Государственный академический театр имени Евгения Вахтангова

Детский музыкальный театр «Домисолька» представляет музыкальную концертную программу «МУЛЬТиJAZZ». В программе прозвучат полюбившиеся зрителям песни из мультфильмов и кино в оригинальных авторских…Подробнее Детский музыкальный театр «Домисолька» представляет музыкальную концертную программу «МУЛЬТиJAZZ». В программе прозвучат полюбившиеся зрителям песни из мультфильмов и кино в оригинальных авторских обработках. Юные артисты уже не однократно покоряли сердца искушенных меломанов на концертах таких фестивалей как «Усадьба Jazz», «Триумф джаза Игоря Бутмана»,"Играем джаз с Гараняном» и многих многих других. Теплая дружеская атмосфера концерта не оставит равнодушным как юного зрителя, так и строгого притязательного корифея хорошей качественной музыки. Художественные руководители проекта и Детского музыкального театра «Домисолька" — Ольга Юдахина и Иван Жиганов.Продюсер и автор проекта — руководитель джазового отдела театра «Домисолька» Николай Чермошенцев.Свернуть

Сцены из деревенской жизни в двух действиях по пьесе Антона Чехова. Не удивляйтесь, если придя в Театр им. Евг. Вахтангова на спектакль «Дядя Ваня», вы не узнаете знакомых персонажей, а известные слова…Подробнее Сцены из деревенской жизни в двух действиях по пьесе Антона Чехова. Не удивляйтесь, если придя в Театр им. Евг. Вахтангова на спектакль «Дядя Ваня», вы не узнаете знакомых персонажей, а известные слова зазвучат неожиданно. Нет, Римас Туминас не совершил акта вандализма, он не переписал текст, не сократил его. Он прочел его с листа, как бы не догадываясь, что и до него были интерпретаторы. Режиссер очистил сцену от быта, оставив поле битвы страстей, разбитых иллюзий, неслучившихся надежд. Герои А. Чехова, увиденные Туминасом и воплощенные актерами, живут в сшибке амбиций, философствования, трудолюбия и ленности, служения и потребления. В творчестве А.П. Чехова находят предтечу театра абсурда: говорят одно, делают другое, думают третье. «Дядя Ваня» Туминаса о том, что думают герои Чехова и в чем признаются только в минуты душевного потрясения. Они порой косноязычны, как дядя Ваня, или излишне брутальны, как Астров, но их признания вырываются из души яростно, как человек из душной комнаты на свежий воздух. Режиссер и исполнители любят своих героев — таких разных, одиноких, порой смешных. Да, да, смешных! А. П. Чехов свои пьесы называл комедиями. Режиссеры и зрители гадали, почему эти истории, наполненные страданиями, недосказанностью, заканчивающиеся всегда на пронзительно-грустной ноте, – комедии? Для Туминаса пьесы Чехова – путь поиска, разгадка сути, оправдание жанра. Каждая его постановка – приближение к смыслу этого загадочного слова «комедия», так противоречащего контексту сюжета. Как тут не вспомнить слова А.С. Пушкина: «Высокая комедия не основана единственно на смехе, но на развитии характеров и нередко близко подходит к трагедии». Постановка – Римас Туминас Сценография и костюмы – Адомас Яцовскис Композитор – Фаустас Латенас В ролях: Владимир Симонов, Анна Дубровская, Евгения Крегжде / Мария Бердинских, Людмила Максакова, Сергей Маковецкий, Владимир Вдовиченков / Артур Иванов, Юрий Красков, Галина Коновалова, Сергей Епишев. Премьера спектакля состоялась 2 сентября 2009 года.Свернуть

Премьера — 10 октября 2019 г. Дипломный спектакль Театрального института имени Б.В. Щукина, курс профессора Владимира Иванова. По пьесе И.С. Тургенева «Месяц в деревне». Иван Сергеевич Тургенев (1818–1883) –…Подробнее Премьера — 10 октября 2019 г. Дипломный спектакль Театрального института имени Б.В. Щукина, курс профессора Владимира Иванова. По пьесе И.С. Тургенева «Месяц в деревне». Иван Сергеевич Тургенев (1818–1883) – знаменитый писатель и один из самых ярких литературных деятелей своего поколения. Художественное мастерство Тургенева высоко ценили современники в России, Западной Европе, Америке. Из письма Гюстава Флобера к Тургеневу: «Давно уже Вы являетесь для меня мэтром. Но чем больше я Вас изучаю, тем более изумляет меня Ваш талант. Меня восхищает страстность и в то же время сдержанность Вашей манеры письма, симпатия, с какой Вы относитесь к маленьким людям, и которая насыщает мыслью пейзаж». Ги де Мопассан о Тургеневе: «...гениальный романист, изъездивший весь свет, знавший всех великих людей своего века, прочитавший все, что только в силах прочитать человек, и говоривший на всех языках Европы так же свободно, как на своем родном». Тонкий наблюдатель, блестяще владевший словом, Иван Тургенев сочинил персонажей, благодаря которым мы в XXI веке воспринимаем образы века XIX. Тургеневские барышни, вечные студенты, лишние люди, манера то ли скучать от любви, то ли любить от скуки, – перекочевали на страницы других книг. Говоря о Тургеневе сегодня, мы часто сравниваем его с Антоном Павловичем Чеховым. Но от публикации «Месяца в деревне» (рабочее название – «Две женщины») в 1855 году до первых чеховских пьес оставалось лет 30, а до «Чайки» – 1895 – все сорок. Конфликт двух главных героинь, помещицы Натальи Петровны Ислаевой и её воспитанницы Верочки, часто интерпретируется как конфликт «отцов и детей», зрелости и юности, порочной страсти и чистой первой влюблённости… Вот только Наталье Петровне 29 лет. Верочке – 17. Замечательно, что в спектакле Владимира Владимировича Иванова все роли играют студенты, ведь это, в сущности, история очень молодых людей. Главные события деревенской жизни – приезд друг к другу в гости и долгие разговоры. Среди привычного уклада, среди давно знакомых лиц, студент Алексей Николаевич Беляев (21 год) – новый человек. Как в него не влюбиться? Только любовь ли это? Владимир Владимирович Иванов, режиссёр: «Наш спектакль – это попытка прочесть с совсем ещё молодыми артистами тургеневскую пьесу как некий психологический детектив о загадочной и разрушительной силе страсти». Продолжительность спектакля — 2 ч 40 мин. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссёр-постановщик — Владимир Иванов Педагог — Татьяна Захава Сценография и костюмы — Максим Обрезков Художник по свету — Сергей Мясников Художник-гримёр — Ольга Калявина Звукорежиссёр — Екатерина Волкова Помощник режиссёра — Рогнеда Смирнова Действующие лица и исполнители: Аркадий Сергеевич Ислаев — Евгений Кравченко Наталья Петровна, его жена — Елизавета Палкина Коля, их сын — Сева Логвинов Верочка, воспитанница — Валентина Попова Анна Сергеевна Ислаева, мать — Уршула Вратуша Лизавета Богдановна, компаньонка — Лолита Кашинска Михайла Александрович Ракитин, друг дома — Карен Овеян Алексей Николаевич Беляев, студент, учитель Коли — Иван Выборнов Игнатий Ильич Шпигельский, доктор — Антон Лызо Катя, горничная — Диляра Калимуллина Матвей, слуга — Егор АнисимовСвернуть

ГОСТИ ВАХТАНГОВСКОЙ СЦЕНЫ Премьера спектакля состоялась 25 апреля 2017 года. …Каждый вторник, в шесть часов вечера, королева Великобритании дает аудиенцию премьер-министру. Никто и ничто не обязывает…Подробнее ГОСТИ ВАХТАНГОВСКОЙ СЦЕНЫ Премьера спектакля состоялась 25 апреля 2017 года. …Каждый вторник, в шесть часов вечера, королева Великобритании дает аудиенцию премьер-министру. Никто и ничто не обязывает их участвовать в этом ритуале, однако по правилам хорошего тона, премьер-министр должен информировать своего монарха о событиях в стране и мире. За шесть с половиной десятилетий в кресле главы кабинета сменили друг друга немало политиков, от сэра Уинстона Черчилля до Маргарет Тэтчер и Терезы Мэй, мир изменился до неузнаваемости. Незыблемым осталось только одно – доклад премьера, кто бы им ни был, принимает королева Елизавета II, дольше всех в истории занимающая британский трон. Пьеса драматурга, сценариста и знатока британского двора Питера Моргана (автор сценария фильма «Королева» и сериала «Корона») в 2013 году поставлена в лондонском театре «Гилгуд» (продюсеры Матью Бэйм Шоу, Роберт Фокс и Энди Харрис), а спустя два года с успехом показана на Бродвее. В обоих спектаклях королеву сыграла Хелен Миррен, английская звезда с русскими корнями. Узнав о том, что в русской версии «Аудиенции» (специально для постановки Глеба Панфилова пьесу перевел Юрий Голигорский) Елизавету II сыграет русская звезда Инна Чурикова, драматург не только дал согласие на постановку, но, приехав в Москву, адаптировал пьесу, заострив внимание на отношениях Британии и России. Спектакль — лауреат премии «Хрустальная Турандот» в двух номинациях: — Лучшая женская роль — актриса Инна Чурикова — Лучшие костюмы — художник Виктория Севрюкова Спектакль поставлен при поддержке Благотворительного Фонда Алишера Усманова «Искусство, наука и спорт». Продолжительность спектакля — 3 часа 10 минут с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-постановщик Глеб Панфилов Перевод Юрий Голигорский Художник Нина Кобиашвили Художник по свету Дмитрий Будкин Художник по костюмам Виктория Севрюкова Второй режиссёр Ильдар Гилязев Продюсер Иван Панфилов Действующие лица и исполнители: Королева Елизавета II Инна Чурикова Юная Елизавета Анна Манакина Елизавета Пинегина Уинстон Черчилль Михаил Горевой Гарольд Уилсон Сергей Колесников Сергей Пинегин Энтони Иден, Гарольд Макмиллан Андрей Харитонов Маргарет Тэтчер Галина Тюнина Вера Воронкова Джон Мейджор Анатолий Лобоцкий Сергей Пиотровский Помощник Конюшего он же гвардеец Евгений Бойцов Денис Бондаренко Тимур Еремеев Дэвид Кэмерон Игорь Коняхин Олег Масленников-Войтов Конюший, Архиепископ Кентерберийский Джеффри Фишер Владимир Еремин Бобо Макдональд няня Елизаветы Елена Степанова Светлана Чуйкина Музыкант волынщик, Майор Владимир Лазерсон Помощник Конюшего он же гвардеец Глеб Гервассиев Гвардеец Игорь Коняхин Данила Дробиков Виктор Долгий Константин Шпаков Епископ Владимир Буланов Иван ШинкаревСвернуть

В сотрудничестве с Гёте-Институтом Театр Вахтангова представляет: «ПРЕВРАЩЕНИЕ». По повести Франца Кафки. Премьера — 4 ноября 2019 г. Писатель и философ Франц Кафка (1883–1924) был вынужден…Подробнее В сотрудничестве с Гёте-Институтом Театр Вахтангова представляет: «ПРЕВРАЩЕНИЕ». По повести Франца Кафки. Премьера — 4 ноября 2019 г. Писатель и философ Франц Кафка (1883–1924) был вынужден работать страховым агентом, что вызывало приступы агрессии и к занятию, и к коллегам, и к клиентам. «Всё, не связанное с литературой, я ненавижу», — писал Кафка. Однако, свои произведения автор намеревался уничтожить, что породило множество догадок и интерпретаций. Кафка не создаёт фантастические миры, не пишет о путешествиях к далёким планетам; его герои живут в той же вселенной, что и читатели. При этом они оказываются вовлечены в сверхъестественные события. Привычные предметы, действия, слова обретают искажённые смыслы, теряют очертания, как во сне. Главный герой новеллы «Превращение» Грегор Замза внезапно становится отвратительным насекомым. Это очень странная ситуация, которую вряд ли стоит оценивать рационально. Сознание Грегора остаётся сознанием человека, он помнит свою семью, узнаёт родных людей, но катастрофа уже случилась. Он не такой, как все. Уж точно не такой, каким его желают видеть. Он больше не соответствует общепринятым стандартам и приличиям. Йосуа Рёзинг, режиссёр: «Где проходит эта линия разрыва? В самом человеке или между человеком и обществом, или и там, и там? Можно ли трактовать понятие превращения с точки зрения психоанализа, социологии и религии? Это зловещее предупреждение или метафора? Прежде чем начать искать ответы на столь бесспорно увлекательные вопросы, желательно еще раз обратиться к самой истории, довериться ей и прочувствовать те эмоции и впечатления, которые рождаются в нас, а также те превращения, которые в нас происходят». Продолжительность спектакля – 1 ч 50 мин (без антракта) 16+ Режиссёр-постановщик — Йозуа Рёзинг Художник-постановщик — Максим Обрезков Композитор — Тис Мюнтер Художник по свету — Александр Матвеев Художник-гример — Ольга Калявина Звукорежиссеры — Екатерина Волкова, Руслан Кнушевицкий Помощник режиссера — Рогнеда Смирнова Действующие лица и исполнители: Грегор Замза — Владислав Демченко . Анна Дубровская . Ася Домская, Анастасия Жданова . Денис Бондаренко . Василий ЦыганцовСвернуть

На основной сцене Вахтанговского театра Заслуженный артист России Александр Олешко уже почти 14 лет (с момента премьеры) играет роль Селестена/Флоридора в любимой зрителями оперетте…Подробнее На основной сцене Вахтанговского театра Заслуженный артист России Александр Олешко уже почти 14 лет (с момента премьеры) играет роль Селестена/Флоридора в любимой зрителями оперетте «Мадемуазель Нитуш». В Арт-кафе одним из первых вечеров стало его выступление «Давайте негромко...», также в Арт-кафе Александр читает сказку под музыку для самых юных зрителей «Красная шапочка». На Симоновской сцене идёт другая сказка — «Аленький цветочек» в сопровождении песочного шоу. Теперь в зале Амфитеатр в апреле 2019 пройдёт ещё один вечер Александра Олешко для взрослой аудитории.Свернуть

ГОСТИ ВАХТАНГОВСКОЙ СЦЕНЫ Премьера спектакля состоялась 25 апреля 2017 года. …Каждый вторник, в шесть часов вечера, королева Великобритании дает аудиенцию премьер-министру. Никто и ничто не обязывает…Подробнее ГОСТИ ВАХТАНГОВСКОЙ СЦЕНЫ Премьера спектакля состоялась 25 апреля 2017 года. …Каждый вторник, в шесть часов вечера, королева Великобритании дает аудиенцию премьер-министру. Никто и ничто не обязывает их участвовать в этом ритуале, однако по правилам хорошего тона, премьер-министр должен информировать своего монарха о событиях в стране и мире. За шесть с половиной десятилетий в кресле главы кабинета сменили друг друга немало политиков, от сэра Уинстона Черчилля до Маргарет Тэтчер и Терезы Мэй, мир изменился до неузнаваемости. Незыблемым осталось только одно – доклад премьера, кто бы им ни был, принимает королева Елизавета II, дольше всех в истории занимающая британский трон. Пьеса драматурга, сценариста и знатока британского двора Питера Моргана (автор сценария фильма «Королева» и сериала «Корона») в 2013 году поставлена в лондонском театре «Гилгуд» (продюсеры Матью Бэйм Шоу, Роберт Фокс и Энди Харрис), а спустя два года с успехом показана на Бродвее. В обоих спектаклях королеву сыграла Хелен Миррен, английская звезда с русскими корнями. Узнав о том, что в русской версии «Аудиенции» (специально для постановки Глеба Панфилова пьесу перевел Юрий Голигорский) Елизавету II сыграет русская звезда Инна Чурикова, драматург не только дал согласие на постановку, но, приехав в Москву, адаптировал пьесу, заострив внимание на отношениях Британии и России. Спектакль — лауреат премии «Хрустальная Турандот» в двух номинациях: — Лучшая женская роль — актриса Инна Чурикова — Лучшие костюмы — художник Виктория Севрюкова Спектакль поставлен при поддержке Благотворительного Фонда Алишера Усманова «Искусство, наука и спорт». Продолжительность спектакля — 3 часа 10 минут с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-постановщик Глеб Панфилов Перевод Юрий Голигорский Художник Нина Кобиашвили Художник по свету Дмитрий Будкин Художник по костюмам Виктория Севрюкова Второй режиссёр Ильдар Гилязев Продюсер Иван Панфилов Действующие лица и исполнители: Королева Елизавета II Инна Чурикова Юная Елизавета Анна Манакина Елизавета Пинегина Уинстон Черчилль Михаил Горевой Гарольд Уилсон Сергей Колесников Сергей Пинегин Энтони Иден, Гарольд Макмиллан Андрей Харитонов Маргарет Тэтчер Галина Тюнина Вера Воронкова Джон Мейджор Анатолий Лобоцкий Сергей Пиотровский Помощник Конюшего он же гвардеец Евгений Бойцов Денис Бондаренко Тимур Еремеев Дэвид Кэмерон Игорь Коняхин Олег Масленников-Войтов Конюший, Архиепископ Кентерберийский Джеффри Фишер Владимир Еремин Бобо Макдональд няня Елизаветы Елена Степанова Светлана Чуйкина Музыкант волынщик, Майор Владимир Лазерсон Помощник Конюшего он же гвардеец Глеб Гервассиев Гвардеец Игорь Коняхин Данила Дробиков Виктор Долгий Константин Шпаков Епископ Владимир Буланов Иван ШинкаревСвернуть

Загадочные вариации на тему Эрика-Эмманюэля Шмитта.Первые звуки спектакля — шум прибоя, обозначающий место действия. Это остров в норвежском море, где уединился знаменитый писатель Абель Знорко.Подробнее Загадочные вариации на тему Эрика-Эмманюэля Шмитта.Первые звуки спектакля — шум прибоя, обозначающий место действия. Это остров в норвежском море, где уединился знаменитый писатель Абель Знорко. Писатель обрел на острове спасение от повседневности, здесь не надо играть роль счастливого человека, не надо «одевать» светскую улыбку, когда подступает боль и страдание. Однако его уединение неожиданно нарушает Эрик Ларсен, представившийся журналистом. Причиной встречи героев послужил выход книги, автором которой является один из них. Книга о любви, основанная на многолетней переписке, мгновенно стала бестселлером и спровоцировала конфликт. Новый роман писателя представляет собой подлинную переписку Знорко с возлюбленной, которая позже стала женой Ларсена. Несколько лет назад она умерла, но письма от ее имени продолжали приходить. Итак, двое мужчин, любивших одну и ту же, давно умершую женщину… Два антипода, объединенные общей болью утраты и обреченные на одиночество. Два мировоззрения, два видения одной и той же судьбы…Постановка — Сергей ЯшинРежиссер — Сергей ГоломазовСценография и костюмы — Алла КоженковаХудожник по свету — Владимир АмелинХудожник-гример — Ольга КалявинаВ ролях: Василий Лановой, Евгений Князев, Александр Прудников / Александр Солдаткин, Анна Антонова, Анастасия Васильева, Леонид Бичевин, студенты ТИ им. Щукина.Продолжительность спектакля — один час 45 минут.Премьера спектакля состоялась 22 апреля 1999 года.Свернуть

Премьера спектакля состоялась 22 ноября 2017 года на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Андрей Максимов, режиссер: «В первую очередь я хочу сказать огромное спасибо Римасу Туминасу,…Подробнее Премьера спектакля состоялась 22 ноября 2017 года на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Андрей Максимов, режиссер: «В первую очередь я хочу сказать огромное спасибо Римасу Туминасу, который дал мне возможность реализовать свой проект на только открывшейся сцене Вахтанговского театра. Работать в лучшем театре страны – это просто какое-то невероятное чудо. Когда я сказал об этом Римасу Владимировичу, он ответил: «Чудо вы нам покажете в ноябре». Хочется в это верить. Благодаря директору театра Кириллу Кроку, театр работает как отлаженный механизм. Только ставь! Я стараюсь… Пьеса «Любовь у трона» — это своего рода фантасмагория: сон снится Екатерине Великой накануне государственного переворота, который приведет ее к власти на долгие годы. Во сне она вспоминает свои отношения с мужем Петром III. По сути, это история о любви на фоне политики. Я давно мечтал поработать с поразительной актрисой Ольгой Тумайкиной, очень хотел, чтобы Екатерину сыграла именно она. Мечта сбылась. Она очень мощная актриса, очень интересный, глубокий человек. С исполнителем роли Петра III были проблемы, пока я не вспомнил, что в Вахтанговском театре работает поразительный актер Андрей Ильин. Я видел его в роли Хлестакова на сцене Русского театра в Риге. Это была поразительная актерская работа! Я видел его на сцене МХТ и театра Моссовета. Счастлив теперь не только работать, но и общаться с ним. Впервые встретился в работе с художником Максимом Обрезковым, который придумал очень интересный мир для наших героев, очень необычный. Но Обрезков еще и создатель Симоновской сцены. Мне кажется, это уникальный случай, когда главный художник театра создал несколько сценических пространств, включая Новую сцену. Очень спокойный, интеллигентный, творческий человек. Музыку написал замечательный композитор Сергей Шустицкий, с которым мы сделали несколько спектаклей, и он даже выпустил диск с музыкой к моим постановкам. Мне кажется, что синонимом театра является удовольствие. Надо с удовольствием репетировать, с радостью. Я знаю, что есть режиссеры – любители «кровавых» репетиций, Бог им судья. Поставив довольно много спектаклей, я всегда старался, чтобы и актеры, и постановочная часть, и я сам получали удовольствие. Иначе не вижу смысла этим заниматься. Удовольствие должен получать и зритель. Это самое главное. Мне кажется, именно за этим он и приходит. Я не люблю разговоров о миссии театра, о некоем режиссерском послании. Сегодня есть большой интерес к судьбе Екатерины Великой. Мы, что называется, в тренде. И, слава Богу! Любовь у трона… Любовь на фоне серьезных разговоров о судьбе России, о судьбах русских людей… Сон-фантасмагория с подлинной человеческой страстью… Если зрителю будет интересно, если он поймет, что не напрасно потратил почти два часа – мы будем считать, что наша задача выполнена». Продолжительность спектакля 1 ч 40 мин. без антракта Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+) Действующие лица и исполнители: Пётр III, Император и Самодержец Всероссийский — Андрей Ильин Екатерина — его супруга, будущая Императрица и Самодержица Всероссийская Екатерина II — Ольга Тумайкина Остальные — Виталийс Семёновс, Павел Тэхэда КардэнасСвернуть

П. де БОМАРШЕБЕЗУМНЫЙ ДЕНЬ, или женитьба Фигаро«Коль мысли мрачные на ум тебе придут, — откупори шампанского бутылку, иль перечти «Женитьбу Фигаро», — советует один из персонажей «Маленьких трагедий» А.С.Подробнее П. де БОМАРШЕБЕЗУМНЫЙ ДЕНЬ, или женитьба Фигаро«Коль мысли мрачные на ум тебе придут, — откупори шампанского бутылку, иль перечти «Женитьбу Фигаро», — советует один из персонажей «Маленьких трагедий» А.С. Пушкина. Прошли годы, века, но и сегодня не грех воспользоваться советом великого поэта. Обаяние комедии Бомарше не увяло, ее энергетика, азарт, ирония, юмор, виртуозность интриги с годами как будто бы набрали еще большую остроту и блеск. И хотя Фигаро сегодня интересен для нас не как предвестник революции, что возмутило правящее сословие в Париже в эпоху премьеры спектакля, народный герой привлекает своей независимостью, находчивостью, неугомонным духом правдоискателя.Безумный день… Стилистику спектакля, наверное, следует искать в «безумном дне», свалившимся на голову участников этой истории, когда все переплелось, запуталось, и благодаря усилиям героя, счастливо разрешилось, и право первой ночи, прежде принадлежавшее Графу, сегодня сталкивается с непримиримостью Фигаро, человека нового времени, новых этических законов. Конфликт – в противоречии современной умной личности с обычаями и практиками, которые себя изжили.Оформление и костюмы не соответствуют времени написания комедии. Режиссер пытается представить эту историю через призму современности, живописуя нравы общества, поучает, развлекая.Режиссер спектакля Владимир Мирзоев:Старые мастера любили давать два варианта названия одного текста. Рядом с магическим «если бы» часто возникает волшебное «или». Мне дорога эта вариативность театра и культуры вообще. Причем вторая часть названия шедевра Бомарше могла бы отвалиться, как хвост у нашего предка, за ненадобностью. Безумие – вот главная категория, с которой мы хотим сегодня поиграть. Я бы убрал с афиши и «женитьбу», и даже интригана «Фигаро», если бы это не сбивало зрителя с толку.Стоишь, бывало, перед океаном классической драматургии и пытаешься почувствовать нечто, поймать свою волну. Но это не мода, нет, не вопрос, куда дует ветер. При выборе материала для меня главное – тема. В «Безумном дне» я увидел возможность очень важного разговора. О том, как современный человек вынужден подчиняться архаическим практикам, как элита ментально не поспевает за обществом, которое стремительно обновляется. Ведь вектор времени все равно направлен в будущее. Но антропология Бомарше не дидактична – это веселый витамин, спрятанный среди сладких ягод эротики, переодеваний, театральной игры. Мы, как дети, глотаем сочный, умный текст, не замечая его сложных смыслов.Без труда вытащив наших героев из эпохи феодализма, мы, тем не менее, не стали помещать их в мир гаджетов и свободной любви. Наш спектакль не модернизация в строгом смысле слова. Но эклектика, динамика и, главное, Безумие здесь вполне в духе актуального постмодерна. Не правда ли, сама жизнь выглядит сегодня как странный коллаж – мифологий, обычаев, заблуждений. Поэтому Моцарт и Россини могут запросто заглянуть в гости к африканскому вождю, посидеть у костра, выпить чашечку кофе. Иногда трудно понять, в каком веке мы оказались: то ли в середине 20-го, то ли в 17-м, то ли в 21-м.Как любил говорить Олег Николаевич Ефремов (в разных ситуациях): «А что вы хотите? – это жизнь». А иногда фраза звучала по-другому: «А что вы хотите? – это театр».Продолжительность спектакля 3 часа с одним антрактом.Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+).Свернуть

