов, режиссер: «В первую очередь я хочу сказать огромное спасибо Римасу Туминасу,…Подробнее Премьера спектакля состоялась 22 ноября 2017 года на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Андрей Максимов, режиссер: «В первую очередь я хочу сказать огромное спасибо Римасу Туминасу, который дал мне возможность реализовать свой проект на только открывшейся сцене Вахтанговского театра. Работать в лучшем театре страны – это просто какое-то невероятное чудо. Когда я сказал об этом Римасу Владимировичу, он ответил: «Чудо вы нам покажете в ноябре». Хочется в это верить. Благодаря директору театра Кириллу Кроку, театр работает как отлаженный механизм. Только ставь! Я стараюсь… Пьеса «Любовь у трона» — это своего рода фантасмагория: сон снится Екатерине Великой накануне государственного переворота, который приведет ее к власти на долгие годы. Во сне она вспоминает свои отношения с мужем Петром III. По сути, это история о любви на фоне политики. Я давно мечтал поработать с поразительной актрисой Ольгой Тумайкиной, очень хотел, чтобы Екатерину сыграла именно она. Мечта сбылась. Она очень мощная актриса, очень интересный, глубокий человек. С исполнителем роли Петра III были проблемы, пока я не вспомнил, что в Вахтанговском театре работает поразительный актер Андрей Ильин. Я видел его в роли Хлестакова на сцене Русского театра в Риге. Это была поразительная актерская работа! Я видел его на сцене МХТ и театра Моссовета. Счастлив теперь не только работать, но и общаться с ним. Впервые встретился в работе с художником Максимом Обрезковым, который придумал очень интересный мир для наших героев, очень необычный. Но Обрезков еще и создатель Симоновской сцены. Мне кажется, это уникальный случай, когда главный художник театра создал несколько сценических пространств, включая Новую сцену. Очень спокойный, интеллигентный, творческий человек. Музыку написал замечательный композитор Сергей Шустицкий, с которым мы сделали несколько спектаклей, и он даже выпустил диск с музыкой к моим постановкам. Мне кажется, что синонимом театра является удовольствие. Надо с удовольствием репетировать, с радостью. Я знаю, что есть режиссеры – любители «кровавых» репетиций, Бог им судья. Поставив довольно много спектаклей, я всегда старался, чтобы и актеры, и постановочная часть, и я сам получали удовольствие. Иначе не вижу смысла этим заниматься. Удовольствие должен получать и зритель. Это самое главное. Мне кажется, именно за этим он и приходит. Я не люблю разговоров о миссии театра, о некоем режиссерском послании. Сегодня есть большой интерес к судьбе Екатерины Великой. Мы, что называется, в тренде. И, слава Богу! Любовь у трона… Любовь на фоне серьезных разговоров о судьбе России, о судьбах русских людей… Сон-фантасмагория с подлинной человеческой страстью… Если зрителю будет интересно, если он поймет, что не напрасно потратил почти два часа – мы будем считать, что наша задача выполнена». Продолжительность спектакля 1 ч 40 мин. без антракта Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+) Действующие лица и исполнители: Пётр III, Император и Самодержец Всероссийский — Андрей Ильин Екатерина — его супруга, будущая Императрица и Самодержица Всероссийская Екатерина II — Ольга Тумайкина Остальные — Виталийс Семёновс, Павел Тэхэда КардэнасСвернуть

К открытию Новой сцены Вахтанговского театра Анжелика Холина создала новый спектакль, основанный на музыке романтических классических балетов – «Мужчины и женщины» (или Сценарии, по которым живут…Подробнее К открытию Новой сцены Вахтанговского театра Анжелика Холина создала новый спектакль, основанный на музыке романтических классических балетов – «Мужчины и женщины» (или Сценарии, по которым живут люди). Этот спектакль — повествование, сотканное из постоянных превращений отношений и чувств: кокетство, любовь, страсть, ревность, соперничество, предательство. Мужчины и женщины — какие они есть и какими хотят казаться. Анжелика Холина: «Этот спектакль – фантазия на тему Любви, трагическая комедия, которая соткана из моих наблюдений. Я назвала его «Мужчины и Женщины» потому что он именно о мужчинах и о женщинах. Мне хотелось ответить на вопрос, почему у людей в отношениях ничего не получается до конца, почему столько разрушенных союзов и сломанных судеб? В спектакле разыгрываются истории жизни мужчин и женщин с рождения, с чистоты, веры, с поиска любви и до конца их земного существования, когда любовь, которую они искали, встретили, пережили – умирает. Любовь – не романтическое все обещающее чувство. Это столкновение двух разных природ, женской и мужской. Огромным разрушительным оружием в отношениях является ЭГО человека, поэтому любовь часто приносит людям только боль. Мужчинам и женщинам надо учиться быть вместе и до конца бороться за свою любовь, даже когда их природная несовместимость становится невыносимой». Премьера спектакля продолжила «Парад премьер» Новой сцены 7 октября 2015 года. Продолжительность спектакля 2 ч.10 минут с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-хореограф и автор либретто — Анжелика Холина Художник-сценограф — Мариус Яцовскис Художник по костюмам и гриму — Юозас Статкевичус Художник по свету — Тадас Валейка Балетмейстер-репетитор — Живиле Байкштите Действующие лица и исполнители: Мужчины: Дмитрий Ендальцев, Александр Константинов, Павел Попов, Денис Самойлов, Павел Юдин Женщины: Ася Домская, Ксения Кубасова, Анастасия Лукьянова, Аня Чиповская, Лада ЧуровскаяСвернуть