«Поговорим о странностях любви (Другого я не смыслю разговора)…» А.С. Пушкин Сочинение единомышленников по пьесе «Валенсианская вдова» Создатели спектакля, взяв комедию Лопе де Веги, выражают своё юное безумие,…Подробнее «Поговорим о странностях любви (Другого я не смыслю разговора)…» А.С. Пушкин Сочинение единомышленников по пьесе «Валенсианская вдова» Создатели спектакля, взяв комедию Лопе де Веги, выражают своё юное безумие, любовь к поэзии, музыке и почти забытому сочетанию театрального пафоса, подлинной романтики и юмора Премьера спектакля на Симоновской сцене — 25 марта 2019 года. Сюжет испанской приключенческой комедии не тайна: молодая вдова Леонарда служит предметом восхищения всей Валенсии. Однако, она не подаётся на уговоры дяди Лусенсьо выйти замуж вторично, остаётся надменно-равнодушной к ночным серенадам влюблённых. Леонарда посвящает жизнь служению Господу, желая достойно нести вдовье званье, но это оказывается не так просто, когда на смену молитве и ханжеству приходит любовь.Все здесь окутано любовью и подчинено её законам. Любовь приводит героев в отчаяние, толкает на безрассудные поступки, путает и водит. Бледный свет Луны хранит тайну сердца, а маска прячет лицо. Сложность и необычность режиссёрских решений иногда кроется в их простоте, игровой природе действия. Авторы постановки искали грани между условностью маски и подлинным переживанием, стремились к музыкальности слов. Самые современные мысли чаще всего способны подсказать классические тексты. «Торжественность, сила, героизм и сознательное стремление к высокой цели встречаются на каждом шагу в классической литературе… В наши дни и в нашем обществе классические вещи не могут прозвучать иначе, чем революционно...» (Михаил Чехов). Авторы спектакля — выпускники Театрального института имени Б.В. Щукина, курс режиссёра Александра Коручекова. В спектакле звучит музыка Ж. Бизе, М. де Фальи, Л. Минкуса, Э. Грига. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Художник-постановщик — Мария Мелешко Художник по свету — Владислав Фролов Художники по костюму — Мария Мелешко, Ян Гахарманов Хореограф — Виталий Липовый Сонеты — Виталий Липовый, Ян Гахарманов, Евгения Ивашова Музыка романсов — Марк Бурлай, Евгения Ивашова Грим — Мария Мелешко, Анастасия Голикова Действующие лица и исполнители: Лусенсьо, старик — Николай Лиханов Леонарда, молодая вдова — Евгения Ивашова Урбан, её паж — Виталий Липовый Марта, её служанка — Елизавета Лейбензон Камило, молодой человек — Ян Гахарманов Флоро, его слуга — Николай Лиханов Селья, горожанка — Анастасия Голикова Отон, влюблённый — Данил Можаев Валерьо, влюблённый — Марк Бурлай Лисандро, влюблённый — Данила Гнидо Росано, сват из Мадрида — Анастасия ГоликоваСвернуть

Премьера — 22 ноября 2019 г. Режиссёр — Николай Коляда Сценограф — Максим Обрезков В ролях: Ольга Гаврилюк, Светлана Йозефий, Елена Ивочкина, Ольга Чиповская, Лидия Константинова, Агнесса Петерсон, Ирина Дымченко,…Подробнее Премьера — 22 ноября 2019 г. Режиссёр — Николай Коляда Сценограф — Максим Обрезков В ролях: Ольга Гаврилюк, Светлана Йозефий, Елена Ивочкина, Ольга Чиповская, Лидия Константинова, Агнесса Петерсон, Ирина Дымченко, Элеонора Шашкова, Елена Мельникова, Вера Новикова, Ирина Калистратова, Наталья Масич, Андрей Зарецкий, Сергей Пинегин, Фёдор Воронцов.Свернуть

Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене,…Подробнее Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене, и юные зрители воочию увидят героев, которых сначала явило их воображение, а теперь они появятся на сцене и подарят удивительные моменты общения, развлекут, уведут в мир фантазии, где игра актеров и мастерство постановщика спектакля Владимира Иванова создадут волшебный мир удивительных превращений.Театр имени Евгения Вахтангова возвращается к практике постановки спектаклей для детей. Эту миссию он объединил с другой, уже ставшей традицией: включение лучшего выпускного спектакля Театрального института им. Б. Щукина в свой репертуар. Акция чрезвычайно важная, определяющая потенциальные возможности будущих актеров, их стимул к творческому росту на пути к профессиональной сцене.Сказка Ш. Перро, щедрый подарок, яркий, музыкальный, веселый, в живописных декорациях Максима Обрезкова, непременно порадует юных зрителей. Авторство спектакля «Кот в сапогах» принадлежит студентам IV курса актерского факультета и руководителю курса – профессору Владимиру Иванову, в прошлом сезоне удостоенному премии фестиваля им. А. Миронова «Фигаро» за верность репертуарному театру.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановХудожник – Максим ОбрезковМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваБалетмейстер – Олег ГлушковПродолжительность спектакля – два часа с одним антрактом.Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет.Свернуть

Всё большую популярность набирает новый вид музыкально-сценического действия — чтение сказок для детей в сопровождении оркестра. Вахтанговский театр не остается в стороне от этого процесса.Подробнее Всё большую популярность набирает новый вид музыкально-сценического действия — чтение сказок для детей в сопровождении оркестра. Вахтанговский театр не остается в стороне от этого процесса. Для юных зрителей в Арт-кафе Александр Олешко ещё в прошлом театральном сезоне начал читать «Сказку о царе Салтане». Теперь в репертуаре Арт-кафе для юных зрителей — «Красная шапочка». Композитор — Валерия Беседина. В сопровождении оркестра Театра. Музыкальный руководитель — Татьяна Агаева. Валерия Беседина успешно окончила Центральную музыкальную школу, позже — с отличием Московскую консерваторию и аспирантуру по классу композиции. И вот на афишах лучших театров её произведения. Ею написаны тысячи страниц партитур для оркестра, созданы сотни разножанровых произведений. Весёлые и серьёзные, для детей и взрослых, — музыкальные спектакли Валерии Бесединой звучат в театрах и на радио, многие изданы на CD. Александр Олешко, Валерия Беседина и оркестр Вахтанговского театра превратят всем известный сюжет Шарля Перро в музыкальную сказку и подарят её не только всем детям, а и Ребёнку в душе каждого взрослого. Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет (6+). Обращаем Ваше внимание, что все посещающие Театр зрители, вне зависимости от их возраста, должны иметь отдельный билет. Композитор Валерия Беседина Музыкальный руководитель Татьяна Агаева Действующие лица и исполнители: Исполнитель Александр ОлешкоСвернуть

Автор пьесы «Ветер шумит в тополях» Жеральд Сиблейрас – современный французский драматург, родился в 1961 году. В начале писательской деятельности работал над составлением диалогов и сценариев для…Подробнее Автор пьесы «Ветер шумит в тополях» Жеральд Сиблейрас – современный французский драматург, родился в 1961 году. В начале писательской деятельности работал над составлением диалогов и сценариев для фильмов. В соавторстве с Жаном Делом написал ряд пьес; одна из них, «Маленькая игра без последствий», принесла авторам невероятный успех и в 2003 году была удостоена театральной премии Мольера в пяти номинациях, в том числе «Лучшая французская пьеса года». Самостоятельная работа Ж. Сиблейраса «Ветер шумит в тополях» получила в 2006 году премию Лоуренса Оливье в номинации «Лучшая комедия». Жеральд Сиблейрас почти не известен в России, что не справедливо, ибо обладает безусловными достоинствами. Он – мастер остроумного диалога, его чувство юмора – безусловно, он философ и провокатор. Его герои – амбициозные чудаки, их самоирония беспощадна, а мечтательность наивна. На террасе дома престарелых встречаются три человека, у каждого свое прошлое, но сегодня они объединены одним будущим — старостью и границами этого дома. Скучная история? Нет. Ибо ее герои сосредоточены не на уходе из жизни, а борьбе за нее с обстоятельствами, комплексами, хворями, и нисколько не похожи на уходящую натуру. Жизнь будоражит их, мешает унынью. А прихватившие болячки – лишь повод для самоиронии. Соотечественник Ж. Сиблейраса Шарль де Голль сказал: «Достоинство нации определяется чувством юмора по отношению к себе». Этим качеством всецело обладают герои пьесы, в бесконечных перепалках друг с другом протекают мгновения их жизни, они мечтают о том, что не может случиться, и каждое утро приходят на террасу, как герои Беккета к засохшему дереву, зная, что ближайшая реальность – смерть. Историю трех чудаков поведают замечательные актеры – В. Вдовиченков, М. Суханов, В. Симонов в постановке Римаса Туминаса, чья режиссура – то живопись, то графика, которую он творит вместе с актерами, а когда работа закончена, уходит, и картина – спектакль – начинает самостоятельную жизнь. Так и в этой работе: они ищут ответы на вопросы о вечности, гордости, любви, сострадании, и в этой многокрасочности заключена мощная энергетика, которая, надеемся, перехлестнет через рампу и захватит зрителей. Совместный проект Театра имени Евгения Вахтангова и Международного театрального агентства «Арт-Партнер ХХI». Автор – Жеральд Сиблейрас Постановка – Римас Туминас Сценография и костюмы – Адомас Яцовскис Музыка – Фаустас Латенас Действующие лица и исполнители: Густав – Владимир Вдовиченков Фернан – Максим Суханов Рене – Владимир СимоновСвернуть

Наталья Ковалева, режиссер спектакля: «Время от времени, каждый из нас задает себе непростые вопросы: кто я? зачем я живу? каково мое назначение? что я могу и не могу себе позволить? Такой разговор…Подробнее Наталья Ковалева, режиссер спектакля: «Время от времени, каждый из нас задает себе непростые вопросы: кто я? зачем я живу? каково мое назначение? что я могу и не могу себе позволить? Такой разговор предлагает зрителю спектакль «Очарованный странник». Вместе с героями спектакля мы отправимся в очарованное странствие по своей жизни, потому что это наши вопросы и наша жизнь. Пароход. Маленький кусочек суши посреди бескрайней воды. Десять человек плывут на остров Валаам. Долгий путь обыкновенно располагает к разговору. А порой даже и к исповеди. Такую исповедь нам и предстоит услышать. И развернется перед нами человеческая жизнь. Жизнь Ивана Флягина. Яркая, полная непредсказуемых поворотов, ситуаций смешных и горьких. В ней будет всё: высокая жертвенная любовь, муки телесные и душевные, жестокость и сострадание. Перед нами пройдут сцены неистовые и нежные: вот Иван укрощает дикого коня, а вот «укрощен» сам красотою женщины; вот он в единоборстве убивает человека, а вот пронизан жалостью и любовью к чужому ребенку… Сцена станет полем битвы за человеческую душу. Душа человеческая станет полем битвы. За нее будут драться и ангелы и демоны. Река жизни будет приносить Ивану образы убитого им монаха, согретой его любовью девочки, пьянчужки — барина, умницы Евгеньи Семёновны, красавицы-цыганки Грушеньки. Иван листает свою книгу жизни и открывается душа человеческая. А душа-то самая русская – всё её страсти морочат. Ведь Иван – типичный русский характер: широкий и страстный, дикий и необузданный, рисковый и смелый, упрямый, бесшабашный. И путь его – это путь человека от раба своих страстей и желаний до человека свободного. «Очарованный странник» – история сегодняшняя. Житие человеческое, описанное Лесковым, это жизнь каждого из нас. И ещё – это наша общая жизнь. Читаешь последние страницы повести и проникаешься тревогой её героя. Он страшится за свой народ, потому что когда все кричат о мире, то нападает «всегубительство». А что мы видим вокруг? В газетах, по радио, в телевизорах – все рассказывают нам о том, как борются за мир и покой, а на деле – там война, там террористический акт, там насилие, там вандализм, там коррупция, там грабеж, там ложь и так далее. Николай Лесков – исконно русский писатель. Русский по темам, которые выбирает, по героям, которых выводит, по мелодическому складу языка, которым их описывает. Я бы даже назвала его писателем эпическим, потому что повествования его – это всегда целостная картина народной жизни, на фоне которой разворачивается жизнь героя. И герой этот плоть от плоти народной. Лучше не скажешь, чем сказал сам Лесков в завершении «Левши»: «…предания эти нет нужды торопиться забывать, несмотря на баснословный склад легенды и эпический характер главного героя. …Это эпос… с очень «человечкиной душою». Вот и «Очарованный странник», как всякий эпос, – история вечная».Свернуть

Премьера спектакля состоялась 9 апреля 2014 года. Великая актриса Сара Бернар пытается реконструировать события прожитого. В воспоминаниях она опять на сцене, в детстве, в конфликте…Подробнее Премьера спектакля состоялась 9 апреля 2014 года. Великая актриса Сара Бернар пытается реконструировать события прожитого. В воспоминаниях она опять на сцене, в детстве, в конфликте с матерью, в разговорах с любовником. Зачем ей это? Да, чтобы наполнить угасающую жизнь эмоциями, страстями, но уже в воспоминаниях. Ей по-прежнему нужна сцена, партнеры. И Сара Бернар произносит монологи, разыгрывает диалоги со своим секретарем Питу. Театр – ее жизнь, ей необходим адреналин и это – сцена, в которую она превращает берег французского курорта Бель Иль ан Мер. Питу понимает, что значит для актрисы театр. Она – уходящая натура. Ей не удалось закончить полемику с оппонентами, поскольку последние ушли из жизни, слова оказались не высказанными, но Сара Бернар с упорством продолжает односторонний спор. Для нее реальность и уход в небытие, в котором эфемерность прожитого, чувства, страдания, иррациональность, страсти, алогизмы – органичны. Это и есть жизнь, а, следовательно, это и есть – театр. Продолжительность спектакля 1 час 45 мин. без антракта. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка — Михаил Цитриняк Художник — Мария Рыбасова Художник по костюмам — Виктория Севрюкова Композитор — Борис Кинер, Александр Прокопович Перевод — Мария Зонина Действующие лица и исполнители: Сара Бернар — Юлия Рутберг Жорж Питу — Андрей ИльинСвернуть

Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 января 2017 года. В спектакле принимают участие выпускники Театрального института имени Бориса Щукина, художественный…Подробнее Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 января 2017 года. В спектакле принимают участие выпускники Театрального института имени Бориса Щукина, художественный руководитель курса Александр Коручеков. Режиссер Екатерина Зонненштраль о спектакле: «Рассказ «Чужая жена и муж под кроватью» — раннее произведение Достоевского. Он составлен автором из двух отдельных рассказов «Чужая жена» и «Ревнивый муж». В каком-то смысле, этот текст — ирония автора над популярными в то время легкомысленными водевилями. Диалоги легки, почти анекдотичны. Однако сама тема рассказа — ревность и страсть, доведенная до сумасшествия — была для Достоевского очень серьезной, больной. Мысли о ней не покидали его на протяжении всей жизни. Это связано, в том числе и с отношениями в семье родителей: отец Достоевского мучил ревностью свою жену (мать Федора Михайловича), от чего она страдала, ведь любила его по-настоящему преданно. Позже, в расцвете своего творчества, уже зрелый Достоевский вернется к этой теме в рассказе «Вечный муж». Но здесь он напишет уже не легкий водевиль, а практически трагедию в самых реалистичных выражениях. Нам было интересно поработать с текстом «молодого» Достоевского. Здесь его язык еще не совершенен с точки зрения мастерства, но свеж и откровенен в своей наивности. Мы попытались разобраться в нем с помощью языка театра. Эксперимент чист и проводится прямо на ваших глазах. Никаких декораций. Только сцена, пять актеров, зритель и … игра. Игра, которая в процессе спектакля становится откровением». Создатели спектакля выражают особую благодарность: Александру Анатольевичу Коручекову HeadDressLab и отдельно Ларисе Сурковой за создание голубой шляпки, Екатерине Козловой за создание клетчатого плаща. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Продолжительность спектакля — 1 час без антракта. Действующие лица и исполнители: Шабрин — Юрий Цокуров Творогов — Арсений Зонненштраль Глафира — Евгения Ивашова Бобыницын — Федор Парасюк Старик — Федор Парасюк Лиза — Каролина ЕрузалимскаяСвернуть

Весёлый балагур с чуть грустными лучистыми глазами — Михаил Васьков приглашает вечером в Арт-Кафе послушать актёрские байки и юмористические повести. Судьба одарила актёра встречами на съёмочной…Подробнее Весёлый балагур с чуть грустными лучистыми глазами — Михаил Васьков приглашает вечером в Арт-Кафе послушать актёрские байки и юмористические повести. Судьба одарила актёра встречами на съёмочной площадке и на театральной сцене с удивительными личностями. Шутка ли: одна из первых киноролей — в картине Георгия Данелии «Афоня». Или съёмки у Сергея Бондарчука в «Тихом доне». Михаил Васьков обладает даром поразительного рассказчика, с искренним удовольствием произносящего каждое слово, смакующего каждую сюжетную деталь удивительных историй. В программе вечера: Актёрские байки Антон Чехов. «Разговор человека с собакой» Николай Гоголь. Отрывок из поэмы «Мёртвые души»Свернуть

Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса —…Подробнее Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса — Александр Коручеков). Это волшебная сказка, где звезды разговаривают, люди летают, где странное поведение персонажей – норма. Где герой истории мальчик Питер Пэн не хочет становиться взрослым, поэтому он убежал из дома и поселился среди фей в Кенсингтонском парке. Питер Пэн появляется в доме Дарлингов среди ночи, с феей Чинь-Чин с захватывающими рассказами о сказочной стране, увлекая ими детей, и улетает с ними в неведомое прекрасное пространство, где все необычно – времена года меняются ежечасно, где полно русалок, крокодилов, краснокожих индейцев, пиратов. Невообразимое стечение событий, поединков, фантастические истории ожидают Джона, Майка и Венди Дарлингов в компании потерявшихся мальчиков. От смертельной опасности их спасает Питер Пэн, победивший Капитана Крюка. Дети возвращаются в отеческий дом, где их ждут счастливые родители, они вырастают, и только Питер Пэн остается мальчишкой, который с трудом узнает повзрослевших друзей. Александр Коручеков, режиссер: «Есть знаковые сказки, которые выходят за рамки детской литературы. Как, например, «Алиса в стране чудес». Такова и история о Питере Пэне, мальчике, который не хотел взрослеть. Питер Пэн – это глубокая история, в ней много пластов. Этому произведению посвящены тома исследований, где выясняют, что такое взрослость, что такое детскость. У Джеймса Барри – есть и пьеса, и повесть о Питере Пэне. Пьеса замечательная, но ее надо ставить на большой сцене, делать мюзикл, в котором использовать машинерию, пригласить акробатов, фокусников, сделать сложный постановочный спектакль. Мы же готовим свою работу на Новой сцене и здесь важны не постановочные эффекты, а игровая суть истории. Ведь детство продолжается, пока человек играет, верит в приключения. Питеру Пэну скучно без игры: он, например, предлагает своим друзьям обедать «понарошку», а когда они понимают, что хотят есть по-настоящему, Питер не дает им возможности покинуть игру, вернуться в реальную жизнь. Игра остается игрой, пока всем весело, пока она в радость. Это очень глубокое и разнообразное произведение, которое исследует важные пласты жизни, ставит проблему неизбежного взросления: как из веселого ребенка – озорника и придумщика – вырастает обыкновенный скучный взрослый человек. Питер не хочет становиться взрослым, ускользает от реальной жизни. Он предпочитает остаться навсегда ребенком. Поэтому он обречен на одиночество. Обратиться к истории о Питере Пэне предложил Римас Туминас, и нам всем эта идея понравилась. Играть спектакль будут студенты IV курса Театрального института имени Б. Щукина. Мне интересно поставить со своими учениками (я – художественный руководитель этого курса) детский спектакль, в который каждый год будут вводиться новые исполнители – очередной выпускной курс. Мы постараемся уйти от иллюстративности и не хотим заигрывать с детьми-зрителями, хотя сценическое пространство предполагает тесный контакт с публикой. Наша задача – разбудить фантазию ребенка, заставить его включаться в ситуации, чтобы нашим маленьким зрителям хотелось дома доиграть, что-то додумать. Мы призываем детей к сотворчеству. Этот спектакль рассчитан и на детей с 6–7 лет, и на взрослых, мам и пап, особенно на тех, кто в душе так и остался ребенком». Премьера спектакля «ПИТЕР ПЭН» продолжила ПАРАД ПРЕМЬЕР на Новой сцене Театра Вахтангова 26 декабря 2015 года. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет (6+). Обращаем Ваше внимание, что все посещающие Театр зрители, вне зависимости от их возраста, должны иметь отдельный билет. Режиссер-постановщик — Александр Коручеков Художник-сценограф — Максим Обрезков Художник по костюмам — Мария Данилова Художник по свету — Нарек Туманян Хореограф — Сергей Землянский Композитор — Петр Налич В спектакле звучит музыка «The Beatles», «Queen», группы «АукцЫон» Благорарим за помощь в создании спектакля Ольгу Лерман, Арама Мирзоянца, Светлану Федотову.Свернуть

Премьера сказки для оркестра и чтеца «Аленький цветочек» на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. В роли чтеца выступит актер театра и кино, Заслуженный артист России Александр Олешко.Подробнее Премьера сказки для оркестра и чтеца «Аленький цветочек» на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. В роли чтеца выступит актер театра и кино, Заслуженный артист России Александр Олешко. Александр Олешко и оркестр Вахтанговского театра (музыкальный руководитель — Татьяна Агаева) подарят юным зрителям сказку «Аленький цветочек», музыку к которой написал современный композитор и дирижер Андрей Рубцов. Это новая интерпретация известной истории о русских Красавице и Чудовище. Текст Сергея Аксакова был подвергнут переработке, благодаря которой повествование обрело нужную динамику. «Аленький цветочек» — оригинальное и целостное сочинение. Композитору удалось создать яркие и запоминающиеся музыкальные образы, точно иллюстрирующие происходящие события. «Читать сказки с оркестром – это особое творческое счастье! Но в случае с «Аленьким цветочком» и волшебной музыкой, которую написал Андрей Рубцов, это умноженные в сто раз радость и восторг! Талантливый композитор, удивительный дирижер, добрый, честный, хороший человек! Все эти качества можно услышать в музыке! И я точно знаю, что и взрослые, и дети станут чуть счастливее и захотят прослушать эту сказку и эту музыку еще не раз!» — говорит Александр Олешко. Автор музыки: Андрей Рубцов – композитор и дирижер, окончил Московскую государственную консерваторию им. П.И. Чайковского по классу дирижирования, а затем – аспирантуру Королевской академии музыки в Лондоне.Свернуть

Премьера — 25 января 2019 года. Творчество Эдуардо де Филиппо формировалось, с одной стороны, под воздействием искусства психологической правды и традиции неаполитанского театра, с другой – он был…Подробнее Премьера — 25 января 2019 года. Творчество Эдуардо де Филиппо формировалось, с одной стороны, под воздействием искусства психологической правды и традиции неаполитанского театра, с другой – он был очень близок к кругу идей неореалистического направления. «Театр – это жизнь, инсценировка реальной жизни». Его театр развивался в русле традиций неаполитанской сцены, уходящей корнями в комедию масок. В его пьесах живет народный дух площадного театра с актерскими импровизациями, буффонадой, а так же трагедией, фарсом, драмой, мелодрамой. Эдуардо де Филиппо всегда сам ставил свои пьесы и играл в них главные роли. Он автор более 50-ти пьес. Его шедевры – «Филумена Мартурано» (1956 и 2011), «Великая магия» (1979), «Цилиндр» (1996) вошли в золотой фонд репертуара Вахтанговского театра. «Суббота, воскресенье, понедельник» – одна из самых популярных пьес Эдуардо де Филиппо. Написанная в 1959 году, она до сих пор частый гость на сценах многих стран мира. Три дня из жизни семьи неаполитанского торговца, где все поколения живут вместе. За это время они успевают ссориться, ревновать, скандалить, мириться и, в конце концов, объясниться в любви. Яркие характеры, стремительно развивающийся сюжет, делают эту пьесу занимательной. Она смешная, а порой грустная, как и сама жизнь, с которой нужно примириться и начать все сначала, успев разглядеть, и понять друг друга, за долгие годы совместного союза. К счастью, все конфликты, случившиеся в субботу и воскресенье, благополучно разрешаются в понедельник. Лука де Фуско – режиссер спектакля «Суббота, воскресенье, понедельник» родился в Неаполе в 1957 году. Окончил факультет режиссуры в DAMS Болонского университета. Начал свою творческую деятельность с 1980 года в экспериментальном театре в рамках Театрального биеннале, ставя спектакли по произведениям Чехова, Гоцци, Гольдони, Мольера, Шекспира, Софокла, Шоу, Пиранделло, Брехта. С 2000 по 2010 год возглавлял венецианский Театро Стабиле дель Венето (Teatro stabile del Veneto «Carlo Goldoni»), превратив его в театр мирового уровня. В тот же период основал крупнейшую в Италии Театральную премию. Президент Ассоциации итальянских репертуарных театров (2005 – 2006). С 2011 года является директором неаполитанского Театро Стабиле ди Наполи (Teatro Stabile diNapoli) и художественным руководителем Неаполитанского театрального фестиваля. Лука де Фуско с большим пиететом относится к русскому театру, признавая его огромный вклад в развитие мирового театрального искусства. Российские театры – постоянные участники организованных им фестивалей. На первой встрече с артистами, занятыми в репетициях спектакля «Суббота, воскресенье, понедельник», Лука де Фуско рассказывал об Эдуардо де Филиппо – актере и драматурге, который был и остается любимым автором итальянцев – национальным героем. В своих пьесах он возрождает семейные ценности. Режиссер считает, что Эдуардо де Филиппо очень близок Чехову. Лука де Фуско: «Поставить один из шедевров неаполитанского театра с русскими актерами – это большой вызов. Среди огромного неаполитанского репертуара я выбрал нашего величайшего автора – Эдуардо де Филиппо и мою любимую пьесу среди его выдающихся работ «Суббота, воскресенье, понедельник». Этот текст обладает расплывчатым чеховским послевкусием, так как он рассказывает о маленьких завистниках, маленьких обидах, которые становятся весомыми в условиях атмосферы напряженности в семье и естественной склонности неаполитанцев преувеличивать, как бы, всегда играть определенную роль. Сам Эдуардо заставляет одного из своих героев сказать, что семья Приоре похожа на театральную труппу. И незначительные проявления напряженности, которые вырастают в гротеск, и аспект «театра в театре», связывают русскую и неаполитанскую культуры. Таким образом, я подчеркнул эти аспекты вместе с ипохондрией главного героя, который постоянно отказывается от жизни, от прекрасного дня, от света, который сияет через окна, от которого герой постоянно стремится скрыться. Мой режиссерский стиль тяготеет к ситуациям сюрреалистической драматургии, которые меняют оттенки текста. В этом случае я предпочел ограничиться легкими прикосновениями к тексту, позволяя Эдуардо говорить своим языком и авторскими ремарками, дабы оставить для русской публики шедевр в чистом виде, с которым, я надеюсь, она познакомится с радостью». Продолжительность спектакля — 3 часа с двумя антрактами. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка Лука де Фуско Сценография и костюмы Марта Кризолини Малатеста Компиляция произведений Никколо Паганини Джанни Гаррера Перевод Аля Ковьель Художник по свету Луиджи Саккоманди Грим Ольга Калявина Ассистент режиссера Лючия Рокко Ассистент-переводчик Надежда Чамина Звукорежиссер Вадим Магаляс Помощники режиссера Наталья Кузина Наталья Меньшикова Действующие лица и исполнители: Пеппино Приоре Евгений Князев Роза его жена Ирина Купченко Джульянелла их дочь Ася Князева Рокко их сын Леонид Бичевин Федор Воронцов Роберто их сын Олег Макаров Мария Каролина жена Роберто Лада Чуровская Антонио Пископо отец Розы Рубен Симонов Амелия Приоре сестра Пеппино Анна Дубровская Аттилио её сын Евгений Пилюгин Раффаэле Приоре брат Пеппино Сергей Пинегин Федерико друг Рокко Эльдар Трамов Луиджи Янньелло Михаил Васьков Елена его жена Ольга Гаврилюк Вирджиния служанка Полина Чернышова Микеле её брат Денис Самойлов Виталийс Семёновс Доктор Чеферкола Александр Павлов Катьелло портной Анатолий МеньщиковСвернуть

Спектакль создан при поддержке Департамента культуры города Москвы Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 октября 2016 года. Выпускница Мастерской…Подробнее Спектакль создан при поддержке Департамента культуры города Москвы Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 октября 2016 года. Выпускница Мастерской Римаса Туминаса Гульназ Балпеисова выпустила спектакль по пьесе Августа Стриндберга «Фрекен Жюли». В свое время пьеса была запрещена к публикации за острую тему и слишком откровенный эротизм. Режиссер Гульназ Балпеисова и молодые артисты Первой студии Театра им. Евгения Вахтангова, сохраняя верность духу Стриндберга, предлагают свое прочтение пьесы. Молодая графиня фрекен Жюли остается дома одна в канун праздника Ивановой ночи. Эту ночь она проводит с людьми, с которыми, казалось бы, ее ничего не может связывать – со своими слугами: лакеем Жаном и кухаркой Кристиной. Все они никогда не смогут понять друг друга, слишком многое их разделяет: статус; воспитание; интеллект; вера; кровь, в конце концов. Но какие-то таинственные силы притягивают их, вынуждают остаться в эту праздничную ночь вместе. И решение становится для них роковым. Молодой режиссер читает пьесу по-своему. Она делает акцент на том, что природа конфликта лежит не в социальном устройстве какого-либо общества, но в экзистенциальной плоскости, в самой природе оппозиции мужчина-женщина. На сцене больше нет Графини, Лакея и Кухарки, но есть две абсолютно разные женщины и один мужчина. Этот мужчина будет пытаться выстроить диалог с каждой из них, будет подстраиваться, стараться понять обеих. А эти женщины настолько не похожи, что Жану придется очень сложно. Что приемлемо для одной, невозможно для другой; что одна ценит и уважает, то для другой не существует. Но все же кое-что их объединяет, они обе женщины. Зритель получит возможность соотнести себя с героями на сцене и ответить на глубинные, неудобные в повседневной жизни вопросы: что на деле важно для меня в связи с мужчиной/женщиной, быть может, я лишь реализую свое эго или же состою в диалоге с партнером, существует ли пространство для личного выбора или же все давно решено за нас? Продолжительность спектакля 2 час 20 минут с антрактом Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). ействующие лица и исполнители: Фрекен Жюли — Полина Кузьминская Кристина — Яна Соболевская Жан — Павел Попов / Владимир ШульевСвернуть

Премьера спектакля состоялась 3 мая 2014 года. Четыре века тому назад испанский монах под псевдонимом Тирсо де Молина написал около четырехсот пьес, 88 дошли до наших дней. Одна из них – «Ревнивая…Подробнее Премьера спектакля состоялась 3 мая 2014 года. Четыре века тому назад испанский монах под псевдонимом Тирсо де Молина написал около четырехсот пьес, 88 дошли до наших дней. Одна из них – «Ревнивая к себе самой» заинтересовала Вахтанговцев. Биография автора путана, равно как и то, что судьба не всегда благоволила к нему. За комедии в светском духе он был порицаем врагами и завистниками и даже высылался несколько раз из Мадрида в отдаленные монастыри. Но слава драматурга пережила века, затмив несправедливость жизни. Тирсо де Молина – современник Сервантеса, Шекспира, Лопе де Вега, Кальдерона. В его пьесах со сложной интригой, драматическое и игровое начало переплетаются, являя собой сложную вязь взаимоотношений, вступая в единоборство. Вымысел и реальность меняются местами. Интрига этой истории заключается в том, что Кабальеро Дон Мельчор, приехавший из провинции в Мадрид, к заочно сосватанной невесте, в церкви влюбляется в незнакомку, увидев только ее прелестную ручку, не зная, что она принадлежит его невесте Магдалене. Случайная встреча молодых людей после мессы производит на Магдалену впечатление, она влюбляется в Мельчора (ее лицо закрыто мантильей) не подозревая, что он и есть ее жених. На свидании в доме отца Магдалены, Мельчор не угадывает в суженой хозяйку прелестной ручки, а Магдалена, оскорбленная его равнодушием, начинает ревновать Мельчора к самой себе, не открывая ему истины. Происходит изощренная игра – Мельчор в воображении дорисовывает портрет таинственной красавицы, не подозревая, что она и есть егоневеста. Ревность Магдалены к себе самой становится основным мотивом развития действия и едва не заводит отношения героев в тупик. Зрители станут свидетелями многих забавных перипетий, которые в результате приведут к счастливому концу. Продолжительность спектакля 2 часа 10 минут с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка Александр Коручеков Перевод Михаил Донской Художник-сценограф Тимофей Рябушинский Музыка Фаустас Латенас Художник по костюмам Мария Данилова Художник по свету Майя Шавдатуашвили Художник по гриму Ольга Калявина Хореограф Сергей Землянский Действующие лица и исполнители: Дон Алонсо — Олег Лопухов Донья Магдалена, его дочь — Ольга Лерман Дон Херонимо, его сын — Валерий Ушаков Дон Мельчор — Виталийс Семеновс Донья Анхела — Мария Волкова Дон Себастьян, ее брат — Дмитрий Соломыкин, Владимир Логвинов Дон Луис — Артур Иванов, Владимир Бельдиян Киньонес, дуэнья доньи Магдалены — Екатерина Крамзина, Ксения Кубасова Вентура, слуга дона Мельчора — Евгений Косырев Сантильяна, наёмный скороход — Максим Севриновский Махи, испанские горожанки — Наталья Винокурова, Аделина Голубенко, Василий Цыганцов, Ксения Кубасова, Ася Домская, Павел Тэхэда Кардэнас, Полина Кузьминская, Оксана ПчелиноваСвернуть

По рассказам Андрея Платонова: «Неизвестный цветок» «Невозможное» «Песчаная учительница» «Река Потудань» «Семён» «Юшка» Премьера — 3 октбря 2019 г. Проза Андрея Платонова (1899–1951) – писателя,…Подробнее По рассказам Андрея Платонова: «Неизвестный цветок» «Невозможное» «Песчаная учительница» «Река Потудань» «Семён» «Юшка» Премьера — 3 октбря 2019 г. Проза Андрея Платонова (1899–1951) – писателя, драматурга, киносценариста, журналиста, военного корреспондента – не поддаётся привычному литературному исследованию. Это рассказы-притчи, пропитанные особым философским восприятием действительности. Произведения изумляли многих современников нарочитой «неправильностью» стилистики, словосочетаний, описаний действий и окружающей обстановки. И тем не менее, именно эти рассказы и повести явственно перекликаются с мировой литературой и театром эпохи между двумя мировыми войнами – Первой и Второй. Вряд ли что-то тогда могло быть по-настоящему «правильным», ровным, аккуратным, чётким, когда передовые мыслители видели последствия Первой, еще слишком памятной, катастрофы, и уже с тревогой угадывали приближение Второй. В выбранных для постановки рассказах ощущается стремление жить, несмотря ни на что. Символом всего спектакля стал «Неизвестный цветок». Развиваться, даже если нет благоприятной для этого среды, стремиться вверх, даже если есть те, кто готов растоптать. Творить добро, увеличивать количество доброты в мире – даже если это дело на первый взгляд кажется безнадежным. Продолжительность спектакля 1 ч 30 мин. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+) Режиссёр-постановщик — Анна Горушкина Художник-постановщик — Елена Киркова Художник по свету — Руслан Майоров Звукорежиссёр — Вадим Магаляс Техническое обеспечение — Дмитрий Лазарев Помощник режиссера — Ася Князева Действующие лица и исполнители: Юшка — Денис Бондаренко Мария Никифоровна Нарышкина — Евгения Ивашова Мужчина с патефоном — Алексей Петров Никита — Сергей Батаев Люба — Ирина Смирнова Семён — Николай Романовский Девушка — Екатерина Жаркова Безымянный — Ян ГахармановСвернуть

25 марта 2018 года приглашаем на премьеру творческого вечера заслуженного артиста России Владимира Вдовиченкова. Владимир Вдовиченков один из самых узнаваемых артистов Вахтанговского театра,…Подробнее 25 марта 2018 года приглашаем на премьеру творческого вечера заслуженного артиста России Владимира Вдовиченкова. Владимир Вдовиченков один из самых узнаваемых артистов Вахтанговского театра, популярный театральный и киноактёр. На его счету уже около 60 фильмов и телесериалов. Из недавних громких премьер стоит называть «Салют-7», а в самом начале карьеры Владимир сыграл в культовых сагах «Бригада» и «Бумер». В Вахтанговском театре Владимир Вдовиченков служит 15 лет. Одна из первых ролей — граф Алексей Орлов в «Царской охоте» в постановке Владимира Иванова. Сегодня на исторической сцене Театра Вахтангова Владимира Вдовиченкова можно увидеть в спектаклях «Дядя Ваня» и «Ветер шумит в тополях» (режиссёр Римас Туминас), неизменно получающих восторженные отзывы зрителей, а также российских и зарубежных критиков.Свернуть

Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина.Подробнее Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина. Чтецкие программы и оперные интерпретации значительно превалируют. В Театре им. Вахтангова режиссер Римас Туминас с артистами Юлией Борисовой, Людмилой Максаковой, Сергеем Маковецким, Владимиром Вдовиченковым, Олегом Макаровым и молодыми «вахтанговцами» решили воплотить роман в стихах в драматической форме, осторожно, импровизационно пытаясь найти сценический эквивалент слову, сюжету, ничего не разрушая и стараясь ничего не пропустить. Это наше познание Пушкина, его героев, их мира, пространства России. Кажется, что о Пушкине мы знаем все. Но и тома исследователей, литературоведов, толмачей, серьезных изысканий не могут до конца постичь феномен поэта. Александр Сергеевич – «наше все», непознанное, загадочное. И всякий раз, обращаясь к нему, опасаешься повториться в восприятии, стремишься избежать штампов, знания, которому противится поэт, ибо он всегда больше, неразгаданнее. Он не исчерпывается сюжетом. «Евгений Онегин» – это что? Философское размышление о жизни в поэтической форме? Не только. История любви? Не совсем. Это огромное пространство мира и чувств, которое вместило все эпохи, игру ума, прозрения, догадки, гнев, обличение, сатиру и цинизм, сострадание и прощение. «Евгений Онегин» – «энциклопедия русской жизни» и в высшей степени народное произведение, роман в стихах, написанный в эпоху романтизма, где «современный мир предстал со всем его холодом, прозою и пошлостью». И вместе с тем, по словам Белинского, «Онегин есть самое задушевное произведение Пушкина, самое любимое дитя его фантазии, в которой личность поэта отразилась с такой полнотой, светло и ясно. Здесь вся жизнь, вся душа, вся любовь его, здесь его чувства, понятия, идеалы». «Евгений Онегин» – это простор России, судьбы его героев, обычаи, устои, культура, природа. Это попытка проникнуть в сущность русской души, понять неподдающийся трезвому анализу русский характер. Это русское общество во всех его ипостасях – наивной прелести языческой деревни и в холодной чопорности высшего света. Это отважная трепетность Татьяны и игривая наивность Ольги. Это «ума холодных наблюдений и сердца горестных замет». Спектакль Римаса Туминаса разрушает стереотипы; он, как всегда, авторский, увиденный и выстроенный полифонично, музыкально, жестко и эмоционально. Режиссеру чужд поэтический флер, он ломает ритмическое построение фразы, его влечет проза жизни, он враг выспренности и ложной лиричности. Своим спектаклем он разрушает «хлам воспоминаний» ранее увиденного и прочитанного. Он открывает новый смысл в характере и сюжете. Кто герой этого романа? Онегин? Конечно же, Татьяна, «Татьяна – русская душою…». Ее русскость в органичном слиянии с природой, обычаями, искренней задушевности, простодушном бесстрашии. Она пленительна в естественной грации, отважной прямолинейности, горькой искренности: «но я другому отдана и буду век ему верна». Свое откровенное признание Татьяна пишет человеку, которого создало ее воображение, ее вымысел значительнее оригинала, это ее подарок Онегину, который тот не смог ни понять, ни оценить, ни оправдать своею сутью. Для Онегина это очередное послание, он не дал себе труд постичь и разгадать его, он, по словам Достоевского, «не сумел отличить в бедной девочке законченности и совершенства». Он не увидел ее ни в деревенской глуши, ни в петербургском салоне. Он не захотел узнать, разглядеть ее. Угадает его Татьяна: «Уж не пародия ли он?». Хотя сам предмет обожания уверен: «Я молод, жизнь во мне крепка, чего мне ждать, тоска, тоска!». Читай – душа пуста. В Петербурге Онегин пленяется не самой Татьяной, это не возвращение к воспоминаниям, а ослепление блеском, положением в свете. Для Татьяны – это вериги, для Онегина – достоинства, питающие его фантазию и чувства. Их разность столь очевидна, что, идя навстречу друг к другу, они обязательно пройдут мимо, так несоприкасаемы их души в понятии любви, достоинства, духовности. Ее доминанта – Россия. Его метания по свету – суета, невозможность остановиться на главном, а скорее, незнание, что есть главное – родина, долг, любовь? В их невстрече – горькая закономерность несовместимости. Режиссер-постановщик – Римас Туминас Сценография – Адомас Яцовскис Музыка – Фаустас Латенас Художник по костюмам – Мария Данилова Художник по свету – Майя Шавдатуашвили Действующие лица и исполнители: Евгений Онегин – Сергей Маковецкий / Виктор Добронравов / Максим Севриновский Гусар в отставке – Владимир Вдовиченков Владимир Ленский – Олег Макаров / Василий Симонов Татьяна Ларина – Евгения Крегжде / Ольга Лерман «Сон Татьяны» – Юлия Борисова Ольга Ларина – Мария Волкова / Наталья Винокурова и другие. Спектакль рекомендован для зрителей старше 18 лет.Свернуть

Премьера — 8 апреля 2018 года Пьеса Ники Симоновой «Фрида. Жизнь в цвете» о всемирно известных мексиканских художниках Фриде Кало и Диего Ривере. Об их творчестве, любви, противоречиях, спорах…Подробнее Премьера — 8 апреля 2018 года Пьеса Ники Симоновой «Фрида. Жизнь в цвете» о всемирно известных мексиканских художниках Фриде Кало и Диего Ривере. Об их творчестве, любви, противоречиях, спорах и примирениях. Об их непростой судьбе: изменах и расставаниях, — которые неспособны были разрушить их творческую общность. Фрида Кало родилась 6 июля 1907 года в пригороде Мехико. В восемнадцать лет она попала в тяжёлую аварию и получила серьёзные травмы, год была прикована к постели, а проблемы со здоровьем остались на всю жизнь. Именно после трагедии она впервые занялась живописью. В 1929 году вышла замуж за Диего Риверу, ей было 22, ему — 43. Их сближало не только искусство, но и общие политические убеждения — коммунистические. Их бурная совместная жизнь стала легендой. Спустя много лет Фрида говорила: «В моей жизни было две аварии: одна — когда автобус врезался в трамвай, другая — это Диего». В работах Фриды Кало заметно очень сильное влияние народного мексиканского искусства. Её творчество насыщено символами, и одновременно влиянием европейской живописи, что особенно проявляется в её ранних работах, равно как и присутствие стилистики наивного искусства. Большое влияние на живопись Фриды Кало оказал Диего Ривера. В её творчестве преобладает жанр автопортрета, метафорически отражающего события её жизни. В 1953 году состоялась первая персональная выставка художницы на её родине. В 2003 году выставка работ Фриды Кало и её фотографий прошла в Москве. Яркая и неординарная личность Фриды Кало нашла своё отражение в литературе и кинематографе. Диего Ривера родился 8 декабря 1886 года на северо-западе Мексики. С 1896 по 1902 год брал уроки рисования и живописи в Академии Художеств в Мехико, учился в Мадриде, жил и работал в Париже. Диего Ривера — один из самых знаменитых латиноамериканских художников-монументалистов ХХ века. В своём творчестве обращался к истории и современности коренных народов Америки, и в первую очередь — Мексики. Он испытал влияние как классического европейского изобразительного искусства, так и модернизма, в частности — кубизма. Ему были близки традиционные мексиканские художественные жанры и стили. В 1927 году Диего Ривера приезжал в СССР, участвовал в праздновании десятой годовщины революции. Несколько лет работал в США, его фрески украшают огромное число общественных зданий. Писал на темы фольклорных сюжетов, верований и обычаев народов Мексики и революционного движения в стране. В 1955–56 гг. Ривера вновь посещал СССР. Скончался 24 ноября 1957 года в Мексике, похоронен на территории Ротонды выдающихся деятелей. «Такие люди, как Ороско, Тамайо, Ривера, — подобны вершинам Анд», — сказал поэт Пабло Неруда. Режиссер Лейла Абу-аль-Кишек: «Творчество Фриды Кало неотделимо от ее жизни, большинство ее картин автобиографичны. Ее жизнь настолько насыщена событиями, что может послужить вдохновением для множества драматических произведений. Каждая картина – маленькая пьеса. За три дня до смерти Фрида напишет картину «Viva la Vida!». Это название звучит как манифест всей ее жизни, которую она прожила с благодарностью, несмотря на множество трагических обстоятельств. «Да здравствует Жизнь!» — говорит Фрида Кало на прощание. Спектакль «Фрида. Жизнь в цвете» о том, что скрыто за яркими и, отчасти, наивными картинами Фриды Кало. Это история об одиночестве, страсти, боли, любви и предназначении». Ника Симонова, автор текста «Фрида. Жизнь в цвете»: «История сама по себе настолько драматическая, красочная и самодостаточная, что все время нашей работы над спектаклем она вела нас: автора, режиссера, исполнительницу главной роли и всех создателей спектакля, – за собой, направляя, подсказывая решения. В сценах мы использовали документальные материалы, отрывки из дневника Фриды Кало, фрагменты интервью Диего Риверы, мексиканские крылатые фразы, песни, но также и свой субъективный взгляд на внутреннее развитие персонажей. Для меня «Фрида. Жизнь в цвете» — это в первую очередь история преодолений и подвигов одной маленькой женщины, которой суждено было стать большим художником. Это история любви и публичного одиночества. Это история победы цвета над серостью, выдумки над повседневностью, жизни над смертью». В спектакле звучит народная мексканская музыка Запись музыки осуществлена в студии Театра имени Евгения Вахтангова Звукорежиссёр — Руслан Кнушевицкий В записи принимали участие: Михаил Айнетдинов (труба), Николай Шипулин (гитара, бас-гитара, перкуссия, ударные), Андрей Сергиевский (рояль, синтезатор), Жазира Абдигали (виолончель) Создатели спектакля выражают благодарность Посольству Мексики в России и лично советнику по культуре Наталье Фортуни за неоценимые консультации в процессе репетиций Продолжительность спектакля 2 часа 30 минут с антрактом Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссёр Лейла Абу-аль-Кишек Художник-постановщик Дина Боровик Композитор Николай Шипулин Хореограф Евгения Любашина Музыкальный руководитель и педагог по вокалу Андрей Сергиевский Художник-гримёр Ольга Калявина Художник по свету Сергей Мясников Звукорежиссёр Екатерина Волкова Помощник режиссёра Рогнеда Смирнова Действующие лица и исполнители: Ведущий — Андрей Удалов Певица — Полина Чернышова Фрида Кало — Аделина Гизатуллина Алехандро Ариас — Константин Белошапка Кристина Кало — Анастасия Жданова Диего Ривера — Денис Самойлов Лупе Марин — Мария Волкова / Наталья Винокурова Лев Троцкий — Павел ЮдинСвернуть

Премьера спектакля состоялась 14 октября 2016 года на Новой сцене Вахтанговского театра! Театр благодарит за помощь в создании спектакля И.А. Маршака. Первый звонок… Первый школьный день……Подробнее Премьера спектакля состоялась 14 октября 2016 года на Новой сцене Вахтанговского театра! Театр благодарит за помощь в создании спектакля И.А. Маршака. Первый звонок… Первый школьный день… Мальчики и девочки, полные жизни и радости, полные надежд рассказывают о себе, о родителях, о своих мечтах. Так начинается их общая биография. Так начинается пьеса «Наш класс». С этими десятью ребятами за время спектакля мы проживем десять жизней. Они будут дружить, веселиться, ссориться, мириться, драться. Они будут спасать и предавать друг друга, любить, ревновать, ненавидеть. И только одного они никогда не смогут – разорвать ту невидимую нить, которою связаны их жизни. Ибо – «одноклассник все равно, что родственник». В 2008 году польский драматург Тадеуш Слободзянек написал пьесу, название которой призывало осознать трудные уроки истории — «Наш класс. История в 14 уроках». Действие начинается в маленьком городке в конце 20-х годов, а судьбы персонажей — польских и еврейских мальчиков и девочек из одного класса — прослеживаются до наших дней. У десяти героев пьесы есть реальные прототипы, и события, описанные в пьесе, действительно происходили в польском городке Едвабне. Режиссер спектакля Наталья Ковалева:«В 2000 году вышла книга Я. Т. Гросса «Соседи» о Едвабне. Она вызвала в польском обществе шок, расколов его на два лагеря: желавших и не желавших признать свою вину. Для поляков это история их страны. Но ведь и в истории нашей страны есть трудные страницы. И это не только история: и сегодня нам часто приходится делать трудный выбор. За свой поступок отвечаем мы сами. Как поступить так, чтобы не захлебнуться поздним раскаянием? Работая над спектаклем, я часто задавала вопрос себе: «А что бы я сделала?». И оправдание, которое звучит у героев пьесы: «А что я мог сделать?», — не есть ответ. Так что для меня эта история — общечеловеческая. Везде, где человек зажат в кулак диктатуры, он перестает быть человеком — он становится волком, окружённым красными флажками. От страха он сеет зло вокруг себя, и в результате не может жить сам. Как выскочить за флажки? Мне думается, что о сложных уроках истории необходимо разговаривать с людьми языком театра, ибо он прост и нагляден: здесь перед живым человеком (зрителем) живой человек (артист) за пару часов проживает целую жизнь, проявляя тайные механизмы судьбы человека: связи его прошлого с настоящим и будущим». Тадеуш Слободзянек не летописец, который «добру и злу внимает равнодушно». Он глубоко встревожен вечными вопросами, он ведет битву за человека. Потому и достигает глубины художественного обобщения явлений. Пьеса «Наш класс» была отмечена главной литературной премией Польши Нике. При вручении ее автору было отмечено, что пока в Польше есть такие писатели, можно смотреть в будущее оптимистически. Спектакль рекомендован для зрителей старше 18 лет (18+). Продолжительность спектакля — 3 часа с одним антрактом. Режиссер — Наталья Ковалева Художник — Александр Боровский Композитор — Клавдия Тарабрина Хореограф — Ирина Филиппова Действующие лица и исполнители: Зоська — Полина Кузьминская Рахелька — Ксения Кубасова Дора — Дарья Щербакова Якуб Кац — Эльдар Трамов Рысек — Юрий Поляк Менахем — Владимир Шульев Зигмунт — Владимир Логвинов Хенек — Алексей Гиммельрейх Владек — Павел Попов Абрам — Максим СевриновскийСвернуть

Комедия Эрве в трех действиях.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваСценография – Борис ВалуевХудожник по костюмам – Светлана СиницынаХудожник-гример –…Подробнее Комедия Эрве в трех действиях.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваСценография – Борис ВалуевХудожник по костюмам – Светлана СиницынаХудожник-гример – Ольга КалявинаХудожник по свету – Владимир АмелинВ ролях: Виктор Добронравов / Валерий Ушаков, Евгения Крегжде / Ольга Немогай, Мария Аронова, Владимир Симонов / Артур Иванов, Александр Солдаткин, Лидия Вележева, Павел Любимцев, Юрий Красков, Александра Стрельцина / Ольга Ефремова.Продолжительность спектакля – три часа 50 минутПремьера спектакля состоялась 30 декабря 2004 года«Мадемуазель Нитуш» продолжает традицию вахтанговских музыкальных спектаклей: «Соломенной шляпки», «Дам и гусаров», «Старинных русских водевилей», в которых вахтанговская школа с ее особым шармом, где элегантность и изящество уживаются с остроумной шуткой, прелестным вокалом, озорным танцем, создает особый вахтанговский стиль игры – легкий, ироничный, заразительный.В спектакле, поставленном Владимиром Ивановым, звучит живой оркестр и живые голоса, а его герои, пройдя через все перипетии водевильных интриг, обретают, наконец, каждый свое счастье: хормейстер монастырского пансиона наслаждается постановкой своей оперетты на подмостках дижонского театра, воспитанница пансиона, мечтавшая о театре, становится певицей и находит свое личное счастье в лице блистательного драгунского лейтенанта Шамплатро.Свернуть

Премьера спектакля — 7 октября 2017 года на Новой сцене Театра имени Евгения Вахтангова. «Ричард III» — наиболее популярная пьеса из десяти хроник Шекспира, издававшаяся при жизни автора шесть раз.Подробнее Премьера спектакля — 7 октября 2017 года на Новой сцене Театра имени Евгения Вахтангова. «Ричард III» — наиболее популярная пьеса из десяти хроник Шекспира, издававшаяся при жизни автора шесть раз. Ричард в борьбе за власть презрел понятие морали, совести, сострадания. Его агрессия сметает все человеческое на своем пути. Он хитер, изворотлив, безжалостен. Уничтожая всех возможных соперников, не останавливается ни перед чем, чтобы добиться цели. Угрызения совести неведомы ему. Достигнув высшей власти, Ричард подружился с одиночеством. Его ненавидят все – и лорды, и народ. Первые поднимают восстание. Ричард в панике, его терзают кошмары.. Он не может найти союзника. Постулат: «Кулак нам – совесть, и закон нам – меч», — не действует. Он ранен, одинок, беспомощен, но готов к бою. «Коня, коня! Корону за коня отдам!»… Таков финал хромоногого горбуна, титана зла Ричарда III. Режиссер спектакля Автандил Варсимашвили: «Пьеса «Ричард III» гениальна. Это энциклопедия власти, учебник державной силы, пособие по захвату трона. Шекспир безошибочно показал характер диктаторов всех времен и народов. За несколько веков до Наполеона, Сталина, Гитлера и других узурпаторов власти, он словно бы предсказал нам их появление и в то же время фантастически точно описал психологический процесс разложения личности диктатора, когда тот уже по горло в крови, и в его жизни больше нет главной цели. Поэтому все шаги Ричарда до завоевания им трона – уникальны, беспримерны, а после захвата власти все его ходы – банальны и предсказуемы. Меня волнует именно эта тема: как живется человеку, когда в его жизни нет настоящей цели? Шекспира ставят очень часто, но очень редко его ставят хорошо. Не все могут понять и воплотить его стиль, потому что Шекспиру требуются особенные актеры. Необходимо уметь молниеносно менять не только темп, но, порой, и образ, ведь театр Шекспира – это театр лицедеев, способных мгновенно сбрасывать с лица одну маску и тут же надевать другую. Ему, в отличие от других авторов, не нужна обычная психологическая правда – ему нужна только театральная правда. Стиль игры Шекспира – именно театральность, в истинном смысле этого термина. Поэтому я благодарен моему старшему другу, выдающемуся режиссеру Римасу Туминасу, за то, что ставлю Шекспира в Вахтанговском театре, – где, как не здесь, знают цену подлинной театральности!». Продолжительность спектакля 3 часа 20 минут с антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка — Автандил Варсимашвили Художник-постановщик — Мирон Швелидзе Художник по костюмам — Тео Кухианидзе Музыкальное оформление — Элисо Орджоникидзе Художник-гример — Ольга Калявина Звукорежиссер — Даниил Давлетов Ассистент режиссера — Гульназ Балпеисова Помощник режиссера — Марина Марченко Действующие лица и исполнители: Король Эдуард IV — Игорь Карташев Королева Елизавета, его жена — Анна Антонова / Яна Соболевская Принцесса Елизавета, их дочь — Ольга Боровская Герцогиня Йоркская, его мать — Ольга Тумайкина / Александра Стрельцина Георг, герцог Кларенс, его брат — Юрий Поляк Ричард, герцог Глостер, его брат, впоследствии – король Ричард III — Максим Севриновский Королева Маргарита, вдова короля Генриха VI — Елена Сотникова Леди Анна, вдова сына короля Генриха VI, потом – жена Ричарда III — Ксения Кубасова / Полина Чернышова Кардинал Борчер, архиепископ Кентерберийский — Анатолий Меньщиков / Артем Пархоменко / Олег Форостенко Герцог Бекингем — Владимир Логвинов Граф Риверс, брат королевы Елизаветы — Федор Воронцов Лорд Хестингс, лорд-камергер — Сергей Пинегин / Артем Пархоменко Лорд Стенли — Виталийс Семёновс Сэр Роберт Брекенбери, комендант Тауэра — Денис Самойлов Сэр Джемс Тиррел, убийца — Павел Юдин Сэр Джемс Блент, убийца — Алексей Гиммельрейх / Павел Тэхэда Кардэнас В спектакле звучит музыка Гии Канчели, Якова Бобохидзе, Збигнева Прайснера, Лизы Джеррард, Арво Пярта, Рэнди Ньюмана, Майкла Наймана.Свернуть

Сцены из деревенской жизни в двух действиях по пьесе Антона Чехова. Не удивляйтесь, если придя в Театр им. Евг. Вахтангова на спектакль «Дядя Ваня», вы не узнаете знакомых персонажей, а известные слова…Подробнее Сцены из деревенской жизни в двух действиях по пьесе Антона Чехова. Не удивляйтесь, если придя в Театр им. Евг. Вахтангова на спектакль «Дядя Ваня», вы не узнаете знакомых персонажей, а известные слова зазвучат неожиданно. Нет, Римас Туминас не совершил акта вандализма, он не переписал текст, не сократил его. Он прочел его с листа, как бы не догадываясь, что и до него были интерпретаторы. Режиссер очистил сцену от быта, оставив поле битвы страстей, разбитых иллюзий, неслучившихся надежд. Герои А. Чехова, увиденные Туминасом и воплощенные актерами, живут в сшибке амбиций, философствования, трудолюбия и ленности, служения и потребления. В творчестве А.П. Чехова находят предтечу театра абсурда: говорят одно, делают другое, думают третье. «Дядя Ваня» Туминаса о том, что думают герои Чехова и в чем признаются только в минуты душевного потрясения. Они порой косноязычны, как дядя Ваня, или излишне брутальны, как Астров, но их признания вырываются из души яростно, как человек из душной комнаты на свежий воздух. Режиссер и исполнители любят своих героев — таких разных, одиноких, порой смешных. Да, да, смешных! А. П. Чехов свои пьесы называл комедиями. Режиссеры и зрители гадали, почему эти истории, наполненные страданиями, недосказанностью, заканчивающиеся всегда на пронзительно-грустной ноте, – комедии? Для Туминаса пьесы Чехова – путь поиска, разгадка сути, оправдание жанра. Каждая его постановка – приближение к смыслу этого загадочного слова «комедия», так противоречащего контексту сюжета. Как тут не вспомнить слова А.С. Пушкина: «Высокая комедия не основана единственно на смехе, но на развитии характеров и нередко близко подходит к трагедии». Постановка – Римас Туминас Сценография и костюмы – Адомас Яцовскис Композитор – Фаустас Латенас В ролях: Владимир Симонов, Анна Дубровская, Евгения Крегжде / Мария Бердинских, Людмила Максакова, Сергей Маковецкий, Владимир Вдовиченков / Артур Иванов, Юрий Красков, Галина Коновалова, Сергей Епишев. Премьера спектакля состоялась 2 сентября 2009 года.Свернуть

Премьера спектакля состоялась 8 декабря 2017 года. Постановка выпускников Мастерской Римаса Туминаса продолжает парад премьер Симоновской сцены. В этот раз молодые режиссёры представят публике инсценировки…Подробнее Премьера спектакля состоялась 8 декабря 2017 года. Постановка выпускников Мастерской Римаса Туминаса продолжает парад премьер Симоновской сцены. В этот раз молодые режиссёры представят публике инсценировки знаменитых новелл Стефана Цвейга: Гульназ Балпеисова — «Лепорелла» Владимир Бельдиян — «Незримая коллекция» Анатолий Шульев — «Принуждение» Хуго Эрикссен — «Шахматная новелла» Новеллы Стефана Цвейга сделали имя автора популярным во всём мире. Они поражают драматизмом, увлекают неожиданными сюжетами, заставляют размышлять над превратностями человеческих судеб. Со студенческих лет Стефан Цвейг полюбил русскую литературу. Его кумирами были Лев Толстой и Фёдор Достоевский. В конце 1920-х годов в России вышло двенадцатитомное собрание сочинений Стефана Цвейга. В предисловии к нему Максим Горький писал: «Стефан Цвейг — редкое и счастливое соединение таланта глубокого мыслителя с талантом первоклассного художника». Горький особенно высоко оценил новеллистическое мастерство Цвейга, его откровенное исследование переживаний героев. Книги Цвейга с 20-х годов и по сию пору переводят на многие языки мира. Автору ведомы были бездны жизни, он изучал их как художник и психолог. Каждый его герой самоценен, его частная жизнь, перепутья и страсти выписаны объёмно, выпукло, подробно. Он мастер малого жанра. Романы ему менее удавались, а новеллы по-своему совершенны, каждая из них закольцована началом и концом. Это маленькие спектакли, где люди любят, страдают и у каждого своё «приключение души». Гульназ Балпеисова: «Мир любит сказки со счастливым концом, в которых любовь преображает человека, превращает чудовище в принца, замарашку в принцессу. В крайнем случае, не меняя внешность, любовь помогает разглядеть красоту души. Во имя любви совершаются великие поступки. Великие, да. Но далеко не всегда добрые и светлые. Как насчёт чудовищных деяний во имя любви? Это не то, о чём сочиняют сказки, не то, что показывают в романтических фильмах. Зато в постановке новеллы «Лепорелла» мы хотим коснуться именно этой темы. Что происходит с тем, кто влюблён, кто предан беззаветно, для кого любовь стирает все границы и моральные запреты? «… ибо кто же оглядывается на свою тень? Знаешь, что она неизменно и бесшумно идёт за тобой по пятам, иногда забегает вперёд, будто твоё ещё не осознанное желание, но как редко присматриваешься к ней, пытаясь узнать самого себя в этом нелепо искажённом обличье!», — Стефан Цвейг». Владимир Бельдиян: «Разорённая и нищая Германия в смутное время между двумя мировыми войнами. Антиквар из Берлина, увидев, что ему больше нечего продавать, отправляется в маленький провинциальный городок, чтобы найти одного старого клиента в надежде выкупить по дешёвке какую-нибудь завалявшуюся реликвию, однако он даже и не подозревает, каким сокровищем обладает тот человек». Анатолий Шульев: «Художник Фердинанд Р. с женой исполнили мечту всей жизни, купили домик в горах Швейцарии: любимая работа, вдохновляющие пейзажи, лучшее время и место, чтобы творить, растить детей и наслаждаться жизнью. Но внезапно покинутую ими Родину охватывает жажда крови, духовная эпидемия под названием Первая Мировая война: заболевание начинает захватывать новые территории. «Машина для убийств» требует всё новых жертв. И вот, спустя два месяца после начала войны, Фердинанд Р. получает повестку: он призван в действующую армию… Что делать? Скрыться, остаться в стороне, не участвовать, спастись или взять в руки оружие, смешаться с толпой, подчиниться и утонуть в крови?». Хуго Эрикссен: «Шахматная новелла» — последний художественный текст, созданный Цвейгом. Это исполненное отчаяния высказывание о крахе идеалов гуманизма, рассказ о том, как былые ценности Европы уничтожаются грубой силой и воинствующим невежеством. «Золотой век надёжности», как характеризовал его сам Цвейг, сменяется эпохой торжествующего нацизма, по Европе расползается «чёрная чума». Однако автор избегает публицистичности, предпочитает вскрыть проблематику через авантюрный, держащий в напряжении сюжет. А именно — через историю одного шахматного противостояния. Как говорит главный герой новеллы: «Это довольно запутанная история и может сойти за иллюстрацию к повести о нашей прелестной эпохе. Может быть, вы запасетесь терпением на полчаса?...». Продолжительность спектакля 3 часа 10 минут с антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка Гульназ Балпеисова Владимир Бельдиян Анатолий Шульев Хуго Эрикссен Сценография и костюмы Максим Обрезков Музыка Фаустас Латенас Художник по свету Александр Сиваев Художник-гример Ольга Калявина Звукорежиссёр Екатерина Волкова Помощник режиссера Ирина Громова Действующие лица и исполнители: ЛЕПОРЕЛЛА Пустой, ничтожный случай N.N. Игорь Карташев Лепорелла служанка Мария Бердинских Барон фон Ф. Юрий Поляк Баронесса фон Ф. Яна Соболевская Ольга Тумайкина «Донна Эльвира» Ольга Немогай Врач Владимир Логвинов Антон слуга Анатолий Меньщиков ПРИНУЖДЕНИЕ История выбора № 34.729 Ф. Фердинанд Василий Симонов Паула Ольга Немогай Чиновник Владимир Логвинов НЕЗРИМАЯ КОЛЛЕКЦИЯ Эпизод из жизни Германии между Первой и Второй мировыми войнами Коллекционер лейтенант, кавалер ордена Железного креста Олег Форостенко Его жена Елена Ивочкина Анна-Мари его дочь Оксана Суркова Разорившийся антиквар Эльдар Трамов Несостоявшийся художник Юрий Цокуров Буфетчица Анастасия Жданова Солдаты Юрий Поляк Павел Юдин Офицер СС Владимир Логвинов Раненый солдат Василий Симонов ШАХМАТНАЯ НОВЕЛЛА Рассказчик Дмитрий Соломыкин Его приятель Владимир Логвинов Мирко Чентович Александр Галочкин МакКоннор Евгений Косырев Доктор Б. Валерий Ушаков Медсестра Ольга НемогайСвернуть

Премьера спектакля состоялась 29 ноября 2011 г. Художественный руководитель театра Р. Туминас в преддверии юбилейного сезона обратился к коллективу: «Я хочу разбудить в вас потребность…Подробнее Премьера спектакля состоялась 29 ноября 2011 г. Художественный руководитель театра Р. Туминас в преддверии юбилейного сезона обратился к коллективу: «Я хочу разбудить в вас потребность в самостоятельном поиске пьес, режиссуры, потребность пробовать, экспериментировать, дерзать, ошибаться, творить, побеждать». Этот призыв был услышан и поддержан труппой. Так появились «Прощальные гастроли» Ю. Эдлиса и начались репетиции «Медеи» Ануя (режиссер — М. Цитриняк, в главной роли — Ю. Рутберг). Что побудило обратиться к трагедии Ануя? — Время, наши дни с глобально надвигающейся некоммуникабельностью, разрушающей личность, общество, культуру, политику — с одной стороны, а с другой — попытка не замечать этой проблемы, отсюда непреодолимая тяга к развлечениям, шоу, бездумному веселью. Тревожно, что современный мир не фиксирует историю своей болезни — поднимают голову ксенофобия, расизм, агрессия. На фоне катастрофического падения морали, цинизма, стремления к благополучию, власти денег идет разрушение человека. Быть непохожим, отстоять независимость, не примкнуть к философии «успеха», отринуть соблазнительный постулат «я, как все», побороть философию мещанства и осознать, что безликое равенство гибельно — это удел сильных. «Медея» Ануя спустилась с котурн Еврипида, она ближе, понятнее нам, ее лексика современна. Диалог героев трагедии как бы движется по спирали, кругами — от прошлого к настоящему и опять к прошлому. Создатели спектакля попытались вычленить смысл из потока слов и событий. Медея Юлии Рутберг живет не сегодня, а вчера, у нее нет завтра. Ее память неистребимо возвращается к истокам, когда она, дочь царя Колхиды, похитила ради любимого золотое руно. Для Медеи предательство Ясона не только попрание любви, это разрушение ее жизненного пространства, гармонии души. В их поединке не может быть победителя. В единоборстве столкнулись разные миры, где долг, честь и «здравый смысл» — антагонисты. Смерть — граница их вражды и выбор ее — высшее проявление свободы личности. Медея уходит в небытие вместе с детьми, ибо не может оставить их такому Ясону, благоденствующему в созданном им мире филистерского равнодушия. Она не позволит им оказаться заложниками пошлой философии сытого равенства. Смерть — не поражение Медеи, а ее нравственная победа. В трагедии Ануя столкнулись два Мира — Медея и Ясон, свобода и мещанский стандарт жизни. Финальная мизансцена — метафора. Фигура Медеи рифмуется с мифической Никой — символом Победы. Продолжительность спектакля 1 час 35 минут без антракта. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-постановщик — Михаил Цитриняк Художник-постановщик — Мария Рыбасова Художник по костюмам — Виктория Севрюкова Художник по свету — Майя Шавдатуашвили Перевод — Валентин Дмитриев Композиторы — Борис Кинер, Александр Прокопович Действующие лица и исполнители: Медея — Юлия Рутберг Язон — Григорий Антипенко Креон — Андрей Зарецкий Кормилица — Инна Алабина, Наталья Молева Мальчик — Василий Симонов, Владимир Логвинов, Василий Цыганцов, Павел Тэхэда Кардэнас Стражники — Федор Воронцов, Владислав Гандрабура, Василий Симонов, Юрий Поляк, Валерий Ушаков, Павел Юдин, Владимир Шульев, Александр Галочкин Жрицы — Ирина Калистратова, Елена Мельникова, Нино Кантария, Екатерина Крамзина, Полина Кузьминская, Лада Чуровская, Аделина Голубенко, Полина Чернышова, Ася Домская, Оксана Пчелинова, Василиса Суханова, Наталья Винокурова, Антонина ПапернаяСвернуть

Пьеса «Бег» – знаковое для творчества Михаила Булгакова произведение. Е.С. Булгакова вспоминала: «Это была любимая пьеса Михаила Афанасьевича. Он любил эту пьесу, как мать любит ребенка».Валентин Каверин писал о пьесе: «Бег»…Подробнее Пьеса «Бег» – знаковое для творчества Михаила Булгакова произведение. Е.С. Булгакова вспоминала: «Это была любимая пьеса Михаила Афанасьевича. Он любил эту пьесу, как мать любит ребенка».Валентин Каверин писал о пьесе: «Бег» разрушает условные границы жанра, то перед нами психологическая драма, то фантасмагория, почти выпадающая из реальных представлений об окружающем мире».Сценическая история пьесы «Бег» была непростой. После запрета в 1928 году ее репетиций во МХАТе, вопрос о постановке «Бега» четырежды рассматривался на заседаниях Политбюро. Второго, после «Дней Турбиных», появления белого офицерства на сцене власти не допустили. При жизни автора пьеса не была поставлена, что «было для М. Булгакова почти катастрофой». Премьера «Бега» состоялась только в 1957 году в Сталинграде.«Пьеса почти не имеет сценической истории. Семь более – менее известных постановок за 87 лет – это почти ничего. Факт довольно удивительный, учитывая восприятие пьесы как шедевра. И дело тут, как мне кажется, не в острой социальности,... а в загадочной театральной фактуре, в невозможности найти сценический эквивалент фантастическим, невообразимым ремаркам Булгакова, да и самому тексту, произносимому людьми, населяющими эту пьесу. Вот такая, например, ремарка: «Поднимаясь в гибельные выси…». Это что такое? Это можно сыграть??? Это как??? Но как прекрасно! И не надо искать основу для постановки пьесы в событиях реальной жизни – это тупиковый путь, сужающий поиск и тему.«Бег» для меня – это состояние человека, проснувшегося после сна, в котором его преследовал кошмар, видения… а утром ты обретаешь покой… Ты один, очень тихо, в соседней комнате спят родные,.. все хорошо,.. и ты спокоен и счастлив…» Юрий Бутусов.Режиссер – Юрий БутусовСценография – Александр ШишкинХудожник по костюмам – Максим ОбрезковХудожник по свету – Александр СиваевБалетмейстер – Николай РеутовХудожник по гриму – Ольга КалявинаЗвуковой дизайн – Андрей МирныйВ спектакле звучат стихотворения И. Бродского, В. Маяковского, А. Володина, С. ДовлатоваПродолжительность спектакля 3 ч. 50 мин.Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+).Свернуть

Премьера — 13 марта 2019 года Ника Симонова, автор текста «Танец солнца»: «Работа над историей известного на весь мир танцовщика Вацлава Нижинского для меня началась с пристального изучения…Подробнее Премьера — 13 марта 2019 года Ника Симонова, автор текста «Танец солнца»: «Работа над историей известного на весь мир танцовщика Вацлава Нижинского для меня началась с пристального изучения документальных материалов, книг о Нижинском, интервью его современников, его дневника. Вместе с нашей творческой группой мы выбирали главные для нас события, фантазировали, домысливали. Наши персонажи: Вацлав Нижинский, Сергей Дягилев, Игорь Стравинский, — говорят словами, которые в начале ХХ века действительно были написаны или сказаны этими знаковыми для истории мировой культуры людьми. Для меня история Нижинского — это история о солнечном человеке, для которого лишиться возможности танцевать — все равно что сойти с ума или перестать существовать. История о трагическом несоответствии силы таланта и силы личности. История о легендарном танцовщике, хореографе, предугадавшем развитие всего современного танца в преддверии Первой Мировой войны. Его балеты оскорбляли и восхищали общество. Его стопа была подобна стопе птицы. Его стремительный взлёт и такое же стремительное падение по сей день остаются притчей во языцах...». Лейла Абу-аль-Кишек, режиссер: «Нижинский один из самых загадочных танцовщиков в истории мирового балета. Углубившись в его короткую, но яркую творческую жизнь я встретилась с большим количеством противоречий. Сам Нижинский ассоциировал себя с главным героем романа Достоевского «Идиот». И в этом есть правда: он был смелым гением на сцене, но абсолютно бесхитростным, до наивности честным человеком в обыденной жизни, как и Князь Мышкин. Прыжок Нижинского стал легендой, способность перевоплощения потрясали зрителей и критиков. А смелые хореографические эксперименты открыли новый век танца. Но что стало причиной гибели столь яркого таланта? Поиски ответа на этот вопрос привели нашу творческую группу к неожиданным открытиям, которые легли в основу истории о «Гениальном идиоте». Продолжительность спектакля 2 часа 20 минут с антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-постановщик — Лейла Абу-аль-Кишек Художник-постановщик — Дина Боровик Композитор — Николай Шипулин Музыкальный руководитель — Андрей Сергиевский Хореограф — Евгения Любашина Педагог по классическому танцу — Ольга Каплунова Режиссер по работе с актерами — Алексей Артемов Художник-гример — Ольга Калявина Художник по свету — Сергей Мясников Звукорежиссеры — Екатерина Волкова, Вадим Магаляс Помощник режиссера — Рогнеда Смирнова Действующие лица и исполнители: Вацлав Нижинский — Аделина Гизатуллина Сергей Дягилев — Денис Самойлов, Сергей Батаев Василий, его слуга — Олег Лопухов Михаил Фокин — Павел Тэхэда Кардэнас Игорь Стравинский — Ян Гахарманов Ромола де Пульски — Ася Домская Высокий — Николай Романовский Блондин — Денис БондаренкоСвернуть

Премьера спектакля состоялась 25 марта 2016 г. на Новой сцене Вахтанговского театра. «Гроза» – вероятно, самая знаменитая драма А. Н. Островского. Многие по сей день считают ее одним из наиболее загадочных…Подробнее Премьера спектакля состоялась 25 марта 2016 г. на Новой сцене Вахтанговского театра. «Гроза» – вероятно, самая знаменитая драма А. Н. Островского. Многие по сей день считают ее одним из наиболее загадочных произведений мировой драматургии. После ее выхода в свет в 1859 году, после первых премьер в Москве и Санкт-Петербурге «Гроза» сразу породила множество споров и противоположных суждений. Кто-то называл ее несерьезной балаганной поделкой, а кто-то – совершенным поэтическим творением. Кому-то казалось, что Островский выразил радикальный протест против устаревшего уклада жизни, а кто-то, наоборот, увидел в его драме апологию консервативного русского быта. Но все люди театра ясно ощутили в «Грозе» настроение глобальной катастрофы, которая призвана то ли разрушить мир, то ли его обновить. Столь огромным оказалось влияние вроде бы простой, на современный взгляд, истории, происшедшей в некоем провинциальном городке Калинове на реке Волге. Главная героиня «Грозы» Катерина – молодая замужняя женщина – впервые испытывает сильную любовь к мужчине, который не является ее мужем. Это чувство превращается в роковое испытание для нее, ибо ни ее воспитание, ни общий уклад жизни не позволяют ей покинуть семью ради возлюбленного, который к тому же не готов принять ее… С первых же постановок «Грозы» стало ясно, что роль Катерины относится к вершинам женского трагического репертуара. Первыми ее исполнительницами в 1859 году были Л. Никулина-Косицкая (Малый театр) и Ф. Снеткова (Александринский театр). Затем ее играли Г. Федотова, П. Стрепетова (ее выше всех ставил А. Н. Островский в конце жизни), М. Ермолова, М. Савина, В. Пашенная – ярчайшие звезды ушедшей эпохи. В XX веке – Е. Рощина-Инсарова в спектакле В. Мейерхольда 1916 года в Александринском театре; А. Коонен в спектакле А. Таирова 1924 года в Камерном театре; Л. Щербинина в спектакле Б. Бабочкина 1974 года в Малом театре; и другие знаменитые актрисы, составившие славу русского театра. Из разговора с режиссером Уланбеком Баялиевым Нам хотелось сочинить архаичный, поэтичный спектакль, понятный современным зрителям: про человека, про любовь, про боль. Сейчас очень не хватает глубокого, подробного разговора о человеке. Мир живет в страшной спешке, так что мы не успеваем самое главное: поговорить, рассказать, добраться до глубины в человеческих отношениях. Мысли Островского очень объемны и современны. В городе Калинове каждый человек – сгусток боли. Эта боль – «тяжесть бытия», и у каждого она оправдана. В «Грозе», мне думается, нет «темного царства», нет противопоставления света и тьмы. Катерина не «светлее», не «лучше», чем все остальные. Просто она другая: она, как никто другой, ищет свободы, права на жизнь, права на любовь, пусть даже вопреки устоявшемуся порядку. Все мы знаем, что в душе всегда есть мечты и желания; но есть и мир, с которым надо считаться. Недаром интернет в наши дни – главная среда общения: там можно быть не собой, надеть маску, менять личины, казаться лучше чем ты есть. В интернете ты можешь все регулировать сам, а можешь и скрыться насовсем, уйти в тихое, незаметное одиночество, которое очень похоже на спасение… Но мир и окружающих людей отрегулировать невозможно; от мира нельзя спастись одиночеством, как в интернете. В мире, наоборот, надо искать человека. Так в «Грозе»: там каждый герой ищет себе человека, каждый ищет общения. Таков, например, Кулигин – наверное, самый одинокий из героев Островского. А может, таковы и Кабаниха с Диким? В учебниках литературы их называют главными злодеями «Грозы», повелителями «темного царства». А ведь между ними когда-то могла случиться первая, настоящая любовь… Может, Кабаниха отказалась от своей любви, чтобы выйти замуж за не любимого, но понятного и надежного? И не оттого ли ее дети не вспоминают отца, что он «сгорел» слишком рано и не оставил о себе памяти? Может, теперь Кабаниха узнаéт во влюбленной Катерине себя молодую и хочет уберечь своего сына Тихона от трагической судьбы нелюбимого мужа? А. Н. Островский отдает частичку себя каждому из персонажей: он любит их всех, внимательно слушает их. Как будто ходит к ним в гости на чай в том самом халате, в котором его изобразил на портрете художник В. Перов. Почему Катя так боится большой любви, которая грозит разрушить ее брак? Кто-то говорит, из-за религии; мне думается, из-за совести. Катя хочет, как и все мы, быть достойным человеком, порядочным, жить без вранья. Кто-то должен взять на себя смелость проявить потаенное, истинное, сказать, совершить поступок, упасть и снова встать, чтобы мы могли жить. Такие люди, как Катя, становятся героями, идолами или изгоями – во всяком случае, на их долю выпадают бесконечные похвалы и осуждения, размышления, оценки, исследования… Продолжительность спектакля 2 ч. 50 мин. с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка Уланбек Баялиев Художник – сценограф Сергей Австриевских Художник по костюмам Ольга Нестеренко Композитор Фаустас Латенас Художник по свету Нарек Туманян Действующие лица и исполнители: Савел Прокофьевич Дико́й, купец, значительное лицо в город — Александр Горбатов Борис Григорьевич, племянник его — Леонид Бичевин Марфа Игнатьевна Кабанова (Кабаниха), богатая купчиха, вдова — Ольга Тумайкина Тихон Иваныч Кабанов, ее сын — Павел Попов, Дмитрий Ендальцев Катерина, жена его — Евгения Крегжде Варвара, сестра Тихона — Екатерина Нестерова Кулигин, химик, механик — Юрий Красков Ваня Кудряш, молодой человек, конторщик Дикого — Евгений Пилюгин Феклуша, странница — Евгений Косырев Глаша, девка в доме Кабановой — Любовь Корнева Старый пес — Анатолий Меньщиков Кот-НеСчастливцев — Виталийс СеменовсСвернуть

Премьера спектакля — 18 января 2018 года. Великий русский драматург А.Н. Островский (1823 – 1886) третье столетие с успехом лидирует на театральных сценах. Но в эпоху А.. Островского не все приняли…Подробнее Премьера спектакля — 18 января 2018 года. Великий русский драматург А.Н. Островский (1823 – 1886) третье столетие с успехом лидирует на театральных сценах. Но в эпоху А.. Островского не все приняли его комедию «Горячее сердце», сетуя на острую сатирическую направленность. Многие критики упрекали автора в карикатурном изображении действительности. Первый спектакль в Петербурге 1864 года не имел успеха, и автор тяжело переживал провал пьесы. Но в 1893 году Александринский театр блестяще возобновил постановку. «Я ушел из театра, писал актер Ю. Юрьев, положительно потрясенный. Что ни роль – то раскрытая книга человеческой жизни, картины «темного царства» рисовали грубую силу самодурства, произвола и самоуправства. Нравы, обычаи и весь уклад жизни, как черная мрачная грозовая туча надвигались на горячее сердце и душили всякую попытку пробиться через нее светлому лучу каждого живого существа, рвущегося из пут жестокой действительности». Яркой, самобытной, значительной стала постановка во МХТе, осуществленная К.С. Станиславским в 1926 году. Но так случилось, что А.Н. Островскому на долгие годы была уготована судьба драматурга – бытописателя, что сужало достоинства пьес. Эту данность сломал дерзкий В.Э. Мейерхольд своим «Лесом», который ошеломил зрителя смелостью трактовки и яркостью сценического воплощения, что стало вторым рождением автора. Сегодня редко найдешь театр, где бы не ставили великого мастера, и каждое обращение к нему открывает новые страницы толкования сюжета, характеров и подробностей бытия. Александр Коручеков увидел в пьесе «Горячее сердце» театральную доминанту, расширил жанр комедии, привнес в нее азарт игры и лирические ноты, увидел площадной театр, где нет границ между тем, как живут и проигрывают свою жизнь герои, наполняя ее нелепыми подробностями, ситуациями, конфликтами. Театр жизни во всех его ипостасях рождает фантазия режиссера. Не разрушая первоисточник, он реальность превращает в лицедейство, которое порой вырастает из простых бытовых деталей. Продолжительность спектакля 3 часа с антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка — Александр Коручеков Сценография — Максим Обрезков Художник по костюмам — Мария Данилова Композитор — Петр Налич Художник по свету — Андрей Абрамов Художник-гример — Ольга Калявина Музыкальный руководитель — Татьяна Агаева Педагог по вокалу — Елена Садекова Звукорежиссер — Андрей Мирный Помощник режиссера — Наталья Меньшикова Действующие лица и исполнители: Павлин Павлиныч Курослепов, именитый купец — Евгений Косырев Матрёна Харитоновна, его жена — Анна Антонова / Ольга Тумайкина Параша, дочь его от первой жены — Мария Бердинских Наркис, приказчик Курослепова по дому — Виталийс Семёновс Гаврило, приказчик по лавке — Василий Симонов Вася Шустрый, сын недавно разорившегося купца — Юрий Цокуров Силан, дальний родственник Курослепова, живёт в дворниках — Анатолий Меньщиков Серапион Мардарьич Градобоев, городничий — Евгений Князев Тарах Тарасыч Хлынов, богатый подрядчик — Сергей Маковецкий Барин с большими усами — Александр Павлов Аристарх, мещанин — Юрий Красков / Олег Лопухов Народ — Евгений Пилюгин / Денис Самойлов / Василий Цыганцов / Павел Юдин В спектакле принимает участие оркестр Театра имени Евгения Вахтангова в составе: Михаил Айнетдинов, Ольга Жевлакова, Надежда Кашкина, Виктор Кормаков, Николай Мызиков, Евгений Полтораков, Наталья Туриянская, Андрей ЧернышовСвернуть

Премьера! Гюстав Флобер (1812 – 1880) – французский писатель-реалист, один из крупнейших представителей XIX века. Над романом «Мадам Бовари» Гюстав Флобер работал 6 лет. После публикации романа в журнале «Ревю…Подробнее Премьера! Гюстав Флобер (1812 – 1880) – французский писатель-реалист, один из крупнейших представителей XIX века. Над романом «Мадам Бовари» Гюстав Флобер работал 6 лет. После публикации романа в журнале «Ревю де Пари» Флобер и редактор журнала были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Реалистический психологизм был признан оскорблением общества. Впоследствии вынесен оправдательный приговор, а роман выпущен отдельным изданием. Гюстав Флобер был известен в России, русская критика восторженно приняла его в переводе И. Тургенева. Его романы пользовались успехом. М. Мусоргский написал оперу по мотивам «Саламбо». Для творчества Гюстава Флобера свойственна тщательная разработка характера с подробностями в деталях. С истории дочери фермера Руо, на которой женится провинциальный врач Шарль Бовари и, вскоре после венчания разочарованной в браке, пустившейся в поиск утешения на стороне, начинается сюжет Эммы Бовари. Но её увлечения Леоном Дюпюи и Родольфом Буланже бесперспективны. Разрыв с ними и семейные неурядицы повергают Эмму в депрессию. Она безотчётно тратит деньги мужа, обрастая долгами. Тайно продаёт приносившее небольшой доход поместье Шарля. Любовники не спасают её от разорения. Отчаявшись, Эмма принимает мышьяк, вскоре после неё скоропостижно уходит в мир иной Шарль. В ходе работы Гюстав Флобер неоднократно переделывал роман, отрицая наличие прототипа героини, заявив однажды: «Госпожа Бовари – это я». Ольга Субботина закончила режиссёрский факультет ГИТИСа (мастерская Л. Хейфеца). С 1997 года работает театральным режиссёром. Участвовала в создании Центра драматургии и режиссуры под руководством А. Казанцева и М. Рощина, где поставила 10 спектаклей, среди них «Заговор чувств» Ю. Олеши, «Ощущение бороды» К. Драгунской, «Половое покрытие» Братьев Пресняковых. Сотрудничала с театрами: Сатиры, Балтийский дом. Ставила спектакли в Финляндии и Франции. Сняла 3 художественных фильма и 7 сериалов на TV. Как режиссёр-ассистент работала с Петером Штайном и Декланом Донелланом. Режиссёр Ольга Субботина: «Когда мы слышим название этого произведения – «Мадам Бовари» – нам представляется нечто заунывно-кружевное, очень дамское, слезливое, и – всё про любовь! Но стоит сегодня перечитать роман Флобера, как вы с удивлением обнаруживаете невероятный, лихой и даже чёрный юмор; великолепную галерею образов в гоголевских тонах; искромётные сцены… «Копнув под Флобера», мы открыли для себя несколько особенностей – что автор (ныне безусловный классик!) был судим за этот роман уголовным судом; что Шарль Бовари был его… одноклассником! Да и ещё кучу всяких невероятных параллелей с сегодняшним днём, с русской литературой… Я не хочу выделять только Мадам Бовари, так как Эмма в романе не одна – вокруг неё муж, свекровь, дочь, да и вообще – всё провинциальное общество – всё это такое собирательное понятие «Бовари». Спектакль создан в уникальном пространстве – зрители смогут побывать сразу в двух залах Симоновской сцены: первое действие спектакля идет в Амфитеатре, второе — в Камерном зале. Внимание! Место, указанное в билете, будет действительно в первом акте спектакля, место на второй акт будет предоставлено администратором.Свернуть

Восьмидесятые годы – расцвет постмодернизма в литературе России. Среди его ярких представителей: Венедикт Ерофеев, Саша Соколов, Андрей Битов, Виктор Пелевин, Людмила Петрушевская и др. Нина Садур (один из самых…Подробнее Восьмидесятые годы – расцвет постмодернизма в литературе России. Среди его ярких представителей: Венедикт Ерофеев, Саша Соколов, Андрей Битов, Виктор Пелевин, Людмила Петрушевская и др. Нина Садур (один из самых загадочных и парадоксальных драматургов нашего времени) в 1989 году пишет пьесу-малютку «Замёрзли». Эта пьеса и легла в основу спектакля Гульназ Балпеисовой «Всё будет». В судьбу двух девчонок, моющих полы в театре (Нади и Лейлы), глухонемого работника сцены Лёвы и Охранника неожиданно врывается тема давно ушедшей театральной эпохи: история Камерного театра и его создателей – Александра Таирова и Алисы Коонен. Нина Садур органично переносит социально-бытовое существование героев в почти ирреальное пространство. Гульназ Балпеисова, режиссер спектакля: «Мы помыкаемся, помыкаемся по молодости, а потом всё будет», – так говорит героиня пьесы Нины Садур. Я искала материал, в котором могла бы соединиться с творчеством Земфиры: оно попадает в сердце, обладает невероятной силой вдохновения. Поэтому музыкальным лейтмотивом спектакля стали её песни. Холод одиночества, тоска по дому, отсутствие любви и… вера. Вера. Что всё будет». Продолжительность спектакля — 1 час 15 минут без антракта. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-постановщик Гульназ Балпеисова Художник-постановщик Александра Карпейкина Художник по свету Михаил Баранников Создание видеоконтента Вахтанг Хубутия Иван Крючков Динара Сисембаева Ольга Тумайкина Звукорежиссер Вадим Магаляс Техническое обеспечение Дмитрий Лазарев Помощник режиссера Ася Князева Рогнеда Смирнова Действующие лица и исполнители: Надя Екатерина Жаркова Лейла Ирина Смирнова Лёва Денис Бондаренко Охранник Сергей БатаевСвернуть

Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса —…Подробнее Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса — Александр Коручеков). Это волшебная сказка, где звезды разговаривают, люди летают, где странное поведение персонажей – норма. Где герой истории мальчик Питер Пэн не хочет становиться взрослым, поэтому он убежал из дома и поселился среди фей в Кенсингтонском парке. Питер Пэн появляется в доме Дарлингов среди ночи, с феей Чинь-Чин с захватывающими рассказами о сказочной стране, увлекая ими детей, и улетает с ними в неведомое прекрасное пространство, где все необычно – времена года меняются ежечасно, где полно русалок, крокодилов, краснокожих индейцев, пиратов. Невообразимое стечение событий, поединков, фантастические истории ожидают Джона, Майка и Венди Дарлингов в компании потерявшихся мальчиков. От смертельной опасности их спасает Питер Пэн, победивший Капитана Крюка. Дети возвращаются в отеческий дом, где их ждут счастливые родители, они вырастают, и только Питер Пэн остается мальчишкой, который с трудом узнает повзрослевших друзей. Александр Коручеков, режиссер: «Есть знаковые сказки, которые выходят за рамки детской литературы. Как, например, «Алиса в стране чудес». Такова и история о Питере Пэне, мальчике, который не хотел взрослеть. Питер Пэн – это глубокая история, в ней много пластов. Этому произведению посвящены тома исследований, где выясняют, что такое взрослость, что такое детскость. У Джеймса Барри – есть и пьеса, и повесть о Питере Пэне. Пьеса замечательная, но ее надо ставить на большой сцене, делать мюзикл, в котором использовать машинерию, пригласить акробатов, фокусников, сделать сложный постановочный спектакль. Мы же готовим свою работу на Новой сцене и здесь важны не постановочные эффекты, а игровая суть истории. Ведь детство продолжается, пока человек играет, верит в приключения. Питеру Пэну скучно без игры: он, например, предлагает своим друзьям обедать «понарошку», а когда они понимают, что хотят есть по-настоящему, Питер не дает им возможности покинуть игру, вернуться в реальную жизнь. Игра остается игрой, пока всем весело, пока она в радость. Это очень глубокое и разнообразное произведение, которое исследует важные пласты жизни, ставит проблему неизбежного взросления: как из веселого ребенка – озорника и придумщика – вырастает обыкновенный скучный взрослый человек. Питер не хочет становиться взрослым, ускользает от реальной жизни. Он предпочитает остаться навсегда ребенком. Поэтому он обречен на одиночество. Обратиться к истории о Питере Пэне предложил Римас Туминас, и нам всем эта идея понравилась. Играть спектакль будут студенты IV курса Театрального института имени Б. Щукина. Мне интересно поставить со своими учениками (я – художественный руководитель этого курса) детский спектакль, в который каждый год будут вводиться новые исполнители – очередной выпускной курс. Мы постараемся уйти от иллюстративности и не хотим заигрывать с детьми-зрителями, хотя сценическое пространство предполагает тесный контакт с публикой. Наша задача – разбудить фантазию ребенка, заставить его включаться в ситуации, чтобы нашим маленьким зрителям хотелось дома доиграть, что-то додумать. Мы призываем детей к сотворчеству. Этот спектакль рассчитан и на детей с 6–7 лет, и на взрослых, мам и пап, особенно на тех, кто в душе так и остался ребенком». Премьера спектакля «ПИТЕР ПЭН» продолжила ПАРАД ПРЕМЬЕР на Новой сцене Театра Вахтангова 26 декабря 2015 года. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет (6+). Обращаем Ваше внимание, что все посещающие Театр зрители, вне зависимости от их возраста, должны иметь отдельный билет. Режиссер-постановщик — Александр Коручеков Художник-сценограф — Максим Обрезков Художник по костюмам — Мария Данилова Художник по свету — Нарек Туманян Хореограф — Сергей Землянский Композитор — Петр Налич В спектакле звучит музыка «The Beatles», «Queen», группы «АукцЫон» Благорарим за помощь в создании спектакля Ольгу Лерман, Арама Мирзоянца, Светлану Федотову.Свернуть

3 ноября 2016 года в Арт-кафе Вахтанговского Театра в здании Новой Сцены (Арбат, 24) состоялась премьера музыкального вечера ведущих молодых артистов Вахтанговского театра — «Концерт для Актера…Подробнее 3 ноября 2016 года в Арт-кафе Вахтанговского Театра в здании Новой Сцены (Арбат, 24) состоялась премьера музыкального вечера ведущих молодых артистов Вахтанговского театра — «Концерт для Актера с оркестром». Осень — очень театральное время, время премьер, открытий, новых начинаний. Осенью открылось Арт-кафе Вахтанговского театра. На камерную сцену уже успели выйти известные и любимые зрителями актёры. Зал постепенно обживается, обретает душу. «Театр — дело молодых», — восхищённо сказала Людмила Максакова, накануне московской премьеры трагедии «Царь Эдип», где блистательная актриса играет Иокасту, — специально заглянувшая в Арт-кафе узнать, как идут репетиции у нового поколения Вахтанговцев. «Рассвет не остановишь!», — согласился с ней актёр и режиссёр Алексей Кузнецов. «Вы совершили то, к чему мы стремились, что искали — вы определили жанр этой площадки», — решил художественный руководитель Вахтанговского театра Римас Туминас. Жанр кабаре, родившийся во Франции в конце ХIХ века и незаслуженно забытый в наши дни, предполагает объединение многих стилей: сочетание высокой оперы и цирковой эстрады, бальных танцев и неистовой карнавальной пляски, романтической лирики и искромётной сатиры. Лёгкое и праздничное для зрительского восприятия, кабаре требует серьёзной и кропотливой постановочной работы. С Вахтанговской молодёжью над программой «Вечер для Актёра с оркестром» работала заведующая музыкальной частью Татьяна Агаева, чьему мастерству и таланту Театр имени Евгения Вахтангова обязан многими прекрасными музыкальными постановками и номерами. Молодые Вахтанговцы виртуозно справляются с поставленными музыкальным руководителем задачами. «Сегодня случилось чудо, — сказал артистам Римас Туминас. — Наблюдая за вашими актёрскими проявлениями, глядя на вас на этой сцене, я приобрёл невероятную силу и веру. Нужно работать с вами. Эта площадка должна стать клубом, должна объединить творческих людей: философов, литераторов, артистов, поэтов, музыкантов, художников… Вы показали, что у вас есть внутреннее ощущение эстетики, чувство меры, вкус, культура. Через красоту мы с вами идём к истине!». Уважаемые зрители, обращаем ваше внимание, что программа вечера, размещенная на сайте, является примерной и может немного меняться в зависимости от даты спектакля. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Музыкальный руководитель Татьяна Агаева Хормейстер Ия Мустафина Звук Анатолий Ибрагимов, Андрей Мирный Свет Михаил Хвастунов Педагог французского языка Ася Князева Помощник режиссера Ирина Громова Действующие лица и исполнители: Примерная программа концерта: Э. Бернстайн. Музыка из к/ф «Великолепная семёрка» оркестр театра К.-М. Шёнберг. Дуэт супругов Тенардье из мюзикла «Отверженные» Кирилл Рубцов Александра Стрельцина Яна Соболевская Ген. Гладков, стихи Ю. Кима. «Волшебный луч» из к/ф «Человек с бульвара капуцинов» Александра Стрельцина Яна Соболевская Н. Минх, стихи Д’Актиля. «Пароход» Юрий Цокуров И. Дунаевский, стихи Н. Агнивцева «Дымок от папиросы» Валерий Ушаков Ген. Гладков, стихи Б. Рацера и В. Константинова. Песня Альдонсы из т/ф «Дульсинея Тобосская» Ольга Немогай А. Блок «Незнакомка» Василий Цыганцов «Не смотрите Вы так...» (слова и музыка неизвестных авторов) Мария Волкова Р. Моретти. Музыка из к/ф «Под крышами Парижа» оркестр театра Из репертуара Ж. Бреля. «Песня давних возлюбленных» Эльдар Трамов Ася Князева Ж. Рево, К. Франсуа, стихи Ж. Тибо «Как обычно» Алексей Гиммельрейх Юрий Поляк Денис Самойлов Дж. Россини. «Кошачий дуэт» Мария Волкова Яна Соболевская Ольга Немогай Цыганский романс «Вы мной играете…» Наталья Винокурова А. Петров, стихи Э. Рязанова. «Когда она – любовь» Наталья Винокурова Юрий Поляк Л. Гурченко, стихи Н. Векверт. «Алло, алло...» Кирилл Рубцов Александра Стрельцина Полина Чернышова А. Зацепин, стихи Л. Дербенёва «Любовь нас выбирает» Эльдар Трамов Р. Паулс, стихи И. Резника. «После праздника» Мария Волкова Валерий Ушаков Полина Чернышова Юрий Цокуров Ольга Немогай М. Филипп-Жерар «Шансонетта» оркестр театра С. Никитин, стихи Ю. Мориц. «И только лошади…» Ольга Немогай Юрий Цокуров Полина Чернышова Дж. Гершвин, стихи А. Гершвина. «Любимый мой» Наталья Винокурова Е. Крылатов, стихи Л. Дербенёва. «Представь себе» Мария Волкова Денис Самойлов Алексей Петров Полина Чернышова Юрий Поляк Д. Тухманов, стихи И. В. Гёте. «Сердце, моё сердце» Юрий Поляк Д. Тухманов, стихи Н. Гильена, перевод И. Тыняновой. «Когда это было» Юрий Цокуров «В далёком Лондоне погасли огоньки...» (слова и музыка неизвестных авторов Мария Волкова К. Портер «Всё в порядке со мной» Ольга Немогай Б. Дороу, Т. П. Кирк. «Беззаботный» Кирилл Рубцов П.И.Чайковский. Ария Германа из оперы «Пиковая дама» Эльдар Трамов Валерий Ушаков Кирилл Рубцов Э. Артемьев. Музыка из к/ф «Свой среди чужих, чужой среди своих» оркестр театра Ген. Гладков, стихи Ю. Кима. Песня актёров из к/ф «Дом, который построил Свифт» оркестр театра В концерте принимает участие оркестр Театра имени Евгения Вахтангова: Музыканты Михаил Айнетдинов Валерия Дмитриева Полина Евланова Ольга Жевлакова Надежда Кашкина Виктор Кормаков Николай Мызиков Евгений Полтораков Наталья Туриянская Аранжировка Илья РейбархСвернуть

Г. Ибсен «ПЕР ГЮНТ» Премьера — 7 сентября 2019 г. Генрик Ибсен – норвежский драматург и театральный деятель. Его творчество явилось высшим достижением реализма в европейской драматургии XIX века.Подробнее Г. Ибсен «ПЕР ГЮНТ» Премьера — 7 сентября 2019 г. Генрик Ибсен – норвежский драматург и театральный деятель. Его творчество явилось высшим достижением реализма в европейской драматургии XIX века. Пьесы «Столпы общества», «Враг народа», «Кукольный дом», «Дикая утка», «Гедда Габлер», «Строитель Сольнес» – яркое тому подтверждение. «Пер Гюнт» (1867 г.) – одно из самых популярных произведений Ибсена, очень непохожее на другие его пьесы. Это романтическая поэма, насыщенная поэзией природы, что нашло свое воплощение в знаменитой сюите Эдварда Грига. Ибсен писал, что Пер Гюнт «полон противоречия между способностями и устремлениями, желаниями и возможностями, трагедией человечества и трагедией индивида, которая является в тоже время и комедией». Многоплановость композиции поэмы, переплетение гротеска, социальной сатиры, лирики, реалистических и фантастических элементов придают произведению художественный объем и делают его очень сложным для постановки на драматической сцене. Юрий Бутусов, как всегда, сочиняет на основе текста пьесы свой авторский мир – парадоксальный, абсурдистский и захватывающий. Юрий Бутусов: «Пьесу «Пер Гюнт» Ибсена почти невозможно прочитать. Количество смыслов, событий, поворотов, мотивов, философии, загадок, мест действия поражает. Написать такую пьесу в XIX веке, да и сейчас, мог только безумец. Это разрушение всех законов, правил, выход за пределы разумного. Что главное? Поиски самого себя, бесконечная всепоглощающая любовь, мир, раздавливающий человека, рвущий его в клочья, человеческий бунт против предназначения, романтический гимн всепобеждающей любви... В общем-то, в этой пьесе есть всё. Совладать с этой глыбой, конечно, невозможно. Да и не нужно. Она живет сама по себе, как любая Великая книга. И иногда она находит тебя. Будущий спектакль – результат такой встречи, попытка прикоснуться. Это действительно так. Конечно, я должен найти тему. Нет, не тему, все темы важны – точку, которая даст мне возможность стать частью пьесы. Возможно, это линия, которая не лежит на поверхности: отец – сын, возможно, то, что на поверхности – отношения сына и матери, а может быть тема бунта, для меня достаточно ясно выраженная в пьесе. Тема свободы и ее границ, тема ответственности за то, что делаешь... И даже если ты совершил ошибку, ее всегда можно исправить». Продолжительность спектакля 4 часа с двумя антрактами Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+) Режиссер-постановщик — Юрий Бутусов Художники-постановщики — Максим Обрезков, Александр Барменков Художники по свету — Александр Сиваев, Александр Матвеев Балетмейстер — Николай Реутов Художник-гример — Ольга Калявина Звукорежиссеры — Андрей Мирный, Руслан Кнушевицкий, Вадим Магаляс Видеорежиссеры — Дмитрий Егоров, Александр Коняев Помощник режиссера — Наталья Кузина Действующие лица и исполнители: Пер Гюнт — Сергей Волков Другой Пер Гюнт — Павел Попов Сольвейг — Яна Соболевская Мать — Евгения Крегжде Музыкант — Юрий Цокуров Анитра — Аделина Гизатуллина Оркестр: Баян — Родион Широков Аккордеон — Ирина Барышева, Никита Родионов Контрабас — Николай Мызиков, Василий Цыганцов Музыкальный руководитель — Александр Сазонов Спектаклю помогают: Екатерина Жаркова, Евгения Ивашова, Бенар Кове, Ирина Смирнова, Артем Пархоменко, Сергей Батаев, Денис Бондаренко, Полина Бондарь, Ян Гахарманов, Алексей Петров, Николай РомановскийСвернуть

«Возьмите „Записки сумасшедшего“, этот уродливый гротеск, эту странную, прихотливую грезу художника, эту добродушную насмешку над жизнию и человеком, жалкою жизнию, жалким человеком, эту карикатуру, в которой такая…Подробнее «Возьмите „Записки сумасшедшего“, этот уродливый гротеск, эту странную, прихотливую грезу художника, эту добродушную насмешку над жизнию и человеком, жалкою жизнию, жалким человеком, эту карикатуру, в которой такая бездна поэзии, такая бездна философии, эту психическую историю болезни, изложенную в поэтической форме, удивительную по своей истине и глубокости, достойную кисти Шекспира: вы еще смеетесь над простаком, но уже ваш смех растворен горечью; это смех над сумасшедшим, которого бред и смешит, и возбуждает сострадание». В. Г. Белинский «О русской повести и повестях Гоголя» Под занавес 2009 года, объявленного ЮНЕСКО годом Н. В. Гоголя, Вахтанговский театр выпускает премьеру спектакля «Записки сумасшедшего». Пять лет назад театр уже обращался к этому мистическому произведению. Постоянные творческие искания исполнителя роли Поприщина Юрия Краскова, поддержанные художественным руководителем театра Римасом Туминасом, привели к созданию новой версии человеческой истории гоголевского титулярного советника. 19 декабря театр приглашает своих зрителей перечитать «Записки сумасшедшего». Продолжительность спектакля 1 час. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Руководитель постановки Римас Туминас Сценография и костюмы Максим Обрезков Художник-гример Ольга Калявина Помощник режиссера Наталья Кузина Действующие лица и исполнители: Поприщин Юрий Красков За роялем Наталья ГавриловаСвернуть

Джорджио Сангати, режиссёр: «Перед нами – один из шедевров Гольдони, однако театры не спешат его ставить, во многом из-за языка текста. Ведь «Новая квартира» написана на очень ярком венецианском диалекте,…Подробнее Джорджио Сангати, режиссёр: «Перед нами – один из шедевров Гольдони, однако театры не спешат его ставить, во многом из-за языка текста. Ведь «Новая квартира» написана на очень ярком венецианском диалекте, который, к сожалению, сегодня непонятен не только европейцам, но и самим итальянцам. Наличие достойного перевода и тот факт, что текст никогда не был поставлен в России, убедили меня, что у пьесы есть шанс для изучения и постановки. Созданную в 1760 году «Новую квартиру» Гольдони можно поставить в ряд реформаторских текстов. Автор ясно дал понять, что в его драмах действуюи персонажи, близкие в социальном и культурном плане к среде зрителя. Здесь нет больше места маскам, слугам, шуткам-лацци и уличным сценам комедии дель арте. При этом остались правила «театральной книги» (по выражению самого Гольдони): это математически четкая, стилизованная композиция пьесы, унаследованная от комедии дель арте. В мире «Новой квартиры» очень легко взлететь и упасть с социальной лестницы. Именно так происходит сАндзолетто и Сесилией, супружеской парой, решившейся на новоселье в потрепанную квартиру, отремонтировать которую им не по карману. В целом место действия обретает черты бесконечного ремонта,, где постоянно что-то собирается и мгновенно разваливается. Это – как порочный круг, который выявляет вечное противоречие меркантильного мышления, с присущей ему двойственной (и пустой) религией денег. На карту поставлено будущее целого поколения, целого общества, которое впустую прожигает свои дни. Укрываясь за роскошью и обновлением, оно неумолимо идет ко дну. В «Новой квартире» нет детей. В ней нет даже отцов и матерей. Традиционная семейная модель необратимо утрачена. Мужчины и женщины поменялись ролями, старые ценности разрушены, а новых так и не создано. Мне однажды сказали, что в этом тексте Гольдони напоминает Островского, с точки зрения пристальноговнимания к экономическим и финансовым аспектам морали. Это правда. Но мне он также напоминает театр Эдуардо де Филиппо с его неразрывным сочетанием иллюзии и реальности, драмы и комедии, постоянной игрой между жизнью и театром. Именно поэтому, на мой взгляд, пришло время всерьез поработать над этим «экспериментальным» текстом с актерами театра Вахтангова. Попробовать поискать некое общее место (и время), где-то между Италией и Россией, между прошлым и настоящим, между стилизацией и реализмом. Для меня театр – это территория откровения, где политические, культурные и временные границы стираются и все эти категории снова открыты для игры. Театр дает возможность для общения, встреч, познания, открытий, размышлений и праздника». Режиссер-постановщик Джорджио Сангати Действующие лица и исполнители: В репетициях принимают участие: Анна Антонова Мария Волкова Наталья Винокурова Екатерина Крамзина Ксения Кубасова Олег Макаров Евгений Пилюгин Юрий Поляк Павел Попов Александра Стрельцина Эльдар Трамов Валерий Ушаков Мария Шастина Павел ЮдинСвернуть

Премьера — 10 октября 2019 г. Дипломный спектакль Театрального института имени Б.В. Щукина, курс профессора Владимира Иванова. По пьесе И.С. Тургенева «Месяц в деревне». Иван Сергеевич Тургенев (1818–1883) –…Подробнее Премьера — 10 октября 2019 г. Дипломный спектакль Театрального института имени Б.В. Щукина, курс профессора Владимира Иванова. По пьесе И.С. Тургенева «Месяц в деревне». Иван Сергеевич Тургенев (1818–1883) – знаменитый писатель и один из самых ярких литературных деятелей своего поколения. Художественное мастерство Тургенева высоко ценили современники в России, Западной Европе, Америке. Из письма Гюстава Флобера к Тургеневу: «Давно уже Вы являетесь для меня мэтром. Но чем больше я Вас изучаю, тем более изумляет меня Ваш талант. Меня восхищает страстность и в то же время сдержанность Вашей манеры письма, симпатия, с какой Вы относитесь к маленьким людям, и которая насыщает мыслью пейзаж». Ги де Мопассан о Тургеневе: «...гениальный романист, изъездивший весь свет, знавший всех великих людей своего века, прочитавший все, что только в силах прочитать человек, и говоривший на всех языках Европы так же свободно, как на своем родном». Тонкий наблюдатель, блестяще владевший словом, Иван Тургенев сочинил персонажей, благодаря которым мы в XXI веке воспринимаем образы века XIX. Тургеневские барышни, вечные студенты, лишние люди, манера то ли скучать от любви, то ли любить от скуки, – перекочевали на страницы других книг. Говоря о Тургеневе сегодня, мы часто сравниваем его с Антоном Павловичем Чеховым. Но от публикации «Месяца в деревне» (рабочее название – «Две женщины») в 1855 году до первых чеховских пьес оставалось лет 30, а до «Чайки» – 1895 – все сорок. Конфликт двух главных героинь, помещицы Натальи Петровны Ислаевой и её воспитанницы Верочки, часто интерпретируется как конфликт «отцов и детей», зрелости и юности, порочной страсти и чистой первой влюблённости… Вот только Наталье Петровне 29 лет. Верочке – 17. Замечательно, что в спектакле Владимира Владимировича Иванова все роли играют студенты, ведь это, в сущности, история очень молодых людей. Главные события деревенской жизни – приезд друг к другу в гости и долгие разговоры. Среди привычного уклада, среди давно знакомых лиц, студент Алексей Николаевич Беляев (21 год) – новый человек. Как в него не влюбиться? Только любовь ли это? Владимир Владимирович Иванов, режиссёр: «Наш спектакль – это попытка прочесть с совсем ещё молодыми артистами тургеневскую пьесу как некий психологический детектив о загадочной и разрушительной силе страсти». Продолжительность спектакля — 2 ч 40 мин. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссёр-постановщик — Владимир Иванов Педагог — Татьяна Захава Сценография и костюмы — Максим Обрезков Художник по свету — Сергей Мясников Художник-гримёр — Ольга Калявина Звукорежиссёр — Екатерина Волкова Помощник режиссёра — Рогнеда Смирнова Действующие лица и исполнители: Аркадий Сергеевич Ислаев — Евгений Кравченко Наталья Петровна, его жена — Елизавета Палкина Коля, их сын — Сева Логвинов Верочка, воспитанница — Валентина Попова Анна Сергеевна Ислаева, мать — Уршула Вратуша Лизавета Богдановна, компаньонка — Лолита Кашинска Михайла Александрович Ракитин, друг дома — Карен Овеян Алексей Николаевич Беляев, студент, учитель Коли — Иван Выборнов Игнатий Ильич Шпигельский, доктор — Антон Лызо Катя, горничная — Диляра Калимуллина Матвей, слуга — Егор АнисимовСвернуть

Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса —…Подробнее Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса — Александр Коручеков). Это волшебная сказка, где звезды разговаривают, люди летают, где странное поведение персонажей – норма. Где герой истории мальчик Питер Пэн не хочет становиться взрослым, поэтому он убежал из дома и поселился среди фей в Кенсингтонском парке. Питер Пэн появляется в доме Дарлингов среди ночи, с феей Чинь-Чин с захватывающими рассказами о сказочной стране, увлекая ими детей, и улетает с ними в неведомое прекрасное пространство, где все необычно – времена года меняются ежечасно, где полно русалок, крокодилов, краснокожих индейцев, пиратов. Невообразимое стечение событий, поединков, фантастические истории ожидают Джона, Майка и Венди Дарлингов в компании потерявшихся мальчиков. От смертельной опасности их спасает Питер Пэн, победивший Капитана Крюка. Дети возвращаются в отеческий дом, где их ждут счастливые родители, они вырастают, и только Питер Пэн остается мальчишкой, который с трудом узнает повзрослевших друзей. Александр Коручеков, режиссер: «Есть знаковые сказки, которые выходят за рамки детской литературы. Как, например, «Алиса в стране чудес». Такова и история о Питере Пэне, мальчике, который не хотел взрослеть. Питер Пэн – это глубокая история, в ней много пластов. Этому произведению посвящены тома исследований, где выясняют, что такое взрослость, что такое детскость. У Джеймса Барри – есть и пьеса, и повесть о Питере Пэне. Пьеса замечательная, но ее надо ставить на большой сцене, делать мюзикл, в котором использовать машинерию, пригласить акробатов, фокусников, сделать сложный постановочный спектакль. Мы же готовим свою работу на Новой сцене и здесь важны не постановочные эффекты, а игровая суть истории. Ведь детство продолжается, пока человек играет, верит в приключения. Питеру Пэну скучно без игры: он, например, предлагает своим друзьям обедать «понарошку», а когда они понимают, что хотят есть по-настоящему, Питер не дает им возможности покинуть игру, вернуться в реальную жизнь. Игра остается игрой, пока всем весело, пока она в радость. Это очень глубокое и разнообразное произведение, которое исследует важные пласты жизни, ставит проблему неизбежного взросления: как из веселого ребенка – озорника и придумщика – вырастает обыкновенный скучный взрослый человек. Питер не хочет становиться взрослым, ускользает от реальной жизни. Он предпочитает остаться навсегда ребенком. Поэтому он обречен на одиночество. Обратиться к истории о Питере Пэне предложил Римас Туминас, и нам всем эта идея понравилась. Играть спектакль будут студенты IV курса Театрального института имени Б. Щукина. Мне интересно поставить со своими учениками (я – художественный руководитель этого курса) детский спектакль, в который каждый год будут вводиться новые исполнители – очередной выпускной курс. Мы постараемся уйти от иллюстративности и не хотим заигрывать с детьми-зрителями, хотя сценическое пространство предполагает тесный контакт с публикой. Наша задача – разбудить фантазию ребенка, заставить его включаться в ситуации, чтобы нашим маленьким зрителям хотелось дома доиграть, что-то додумать. Мы призываем детей к сотворчеству. Этот спектакль рассчитан и на детей с 6–7 лет, и на взрослых, мам и пап, особенно на тех, кто в душе так и остался ребенком». Премьера спектакля «ПИТЕР ПЭН» продолжила ПАРАД ПРЕМЬЕР на Новой сцене Театра Вахтангова 26 декабря 2015 года. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет (6+). Обращаем Ваше внимание, что все посещающие Театр зрители, вне зависимости от их возраста, должны иметь отдельный билет. Режиссер-постановщик — Александр Коручеков Художник-сценограф — Максим Обрезков Художник по костюмам — Мария Данилова Художник по свету — Нарек Туманян Хореограф — Сергей Землянский Композитор — Петр Налич В спектакле звучит музыка «The Beatles», «Queen», группы «АукцЫон» Благорарим за помощь в создании спектакля Ольгу Лерман, Арама Мирзоянца, Светлану Федотову.Свернуть

Сцены: «...человеку мешают жить, как он хочет, две силы: Бог и люди» («В людях». М. Горький). Режиссер Владимир Иванов не нуждается в представлении. Профессор Щукинского училища, воспитавший не одно поколение…Подробнее Сцены: «...человеку мешают жить, как он хочет, две силы: Бог и люди» («В людях». М. Горький). Режиссер Владимир Иванов не нуждается в представлении. Профессор Щукинского училища, воспитавший не одно поколение актеров, многие из которых стали ведущими в вахтанговской труппе и в других театрах Москвы, автор сценических композиций и версий, он достаточно востребован в театре. Поставленные им спектакли десятилетиями сохраняются в репертуаре, собирая аншлаги. Пример тому «Дядюшкин сон», «Царская охота», «Мадемуазель Нитуш» и, наконец, «Матренин двор» А. Солженицына — единственная премьера в Москве к юбилею автора. Владимир Иванов обладает редким на сегодняшний день режиссерским даром глубокого психологического анализа пьесы. Для актеров счастье работать с ним. У него свой художественный язык общения с миром. И не важно, к какому жанру относится пьеса, он умеет, укрупняя смысл, находить своеобразную, увлекательную форму спектакля. Долгая сценическая жизнь пьесы Максима Горького «Зыковы» почти всегда была связана с социальной доминантой, которая трактовалась на разных этапах постановок достаточно остро. Сегодня, нам кажется, такой подход потерял былую актуальность. Владимир Иванов, назвав свой горьковский спектакль «Люди как люди», пытается разобраться в том, что же объединяет людей начала ХХ века (время написания пьесы) и ХХI-го? Неизменность человеческого естества, усугубленная «образовавшимся смятением понятий, когда никто не знает, где его место». Агрессивный индивидуализм, эгоизм, мешающие услышать другого и ответить ему состраданием. «Я хочу!» вместо «желай того, что должен»… Страхи, леденящие душу человека, утерявшего связь с Отцом Небесным… Боль одиночества… Размышления над этими приметами сегодняшнего времени стали для режиссера основополагающими в работе над пьесой, наполненной страстями, любовью, противоречиями. Сколько людей, столько и судеб. Для одних жизнь – кулачный бой и утрата иллюзий, для других — поиски добра и света, кто-то пытается очиститься любовью, путая ее со страстью, что не тождественно, ибо любовь — все отдать, страсть – завладеть. В этом калейдоскопе нравственных категорий масса вопросов: что есть достоинство, мораль, смирение? Проходят столетия, и каждый человек отвечает по своему – люди как люди. Постановка – Владимир Иванов Сценография и костюмы – Максим Обрезков Музыкальное оформление – Татьяна Агаева Действующие лица и исполнители: Зыков, Антипа Иванов, лесопромышленник – Алексей Гуськов Софья, сестра его, вдова – Лидия Вележева Михаил, сын – Дмитрий Соломыкин Целованьева, Анна Марковна, мещанка – Ольга Тумайкина Павла, дочь ее – Ольга Немогай Муратов, лесничий – Александр Рыщенков Хеверн, компаньон Зыкова – Кирилл Рубцов Шохин – Артур Иванов Тараканов – Евгений Карельских Степка, девчонка-подросток – Мария Костикова Пелагея – Дарья Пешкова Премьера спектакля состоялась 3 апреля 2011 года.Свернуть

Премьера спектакля состоялась 9 апреля 2014 года. Великая актриса Сара Бернар пытается реконструировать события прожитого. В воспоминаниях она опять на сцене, в детстве, в конфликте…Подробнее Премьера спектакля состоялась 9 апреля 2014 года. Великая актриса Сара Бернар пытается реконструировать события прожитого. В воспоминаниях она опять на сцене, в детстве, в конфликте с матерью, в разговорах с любовником. Зачем ей это? Да, чтобы наполнить угасающую жизнь эмоциями, страстями, но уже в воспоминаниях. Ей по-прежнему нужна сцена, партнеры. И Сара Бернар произносит монологи, разыгрывает диалоги со своим секретарем Питу. Театр – ее жизнь, ей необходим адреналин и это – сцена, в которую она превращает берег французского курорта Бель Иль ан Мер. Питу понимает, что значит для актрисы театр. Она – уходящая натура. Ей не удалось закончить полемику с оппонентами, поскольку последние ушли из жизни, слова оказались не высказанными, но Сара Бернар с упорством продолжает односторонний спор. Для нее реальность и уход в небытие, в котором эфемерность прожитого, чувства, страдания, иррациональность, страсти, алогизмы – органичны. Это и есть жизнь, а, следовательно, это и есть – театр. Продолжительность спектакля 1 час 45 мин. без антракта. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка — Михаил Цитриняк Художник — Мария Рыбасова Художник по костюмам — Виктория Севрюкова Композитор — Борис Кинер, Александр Прокопович Перевод — Мария Зонина Действующие лица и исполнители: Сара Бернар — Юлия Рутберг Жорж Питу — Андрей ИльинСвернуть

Пластический спектакль | 12+ Пластический спектакль в двух частях: КАРМЕН. НАЧАЛО – страстная фантазия о взрослении юной Кармен как бы предваряет знаменитую историю самой роковой испанской цыганки.Подробнее Пластический спектакль | 12+ Пластический спектакль в двух частях: КАРМЕН. НАЧАЛО – страстная фантазия о взрослении юной Кармен как бы предваряет знаменитую историю самой роковой испанской цыганки. MOZART&PÄRT – черно-белый «вихрь любовников» на музыку двух великих маэстро: радостного гения небес и тревожного «монаха», чьи ноты падают, словно капли в глубокий колодец. . «Обнаженные танцем чувства» (Musecube) «Я восхищен! Такой бурной пластики я не видел давно: синхронность, страсть, плавность!» (Дмитрий Шульгин)Свернуть

Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина.Подробнее Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина. Чтецкие программы и оперные интерпретации значительно превалируют. В Театре им. Вахтангова режиссер Римас Туминас с артистами Юлией Борисовой, Людмилой Максаковой, Сергеем Маковецким, Владимиром Вдовиченковым, Олегом Макаровым и молодыми «вахтанговцами» решили воплотить роман в стихах в драматической форме, осторожно, импровизационно пытаясь найти сценический эквивалент слову, сюжету, ничего не разрушая и стараясь ничего не пропустить. Это наше познание Пушкина, его героев, их мира, пространства России. Кажется, что о Пушкине мы знаем все. Но и тома исследователей, литературоведов, толмачей, серьезных изысканий не могут до конца постичь феномен поэта. Александр Сергеевич – «наше все», непознанное, загадочное. И всякий раз, обращаясь к нему, опасаешься повториться в восприятии, стремишься избежать штампов, знания, которому противится поэт, ибо он всегда больше, неразгаданнее. Он не исчерпывается сюжетом. «Евгений Онегин» – это что? Философское размышление о жизни в поэтической форме? Не только. История любви? Не совсем. Это огромное пространство мира и чувств, которое вместило все эпохи, игру ума, прозрения, догадки, гнев, обличение, сатиру и цинизм, сострадание и прощение. «Евгений Онегин» – «энциклопедия русской жизни» и в высшей степени народное произведение, роман в стихах, написанный в эпоху романтизма, где «современный мир предстал со всем его холодом, прозою и пошлостью». И вместе с тем, по словам Белинского, «Онегин есть самое задушевное произведение Пушкина, самое любимое дитя его фантазии, в которой личность поэта отразилась с такой полнотой, светло и ясно. Здесь вся жизнь, вся душа, вся любовь его, здесь его чувства, понятия, идеалы». «Евгений Онегин» – это простор России, судьбы его героев, обычаи, устои, культура, природа. Это попытка проникнуть в сущность русской души, понять неподдающийся трезвому анализу русский характер. Это русское общество во всех его ипостасях – наивной прелести языческой деревни и в холодной чопорности высшего света. Это отважная трепетность Татьяны и игривая наивность Ольги. Это «ума холодных наблюдений и сердца горестных замет». Спектакль Римаса Туминаса разрушает стереотипы; он, как всегда, авторский, увиденный и выстроенный полифонично, музыкально, жестко и эмоционально. Режиссеру чужд поэтический флер, он ломает ритмическое построение фразы, его влечет проза жизни, он враг выспренности и ложной лиричности. Своим спектаклем он разрушает «хлам воспоминаний» ранее увиденного и прочитанного. Он открывает новый смысл в характере и сюжете. Кто герой этого романа? Онегин? Конечно же, Татьяна, «Татьяна – русская душою…». Ее русскость в органичном слиянии с природой, обычаями, искренней задушевности, простодушном бесстрашии. Она пленительна в естественной грации, отважной прямолинейности, горькой искренности: «но я другому отдана и буду век ему верна». Свое откровенное признание Татьяна пишет человеку, которого создало ее воображение, ее вымысел значительнее оригинала, это ее подарок Онегину, который тот не смог ни понять, ни оценить, ни оправдать своею сутью. Для Онегина это очередное послание, он не дал себе труд постичь и разгадать его, он, по словам Достоевского, «не сумел отличить в бедной девочке законченности и совершенства». Он не увидел ее ни в деревенской глуши, ни в петербургском салоне. Он не захотел узнать, разглядеть ее. Угадает его Татьяна: «Уж не пародия ли он?». Хотя сам предмет обожания уверен: «Я молод, жизнь во мне крепка, чего мне ждать, тоска, тоска!». Читай – душа пуста. В Петербурге Онегин пленяется не самой Татьяной, это не возвращение к воспоминаниям, а ослепление блеском, положением в свете. Для Татьяны – это вериги, для Онегина – достоинства, питающие его фантазию и чувства. Их разность столь очевидна, что, идя навстречу друг к другу, они обязательно пройдут мимо, так несоприкасаемы их души в понятии любви, достоинства, духовности. Ее доминанта – Россия. Его метания по свету – суета, невозможность остановиться на главном, а скорее, незнание, что есть главное – родина, долг, любовь? В их невстрече – горькая закономерность несовместимости. Режиссер-постановщик – Римас Туминас Сценография – Адомас Яцовскис Музыка – Фаустас Латенас Художник по костюмам – Мария Данилова Художник по свету – Майя Шавдатуашвили Действующие лица и исполнители: Евгений Онегин – Сергей Маковецкий / Виктор Добронравов / Максим Севриновский Гусар в отставке – Владимир Вдовиченков Владимир Ленский – Олег Макаров / Василий Симонов Татьяна Ларина – Евгения Крегжде / Ольга Лерман «Сон Татьяны» – Юлия Борисова Ольга Ларина – Мария Волкова / Наталья Винокурова и другие. Спектакль рекомендован для зрителей старше 18 лет.Свернуть

Премьера! Гюстав Флобер (1812 – 1880) – французский писатель-реалист, один из крупнейших представителей XIX века. Над романом «Мадам Бовари» Гюстав Флобер работал 6 лет. После публикации романа в журнале «Ревю…Подробнее Премьера! Гюстав Флобер (1812 – 1880) – французский писатель-реалист, один из крупнейших представителей XIX века. Над романом «Мадам Бовари» Гюстав Флобер работал 6 лет. После публикации романа в журнале «Ревю де Пари» Флобер и редактор журнала были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Реалистический психологизм был признан оскорблением общества. Впоследствии вынесен оправдательный приговор, а роман выпущен отдельным изданием. Гюстав Флобер был известен в России, русская критика восторженно приняла его в переводе И. Тургенева. Его романы пользовались успехом. М. Мусоргский написал оперу по мотивам «Саламбо». Для творчества Гюстава Флобера свойственна тщательная разработка характера с подробностями в деталях. С истории дочери фермера Руо, на которой женится провинциальный врач Шарль Бовари и, вскоре после венчания разочарованной в браке, пустившейся в поиск утешения на стороне, начинается сюжет Эммы Бовари. Но её увлечения Леоном Дюпюи и Родольфом Буланже бесперспективны. Разрыв с ними и семейные неурядицы повергают Эмму в депрессию. Она безотчётно тратит деньги мужа, обрастая долгами. Тайно продаёт приносившее небольшой доход поместье Шарля. Любовники не спасают её от разорения. Отчаявшись, Эмма принимает мышьяк, вскоре после неё скоропостижно уходит в мир иной Шарль. В ходе работы Гюстав Флобер неоднократно переделывал роман, отрицая наличие прототипа героини, заявив однажды: «Госпожа Бовари – это я». Ольга Субботина закончила режиссёрский факультет ГИТИСа (мастерская Л. Хейфеца). С 1997 года работает театральным режиссёром. Участвовала в создании Центра драматургии и режиссуры под руководством А. Казанцева и М. Рощина, где поставила 10 спектаклей, среди них «Заговор чувств» Ю. Олеши, «Ощущение бороды» К. Драгунской, «Половое покрытие» Братьев Пресняковых. Сотрудничала с театрами: Сатиры, Балтийский дом. Ставила спектакли в Финляндии и Франции. Сняла 3 художественных фильма и 7 сериалов на TV. Как режиссёр-ассистент работала с Петером Штайном и Декланом Донелланом. Режиссёр Ольга Субботина: «Когда мы слышим название этого произведения – «Мадам Бовари» – нам представляется нечто заунывно-кружевное, очень дамское, слезливое, и – всё про любовь! Но стоит сегодня перечитать роман Флобера, как вы с удивлением обнаруживаете невероятный, лихой и даже чёрный юмор; великолепную галерею образов в гоголевских тонах; искромётные сцены… «Копнув под Флобера», мы открыли для себя несколько особенностей – что автор (ныне безусловный классик!) был судим за этот роман уголовным судом; что Шарль Бовари был его… одноклассником! Да и ещё кучу всяких невероятных параллелей с сегодняшним днём, с русской литературой… Я не хочу выделять только Мадам Бовари, так как Эмма в романе не одна – вокруг неё муж, свекровь, дочь, да и вообще – всё провинциальное общество – всё это такое собирательное понятие «Бовари». Спектакль создан в уникальном пространстве – зрители смогут побывать сразу в двух залах Симоновской сцены: первое действие спектакля идет в Амфитеатре, второе — в Камерном зале. Внимание! Место, указанное в билете, будет действительно в первом акте спектакля, место на второй акт будет предоставлено администратором.Свернуть

Премьера спектакля состоялась 14 октября 2016 года на Новой сцене Вахтанговского театра! Театр благодарит за помощь в создании спектакля И.А. Маршака. Первый звонок… Первый школьный день……Подробнее Премьера спектакля состоялась 14 октября 2016 года на Новой сцене Вахтанговского театра! Театр благодарит за помощь в создании спектакля И.А. Маршака. Первый звонок… Первый школьный день… Мальчики и девочки, полные жизни и радости, полные надежд рассказывают о себе, о родителях, о своих мечтах. Так начинается их общая биография. Так начинается пьеса «Наш класс». С этими десятью ребятами за время спектакля мы проживем десять жизней. Они будут дружить, веселиться, ссориться, мириться, драться. Они будут спасать и предавать друг друга, любить, ревновать, ненавидеть. И только одного они никогда не смогут – разорвать ту невидимую нить, которою связаны их жизни. Ибо – «одноклассник все равно, что родственник». В 2008 году польский драматург Тадеуш Слободзянек написал пьесу, название которой призывало осознать трудные уроки истории — «Наш класс. История в 14 уроках». Действие начинается в маленьком городке в конце 20-х годов, а судьбы персонажей — польских и еврейских мальчиков и девочек из одного класса — прослеживаются до наших дней. У десяти героев пьесы есть реальные прототипы, и события, описанные в пьесе, действительно происходили в польском городке Едвабне. Режиссер спектакля Наталья Ковалева:«В 2000 году вышла книга Я. Т. Гросса «Соседи» о Едвабне. Она вызвала в польском обществе шок, расколов его на два лагеря: желавших и не желавших признать свою вину. Для поляков это история их страны. Но ведь и в истории нашей страны есть трудные страницы. И это не только история: и сегодня нам часто приходится делать трудный выбор. За свой поступок отвечаем мы сами. Как поступить так, чтобы не захлебнуться поздним раскаянием? Работая над спектаклем, я часто задавала вопрос себе: «А что бы я сделала?». И оправдание, которое звучит у героев пьесы: «А что я мог сделать?», — не есть ответ. Так что для меня эта история — общечеловеческая. Везде, где человек зажат в кулак диктатуры, он перестает быть человеком — он становится волком, окружённым красными флажками. От страха он сеет зло вокруг себя, и в результате не может жить сам. Как выскочить за флажки? Мне думается, что о сложных уроках истории необходимо разговаривать с людьми языком театра, ибо он прост и нагляден: здесь перед живым человеком (зрителем) живой человек (артист) за пару часов проживает целую жизнь, проявляя тайные механизмы судьбы человека: связи его прошлого с настоящим и будущим». Тадеуш Слободзянек не летописец, который «добру и злу внимает равнодушно». Он глубоко встревожен вечными вопросами, он ведет битву за человека. Потому и достигает глубины художественного обобщения явлений. Пьеса «Наш класс» была отмечена главной литературной премией Польши Нике. При вручении ее автору было отмечено, что пока в Польше есть такие писатели, можно смотреть в будущее оптимистически. Спектакль рекомендован для зрителей старше 18 лет (18+). Продолжительность спектакля — 3 часа с одним антрактом. Режиссер — Наталья Ковалева Художник — Александр Боровский Композитор — Клавдия Тарабрина Хореограф — Ирина Филиппова Действующие лица и исполнители: Зоська — Полина Кузьминская Рахелька — Ксения Кубасова Дора — Дарья Щербакова Якуб Кац — Эльдар Трамов Рысек — Юрий Поляк Менахем — Владимир Шульев Зигмунт — Владимир Логвинов Хенек — Алексей Гиммельрейх Владек — Павел Попов Абрам — Максим СевриновскийСвернуть

Комедия Эрве в трех действиях.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваСценография – Борис ВалуевХудожник по костюмам – Светлана СиницынаХудожник-гример –…Подробнее Комедия Эрве в трех действиях.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваСценография – Борис ВалуевХудожник по костюмам – Светлана СиницынаХудожник-гример – Ольга КалявинаХудожник по свету – Владимир АмелинВ ролях: Виктор Добронравов / Валерий Ушаков, Евгения Крегжде / Ольга Немогай, Мария Аронова, Владимир Симонов / Артур Иванов, Александр Солдаткин, Лидия Вележева, Павел Любимцев, Юрий Красков, Александра Стрельцина / Ольга Ефремова.Продолжительность спектакля – три часа 50 минутПремьера спектакля состоялась 30 декабря 2004 года«Мадемуазель Нитуш» продолжает традицию вахтанговских музыкальных спектаклей: «Соломенной шляпки», «Дам и гусаров», «Старинных русских водевилей», в которых вахтанговская школа с ее особым шармом, где элегантность и изящество уживаются с остроумной шуткой, прелестным вокалом, озорным танцем, создает особый вахтанговский стиль игры – легкий, ироничный, заразительный.В спектакле, поставленном Владимиром Ивановым, звучит живой оркестр и живые голоса, а его герои, пройдя через все перипетии водевильных интриг, обретают, наконец, каждый свое счастье: хормейстер монастырского пансиона наслаждается постановкой своей оперетты на подмостках дижонского театра, воспитанница пансиона, мечтавшая о театре, становится певицей и находит свое личное счастье в лице блистательного драгунского лейтенанта Шамплатро.Свернуть

Наталья Ковалева, режиссер спектакля: «Время от времени, каждый из нас задает себе непростые вопросы: кто я? зачем я живу? каково мое назначение? что я могу и не могу себе позволить? Такой разговор…Подробнее Наталья Ковалева, режиссер спектакля: «Время от времени, каждый из нас задает себе непростые вопросы: кто я? зачем я живу? каково мое назначение? что я могу и не могу себе позволить? Такой разговор предлагает зрителю спектакль «Очарованный странник». Вместе с героями спектакля мы отправимся в очарованное странствие по своей жизни, потому что это наши вопросы и наша жизнь. Пароход. Маленький кусочек суши посреди бескрайней воды. Десять человек плывут на остров Валаам. Долгий путь обыкновенно располагает к разговору. А порой даже и к исповеди. Такую исповедь нам и предстоит услышать. И развернется перед нами человеческая жизнь. Жизнь Ивана Флягина. Яркая, полная непредсказуемых поворотов, ситуаций смешных и горьких. В ней будет всё: высокая жертвенная любовь, муки телесные и душевные, жестокость и сострадание. Перед нами пройдут сцены неистовые и нежные: вот Иван укрощает дикого коня, а вот «укрощен» сам красотою женщины; вот он в единоборстве убивает человека, а вот пронизан жалостью и любовью к чужому ребенку… Сцена станет полем битвы за человеческую душу. Душа человеческая станет полем битвы. За нее будут драться и ангелы и демоны. Река жизни будет приносить Ивану образы убитого им монаха, согретой его любовью девочки, пьянчужки — барина, умницы Евгеньи Семёновны, красавицы-цыганки Грушеньки. Иван листает свою книгу жизни и открывается душа человеческая. А душа-то самая русская – всё её страсти морочат. Ведь Иван – типичный русский характер: широкий и страстный, дикий и необузданный, рисковый и смелый, упрямый, бесшабашный. И путь его – это путь человека от раба своих страстей и желаний до человека свободного. «Очарованный странник» – история сегодняшняя. Житие человеческое, описанное Лесковым, это жизнь каждого из нас. И ещё – это наша общая жизнь. Читаешь последние страницы повести и проникаешься тревогой её героя. Он страшится за свой народ, потому что когда все кричат о мире, то нападает «всегубительство». А что мы видим вокруг? В газетах, по радио, в телевизорах – все рассказывают нам о том, как борются за мир и покой, а на деле – там война, там террористический акт, там насилие, там вандализм, там коррупция, там грабеж, там ложь и так далее. Николай Лесков – исконно русский писатель. Русский по темам, которые выбирает, по героям, которых выводит, по мелодическому складу языка, которым их описывает. Я бы даже назвала его писателем эпическим, потому что повествования его – это всегда целостная картина народной жизни, на фоне которой разворачивается жизнь героя. И герой этот плоть от плоти народной. Лучше не скажешь, чем сказал сам Лесков в завершении «Левши»: «…предания эти нет нужды торопиться забывать, несмотря на баснословный склад легенды и эпический характер главного героя. …Это эпос… с очень «человечкиной душою». Вот и «Очарованный странник», как всякий эпос, – история вечная».Свернуть

Премьера спектакля состоялась 29 ноября 2011 г. Художественный руководитель театра Р. Туминас в преддверии юбилейного сезона обратился к коллективу: «Я хочу разбудить в вас потребность…Подробнее Премьера спектакля состоялась 29 ноября 2011 г. Художественный руководитель театра Р. Туминас в преддверии юбилейного сезона обратился к коллективу: «Я хочу разбудить в вас потребность в самостоятельном поиске пьес, режиссуры, потребность пробовать, экспериментировать, дерзать, ошибаться, творить, побеждать». Этот призыв был услышан и поддержан труппой. Так появились «Прощальные гастроли» Ю. Эдлиса и начались репетиции «Медеи» Ануя (режиссер — М. Цитриняк, в главной роли — Ю. Рутберг). Что побудило обратиться к трагедии Ануя? — Время, наши дни с глобально надвигающейся некоммуникабельностью, разрушающей личность, общество, культуру, политику — с одной стороны, а с другой — попытка не замечать этой проблемы, отсюда непреодолимая тяга к развлечениям, шоу, бездумному веселью. Тревожно, что современный мир не фиксирует историю своей болезни — поднимают голову ксенофобия, расизм, агрессия. На фоне катастрофического падения морали, цинизма, стремления к благополучию, власти денег идет разрушение человека. Быть непохожим, отстоять независимость, не примкнуть к философии «успеха», отринуть соблазнительный постулат «я, как все», побороть философию мещанства и осознать, что безликое равенство гибельно — это удел сильных. «Медея» Ануя спустилась с котурн Еврипида, она ближе, понятнее нам, ее лексика современна. Диалог героев трагедии как бы движется по спирали, кругами — от прошлого к настоящему и опять к прошлому. Создатели спектакля попытались вычленить смысл из потока слов и событий. Медея Юлии Рутберг живет не сегодня, а вчера, у нее нет завтра. Ее память неистребимо возвращается к истокам, когда она, дочь царя Колхиды, похитила ради любимого золотое руно. Для Медеи предательство Ясона не только попрание любви, это разрушение ее жизненного пространства, гармонии души. В их поединке не может быть победителя. В единоборстве столкнулись разные миры, где долг, честь и «здравый смысл» — антагонисты. Смерть — граница их вражды и выбор ее — высшее проявление свободы личности. Медея уходит в небытие вместе с детьми, ибо не может оставить их такому Ясону, благоденствующему в созданном им мире филистерского равнодушия. Она не позволит им оказаться заложниками пошлой философии сытого равенства. Смерть — не поражение Медеи, а ее нравственная победа. В трагедии Ануя столкнулись два Мира — Медея и Ясон, свобода и мещанский стандарт жизни. Финальная мизансцена — метафора. Фигура Медеи рифмуется с мифической Никой — символом Победы. Продолжительность спектакля 1 час 35 минут без антракта. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-постановщик — Михаил Цитриняк Художник-постановщик — Мария Рыбасова Художник по костюмам — Виктория Севрюкова Художник по свету — Майя Шавдатуашвили Перевод — Валентин Дмитриев Композиторы — Борис Кинер, Александр Прокопович Действующие лица и исполнители: Медея — Юлия Рутберг Язон — Григорий Антипенко Креон — Андрей Зарецкий Кормилица — Инна Алабина, Наталья Молева Мальчик — Василий Симонов, Владимир Логвинов, Василий Цыганцов, Павел Тэхэда Кардэнас Стражники — Федор Воронцов, Владислав Гандрабура, Василий Симонов, Юрий Поляк, Валерий Ушаков, Павел Юдин, Владимир Шульев, Александр Галочкин Жрицы — Ирина Калистратова, Елена Мельникова, Нино Кантария, Екатерина Крамзина, Полина Кузьминская, Лада Чуровская, Аделина Голубенко, Полина Чернышова, Ася Домская, Оксана Пчелинова, Василиса Суханова, Наталья Винокурова, Антонина ПапернаяСвернуть

Драма Михаила Лермонтова в двух частях. Постановка – Римас Туминас Сценография – Адомас Яцовскис Художник по костюмам – Максим Обрезков Музыка – Фаустас Латенас В спектакле звучит вальс А. Хачатуряна В ролях: Евгений…Подробнее Драма Михаила Лермонтова в двух частях. Постановка – Римас Туминас Сценография – Адомас Яцовскис Художник по костюмам – Максим Обрезков Музыка – Фаустас Латенас В спектакле звучит вальс А. Хачатуряна В ролях: Евгений Князев, Мария Волкова / Ольга Немогай, Леонид Бичевин / Владимир Бельдиян, Лидия Вележева / Марина Есипенко, Александр Павлов / Александр Рыщенков, Михаил Васьков / Андрей Зарецкий, Юрий Шлыков, Виктор Добронравов / Олег Лопухов и другие. Премьера спектакля состоялась 21 января 2010 года. И ненавидим мы, и любим мы случайно, Ничем не жертвуя ни злобе, ни любви, И царствует в душе какой-то холод тайный, Когда огонь кипит в крови. Эти строки просятся в эпиграф к «Маскараду» Римаса Туминаса. Поэтическая драма М. Лермонтова – беспощадная правда о современниках, жестоком мире, где нравственность ходит по острию ножа. Но маскарад – это и праздник, чарующая музыка, яркие костюмы, загадочные маски, притягательная стихия веселья, где злословят, шутят, морочат, оставаясь неузнанными. Свобода от всех и самого себя. Маскарад – это театр: характеров, интриг, флирта, жарких признаний и опасных откровений. Шуты, циники, мистификаторы, клоуны, лицедеи, романтические герои проходят чередой, « не ведая стыда», защищенные неузнанностью. Маскарад – это игра с партнером, судьбой, здесь убивают словом, сплетней, чтобы потом, сняв маску, пролить «горькие слезы сострадания». Какое пленительное и коварное сообщество этот маскарад! Бездумно начатая интрига обрастает подробностями, домыслами и катится, как снежный ком, на жертву и искусителя. Маскарад – это бег по кругу без остановки, без передышки, его стремительный вихрь затягивает, бравурная радость придает отваги и порой лишает рассудка. Маскарад – это сон, смысл которого открывается с последним аккордом вальса. Тем, кому посчастливилось увидеть несколько лет тому назад «Маскарад» Римаса Туминаса в Вильнюсском Малом театре, не стоит проводить сравнения с вахтанговским спектаклем. Пустое это дело, ибо он не копия, а авторское повторение. Замысел режиссера преломился в актерских индивидуальностях вахтанговцев, а они потому индивидуальности, что у каждого свой голос. «Маскарад» Р. Туминаса – шоу клоунов, трагифарс, печальная комедия дель арте, опрокинутая в наши дни, закружившаяся под звуки вальса Арама Хачатуряна, через десятилетия возвратившегося на вахтанговскую сцену, для которой был написан. Вальс Арама Хачатуряна к вахтанговскому спектаклю «Маскарад» в постановке Андрея Тутышкина был написан в 1941 году и посвящен исполнительнице роли Нины Алле Казанской. Впервые он прозвучал 21 июня 1941 года. Война оборвала жизнь спектакля. Во время обстрела, когда бомба попала в здание Вахтанговского театра, погиб исполнитель роли Звездича Василий Куза, дежуривший в ту трагическую ночь в театре. «Маскарад» прошел всего несколько раз.Свернуть

К открытию Новой сцены Вахтанговского театра Анжелика Холина создала новый спектакль, основанный на музыке романтических классических балетов – «Мужчины и женщины» (или Сценарии, по которым живут…Подробнее К открытию Новой сцены Вахтанговского театра Анжелика Холина создала новый спектакль, основанный на музыке романтических классических балетов – «Мужчины и женщины» (или Сценарии, по которым живут люди). Этот спектакль — повествование, сотканное из постоянных превращений отношений и чувств: кокетство, любовь, страсть, ревность, соперничество, предательство. Мужчины и женщины — какие они есть и какими хотят казаться. Анжелика Холина: «Этот спектакль – фантазия на тему Любви, трагическая комедия, которая соткана из моих наблюдений. Я назвала его «Мужчины и Женщины» потому что он именно о мужчинах и о женщинах. Мне хотелось ответить на вопрос, почему у людей в отношениях ничего не получается до конца, почему столько разрушенных союзов и сломанных судеб? В спектакле разыгрываются истории жизни мужчин и женщин с рождения, с чистоты, веры, с поиска любви и до конца их земного существования, когда любовь, которую они искали, встретили, пережили – умирает. Любовь – не романтическое все обещающее чувство. Это столкновение двух разных природ, женской и мужской. Огромным разрушительным оружием в отношениях является ЭГО человека, поэтому любовь часто приносит людям только боль. Мужчинам и женщинам надо учиться быть вместе и до конца бороться за свою любовь, даже когда их природная несовместимость становится невыносимой». Премьера спектакля продолжила «Парад премьер» Новой сцены 7 октября 2015 года. Продолжительность спектакля 2 ч.10 минут с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-хореограф и автор либретто — Анжелика Холина Художник-сценограф — Мариус Яцовскис Художник по костюмам и гриму — Юозас Статкевичус Художник по свету — Тадас Валейка Балетмейстер-репетитор — Живиле Байкштите Действующие лица и исполнители: Мужчины: Дмитрий Ендальцев, Александр Константинов, Павел Попов, Денис Самойлов, Павел Юдин Женщины: Ася Домская, Ксения Кубасова, Анастасия Лукьянова, Аня Чиповская, Лада ЧуровскаяСвернуть

На основной сцене Вахтанговского театра Заслуженный артист России Александр Олешко уже почти 14 лет (с момента премьеры) играет роль Селестена/Флоридора в любимой зрителями оперетте…Подробнее На основной сцене Вахтанговского театра Заслуженный артист России Александр Олешко уже почти 14 лет (с момента премьеры) играет роль Селестена/Флоридора в любимой зрителями оперетте «Мадемуазель Нитуш». В Арт-кафе одним из первых вечеров стало его выступление «Давайте негромко...», также в Арт-кафе Александр читает сказку под музыку для самых юных зрителей «Красная шапочка». На Симоновской сцене идёт другая сказка — «Аленький цветочек» в сопровождении песочного шоу. Теперь в зале Амфитеатр в апреле 2019 пройдёт ещё один вечер Александра Олешко для взрослой аудитории.Свернуть

Хореографический спектакль в двух действияхХореограф-постановщик — Анжелика ХолинаСценография — Мариус ЯцовскисХудожник по костюмам и гриму — Юозас СтаткявичусХудожник по свету — Тадас…Подробнее Хореографический спектакль в двух действияхХореограф-постановщик — Анжелика ХолинаСценография — Мариус ЯцовскисХудожник по костюмам и гриму — Юозас СтаткявичусХудожник по свету — Тадас ВалейкаДействующие лица и исполнители:Анна Каренина — Ольга ЛерманАлексей Каренин, муж Анны — Евгений КнязевСережа, сын Карениных — Миша ДергачевАлексей Вронский — Дмитрий СоломыкинСтепан Облонский (Стива), брат Анны — Валерий УшаковДарья Облонская (Долли), его жена — Мария ВолковаЕкатерина Щербацкая (Кити), сестра Долли — Екатерина КрамзинаКонстантин Левин — Федор ВоронцовКнягиня Бетси Тверская, кузина Вронского — Анастасия ВасильеваКнязь Тверской, муж Бетси — Артур ИвановГрафиня Вронская, мать Вронского — Вера НовиковаГрафиня Лидия Ивановна — Инна Алабинаи другие.Анжелика Холина, режиссер-хореограф и автор спектакля «Берег женщин», четвертый сезон идущего на вахтанговской сцене, в завершение юбилейного сезона вахтанговского театра, весной 2012 года, выпустила спектакль «Анна Каренина» Л.Н. Толстого, в котором, как и в предыдущей работе, продолжает эстетику невербального театра.«Я ищу эквивалент гармонии слова и смысла в пластике. Ведь каждое движение таит в себе смысл, адекватный слову. Музыка Альфреда Шнитке помогает раскрыть характеры, ее глубокий драматизм и вместе с тем изящество и легкость соответствуют амплитуде чувств героев романа. Для меня мораль романа — женщина не должна быть предметом удовлетворения мужского самолюбия. Нам кажется, что все мы знаем, что такое любовь, но когда это чувство приходит, мы сталкиваемся с собственным эгоизмом, который все разрушает» (Анжелика Холина).Свернуть

ТЕАТР. МУЗЫКА. ПОЭЗИЯ. | 16+ Спектакль-инновация театра «Сатирикон», построенный только на стихах, музыке и пластических этюдах, не имеющий сквозного сюжета и четких действующих лиц смешит, веселит, заставляет…Подробнее ТЕАТР. МУЗЫКА. ПОЭЗИЯ. | 16+ Спектакль-инновация театра «Сатирикон», построенный только на стихах, музыке и пластических этюдах, не имеющий сквозного сюжета и четких действующих лиц смешит, веселит, заставляет задуматься, и более того – не отпускает несколько дней... «Это не постановка, а бомба замедленного действия!» (Musecube) «Зал встречал стоя. БРАВО!!!» (Дмитрий Шульгин)Свернуть

Спектакль создан при поддержке Департамента культуры города Москвы Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 октября 2016 года. Выпускница Мастерской…Подробнее Спектакль создан при поддержке Департамента культуры города Москвы Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 октября 2016 года. Выпускница Мастерской Римаса Туминаса Гульназ Балпеисова выпустила спектакль по пьесе Августа Стриндберга «Фрекен Жюли». В свое время пьеса была запрещена к публикации за острую тему и слишком откровенный эротизм. Режиссер Гульназ Балпеисова и молодые артисты Первой студии Театра им. Евгения Вахтангова, сохраняя верность духу Стриндберга, предлагают свое прочтение пьесы. Молодая графиня фрекен Жюли остается дома одна в канун праздника Ивановой ночи. Эту ночь она проводит с людьми, с которыми, казалось бы, ее ничего не может связывать – со своими слугами: лакеем Жаном и кухаркой Кристиной. Все они никогда не смогут понять друг друга, слишком многое их разделяет: статус; воспитание; интеллект; вера; кровь, в конце концов. Но какие-то таинственные силы притягивают их, вынуждают остаться в эту праздничную ночь вместе. И решение становится для них роковым. Молодой режиссер читает пьесу по-своему. Она делает акцент на том, что природа конфликта лежит не в социальном устройстве какого-либо общества, но в экзистенциальной плоскости, в самой природе оппозиции мужчина-женщина. На сцене больше нет Графини, Лакея и Кухарки, но есть две абсолютно разные женщины и один мужчина. Этот мужчина будет пытаться выстроить диалог с каждой из них, будет подстраиваться, стараться понять обеих. А эти женщины настолько не похожи, что Жану придется очень сложно. Что приемлемо для одной, невозможно для другой; что одна ценит и уважает, то для другой не существует. Но все же кое-что их объединяет, они обе женщины. Зритель получит возможность соотнести себя с героями на сцене и ответить на глубинные, неудобные в повседневной жизни вопросы: что на деле важно для меня в связи с мужчиной/женщиной, быть может, я лишь реализую свое эго или же состою в диалоге с партнером, существует ли пространство для личного выбора или же все давно решено за нас? Продолжительность спектакля 2 час 20 минут с антрактом Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). ействующие лица и исполнители: Фрекен Жюли — Полина Кузьминская Кристина — Яна Соболевская Жан — Павел Попов / Владимир ШульевСвернуть

По рассказам Андрея Платонова: «Неизвестный цветок» «Невозможное» «Песчаная учительница» «Река Потудань» «Семён» «Юшка» Премьера — 3 октбря 2019 г. Проза Андрея Платонова (1899–1951) – писателя,…Подробнее По рассказам Андрея Платонова: «Неизвестный цветок» «Невозможное» «Песчаная учительница» «Река Потудань» «Семён» «Юшка» Премьера — 3 октбря 2019 г. Проза Андрея Платонова (1899–1951) – писателя, драматурга, киносценариста, журналиста, военного корреспондента – не поддаётся привычному литературному исследованию. Это рассказы-притчи, пропитанные особым философским восприятием действительности. Произведения изумляли многих современников нарочитой «неправильностью» стилистики, словосочетаний, описаний действий и окружающей обстановки. И тем не менее, именно эти рассказы и повести явственно перекликаются с мировой литературой и театром эпохи между двумя мировыми войнами – Первой и Второй. Вряд ли что-то тогда могло быть по-настоящему «правильным», ровным, аккуратным, чётким, когда передовые мыслители видели последствия Первой, еще слишком памятной, катастрофы, и уже с тревогой угадывали приближение Второй. В выбранных для постановки рассказах ощущается стремление жить, несмотря ни на что. Символом всего спектакля стал «Неизвестный цветок». Развиваться, даже если нет благоприятной для этого среды, стремиться вверх, даже если есть те, кто готов растоптать. Творить добро, увеличивать количество доброты в мире – даже если это дело на первый взгляд кажется безнадежным. Продолжительность спектакля 1 ч 30 мин. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+) Режиссёр-постановщик — Анна Горушкина Художник-постановщик — Елена Киркова Художник по свету — Руслан Майоров Звукорежиссёр — Вадим Магаляс Техническое обеспечение — Дмитрий Лазарев Помощник режиссера — Ася Князева Действующие лица и исполнители: Юшка — Денис Бондаренко Мария Никифоровна Нарышкина — Евгения Ивашова Мужчина с патефоном — Алексей Петров Никита — Сергей Батаев Люба — Ирина Смирнова Семён — Николай Романовский Девушка — Екатерина Жаркова Безымянный — Ян ГахармановСвернуть

Елена Чарквиани — актриса театра и кино, певица, исполнительница русских романсов, звезда мюзиклов. Более 10 лет была ведущей актрисой легендарного театра-кабаре «Летучая мышь» Григория Гурвича (спектакли…Подробнее Елена Чарквиани — актриса театра и кино, певица, исполнительница русских романсов, звезда мюзиклов. Более 10 лет была ведущей актрисой легендарного театра-кабаре «Летучая мышь» Григория Гурвича (спектакли «Я степую по Москве», «100 лет кабаре», «Это — шоу-бизнес», «Вам позволено переиграть»); в спектакле «Великая иллюзия» исполняла арии из мюзиклов «CHICAGO» (Велма), «Сансет Бульвар» (Норма Дезмонт), «Призрак Оперы» (Карлотта), «HelloDolly» (Долли). В творческой биографии Елены Чарквиани заглавные и запоминающиеся роли в самых громких постановках мюзиклов на московской сцене. Среди них: Миссис Чайтон в «Красавице и Чудовище», Гризабелла в мюзикле «Кошки», удивительная Мать Настоятельница из «Звуков Музыки». Дерзкая и страстная Мама Мортон в мюзикле «Чикаго». Загадочная и завораживающая мадам Жири в мюзикле «Призрак Оперы». Фея-крёстная в «Золушке». Великолепная Донна в мюзикле «MammaMia».Свернуть

Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса —…Подробнее Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса — Александр Коручеков). Это волшебная сказка, где звезды разговаривают, люди летают, где странное поведение персонажей – норма. Где герой истории мальчик Питер Пэн не хочет становиться взрослым, поэтому он убежал из дома и поселился среди фей в Кенсингтонском парке. Питер Пэн появляется в доме Дарлингов среди ночи, с феей Чинь-Чин с захватывающими рассказами о сказочной стране, увлекая ими детей, и улетает с ними в неведомое прекрасное пространство, где все необычно – времена года меняются ежечасно, где полно русалок, крокодилов, краснокожих индейцев, пиратов. Невообразимое стечение событий, поединков, фантастические истории ожидают Джона, Майка и Венди Дарлингов в компании потерявшихся мальчиков. От смертельной опасности их спасает Питер Пэн, победивший Капитана Крюка. Дети возвращаются в отеческий дом, где их ждут счастливые родители, они вырастают, и только Питер Пэн остается мальчишкой, который с трудом узнает повзрослевших друзей. Александр Коручеков, режиссер: «Есть знаковые сказки, которые выходят за рамки детской литературы. Как, например, «Алиса в стране чудес». Такова и история о Питере Пэне, мальчике, который не хотел взрослеть. Питер Пэн – это глубокая история, в ней много пластов. Этому произведению посвящены тома исследований, где выясняют, что такое взрослость, что такое детскость. У Джеймса Барри – есть и пьеса, и повесть о Питере Пэне. Пьеса замечательная, но ее надо ставить на большой сцене, делать мюзикл, в котором использовать машинерию, пригласить акробатов, фокусников, сделать сложный постановочный спектакль. Мы же готовим свою работу на Новой сцене и здесь важны не постановочные эффекты, а игровая суть истории. Ведь детство продолжается, пока человек играет, верит в приключения. Питеру Пэну скучно без игры: он, например, предлагает своим друзьям обедать «понарошку», а когда они понимают, что хотят есть по-настоящему, Питер не дает им возможности покинуть игру, вернуться в реальную жизнь. Игра остается игрой, пока всем весело, пока она в радость. Это очень глубокое и разнообразное произведение, которое исследует важные пласты жизни, ставит проблему неизбежного взросления: как из веселого ребенка – озорника и придумщика – вырастает обыкновенный скучный взрослый человек. Питер не хочет становиться взрослым, ускользает от реальной жизни. Он предпочитает остаться навсегда ребенком. Поэтому он обречен на одиночество. Обратиться к истории о Питере Пэне предложил Римас Туминас, и нам всем эта идея понравилась. Играть спектакль будут студенты IV курса Театрального института имени Б. Щукина. Мне интересно поставить со своими учениками (я – художественный руководитель этого курса) детский спектакль, в который каждый год будут вводиться новые исполнители – очередной выпускной курс. Мы постараемся уйти от иллюстративности и не хотим заигрывать с детьми-зрителями, хотя сценическое пространство предполагает тесный контакт с публикой. Наша задача – разбудить фантазию ребенка, заставить его включаться в ситуации, чтобы нашим маленьким зрителям хотелось дома доиграть, что-то додумать. Мы призываем детей к сотворчеству. Этот спектакль рассчитан и на детей с 6–7 лет, и на взрослых, мам и пап, особенно на тех, кто в душе так и остался ребенком». Премьера спектакля «ПИТЕР ПЭН» продолжила ПАРАД ПРЕМЬЕР на Новой сцене Театра Вахтангова 26 декабря 2015 года. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет (6+). Обращаем Ваше внимание, что все посещающие Театр зрители, вне зависимости от их возраста, должны иметь отдельный билет. Режиссер-постановщик — Александр Коручеков Художник-сценограф — Максим Обрезков Художник по костюмам — Мария Данилова Художник по свету — Нарек Туманян Хореограф — Сергей Землянский Композитор — Петр Налич В спектакле звучит музыка «The Beatles», «Queen», группы «АукцЫон» Благорарим за помощь в создании спектакля Ольгу Лерман, Арама Мирзоянца, Светлану Федотову.Свернуть

Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса —…Подробнее Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса — Александр Коручеков). Это волшебная сказка, где звезды разговаривают, люди летают, где странное поведение персонажей – норма. Где герой истории мальчик Питер Пэн не хочет становиться взрослым, поэтому он убежал из дома и поселился среди фей в Кенсингтонском парке. Питер Пэн появляется в доме Дарлингов среди ночи, с феей Чинь-Чин с захватывающими рассказами о сказочной стране, увлекая ими детей, и улетает с ними в неведомое прекрасное пространство, где все необычно – времена года меняются ежечасно, где полно русалок, крокодилов, краснокожих индейцев, пиратов. Невообразимое стечение событий, поединков, фантастические истории ожидают Джона, Майка и Венди Дарлингов в компании потерявшихся мальчиков. От смертельной опасности их спасает Питер Пэн, победивший Капитана Крюка. Дети возвращаются в отеческий дом, где их ждут счастливые родители, они вырастают, и только Питер Пэн остается мальчишкой, который с трудом узнает повзрослевших друзей. Александр Коручеков, режиссер: «Есть знаковые сказки, которые выходят за рамки детской литературы. Как, например, «Алиса в стране чудес». Такова и история о Питере Пэне, мальчике, который не хотел взрослеть. Питер Пэн – это глубокая история, в ней много пластов. Этому произведению посвящены тома исследований, где выясняют, что такое взрослость, что такое детскость. У Джеймса Барри – есть и пьеса, и повесть о Питере Пэне. Пьеса замечательная, но ее надо ставить на большой сцене, делать мюзикл, в котором использовать машинерию, пригласить акробатов, фокусников, сделать сложный постановочный спектакль. Мы же готовим свою работу на Новой сцене и здесь важны не постановочные эффекты, а игровая суть истории. Ведь детство продолжается, пока человек играет, верит в приключения. Питеру Пэну скучно без игры: он, например, предлагает своим друзьям обедать «понарошку», а когда они понимают, что хотят есть по-настоящему, Питер не дает им возможности покинуть игру, вернуться в реальную жизнь. Игра остается игрой, пока всем весело, пока она в радость. Это очень глубокое и разнообразное произведение, которое исследует важные пласты жизни, ставит проблему неизбежного взросления: как из веселого ребенка – озорника и придумщика – вырастает обыкновенный скучный взрослый человек. Питер не хочет становиться взрослым, ускользает от реальной жизни. Он предпочитает остаться навсегда ребенком. Поэтому он обречен на одиночество. Обратиться к истории о Питере Пэне предложил Римас Туминас, и нам всем эта идея понравилась. Играть спектакль будут студенты IV курса Театрального института имени Б. Щукина. Мне интересно поставить со своими учениками (я – художественный руководитель этого курса) детский спектакль, в который каждый год будут вводиться новые исполнители – очередной выпускной курс. Мы постараемся уйти от иллюстративности и не хотим заигрывать с детьми-зрителями, хотя сценическое пространство предполагает тесный контакт с публикой. Наша задача – разбудить фантазию ребенка, заставить его включаться в ситуации, чтобы нашим маленьким зрителям хотелось дома доиграть, что-то додумать. Мы призываем детей к сотворчеству. Этот спектакль рассчитан и на детей с 6–7 лет, и на взрослых, мам и пап, особенно на тех, кто в душе так и остался ребенком». Премьера спектакля «ПИТЕР ПЭН» продолжила ПАРАД ПРЕМЬЕР на Новой сцене Театра Вахтангова 26 декабря 2015 года. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет (6+). Обращаем Ваше внимание, что все посещающие Театр зрители, вне зависимости от их возраста, должны иметь отдельный билет. Режиссер-постановщик — Александр Коручеков Художник-сценограф — Максим Обрезков Художник по костюмам — Мария Данилова Художник по свету — Нарек Туманян Хореограф — Сергей Землянский Композитор — Петр Налич В спектакле звучит музыка «The Beatles», «Queen», группы «АукцЫон» Благорарим за помощь в создании спектакля Ольгу Лерман, Арама Мирзоянца, Светлану Федотову.Свернуть

П. де БОМАРШЕБЕЗУМНЫЙ ДЕНЬ, или женитьба Фигаро«Коль мысли мрачные на ум тебе придут, — откупори шампанского бутылку, иль перечти «Женитьбу Фигаро», — советует один из персонажей «Маленьких трагедий» А.С.Подробнее П. де БОМАРШЕБЕЗУМНЫЙ ДЕНЬ, или женитьба Фигаро«Коль мысли мрачные на ум тебе придут, — откупори шампанского бутылку, иль перечти «Женитьбу Фигаро», — советует один из персонажей «Маленьких трагедий» А.С. Пушкина. Прошли годы, века, но и сегодня не грех воспользоваться советом великого поэта. Обаяние комедии Бомарше не увяло, ее энергетика, азарт, ирония, юмор, виртуозность интриги с годами как будто бы набрали еще большую остроту и блеск. И хотя Фигаро сегодня интересен для нас не как предвестник революции, что возмутило правящее сословие в Париже в эпоху премьеры спектакля, народный герой привлекает своей независимостью, находчивостью, неугомонным духом правдоискателя.Безумный день… Стилистику спектакля, наверное, следует искать в «безумном дне», свалившимся на голову участников этой истории, когда все переплелось, запуталось, и благодаря усилиям героя, счастливо разрешилось, и право первой ночи, прежде принадлежавшее Графу, сегодня сталкивается с непримиримостью Фигаро, человека нового времени, новых этических законов. Конфликт – в противоречии современной умной личности с обычаями и практиками, которые себя изжили.Оформление и костюмы не соответствуют времени написания комедии. Режиссер пытается представить эту историю через призму современности, живописуя нравы общества, поучает, развлекая.Режиссер спектакля Владимир Мирзоев:Старые мастера любили давать два варианта названия одного текста. Рядом с магическим «если бы» часто возникает волшебное «или». Мне дорога эта вариативность театра и культуры вообще. Причем вторая часть названия шедевра Бомарше могла бы отвалиться, как хвост у нашего предка, за ненадобностью. Безумие – вот главная категория, с которой мы хотим сегодня поиграть. Я бы убрал с афиши и «женитьбу», и даже интригана «Фигаро», если бы это не сбивало зрителя с толку.Стоишь, бывало, перед океаном классической драматургии и пытаешься почувствовать нечто, поймать свою волну. Но это не мода, нет, не вопрос, куда дует ветер. При выборе материала для меня главное – тема. В «Безумном дне» я увидел возможность очень важного разговора. О том, как современный человек вынужден подчиняться архаическим практикам, как элита ментально не поспевает за обществом, которое стремительно обновляется. Ведь вектор времени все равно направлен в будущее. Но антропология Бомарше не дидактична – это веселый витамин, спрятанный среди сладких ягод эротики, переодеваний, театральной игры. Мы, как дети, глотаем сочный, умный текст, не замечая его сложных смыслов.Без труда вытащив наших героев из эпохи феодализма, мы, тем не менее, не стали помещать их в мир гаджетов и свободной любви. Наш спектакль не модернизация в строгом смысле слова. Но эклектика, динамика и, главное, Безумие здесь вполне в духе актуального постмодерна. Не правда ли, сама жизнь выглядит сегодня как странный коллаж – мифологий, обычаев, заблуждений. Поэтому Моцарт и Россини могут запросто заглянуть в гости к африканскому вождю, посидеть у костра, выпить чашечку кофе. Иногда трудно понять, в каком веке мы оказались: то ли в середине 20-го, то ли в 17-м, то ли в 21-м.Как любил говорить Олег Николаевич Ефремов (в разных ситуациях): «А что вы хотите? – это жизнь». А иногда фраза звучала по-другому: «А что вы хотите? – это театр».Продолжительность спектакля 3 часа с одним антрактом.Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+).Свернуть

Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 января 2017 года. В спектакле принимают участие выпускники Театрального института имени Бориса Щукина, художественный…Подробнее Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 января 2017 года. В спектакле принимают участие выпускники Театрального института имени Бориса Щукина, художественный руководитель курса Александр Коручеков. Режиссер Екатерина Зонненштраль о спектакле: «Рассказ «Чужая жена и муж под кроватью» — раннее произведение Достоевского. Он составлен автором из двух отдельных рассказов «Чужая жена» и «Ревнивый муж». В каком-то смысле, этот текст — ирония автора над популярными в то время легкомысленными водевилями. Диалоги легки, почти анекдотичны. Однако сама тема рассказа — ревность и страсть, доведенная до сумасшествия — была для Достоевского очень серьезной, больной. Мысли о ней не покидали его на протяжении всей жизни. Это связано, в том числе и с отношениями в семье родителей: отец Достоевского мучил ревностью свою жену (мать Федора Михайловича), от чего она страдала, ведь любила его по-настоящему преданно. Позже, в расцвете своего творчества, уже зрелый Достоевский вернется к этой теме в рассказе «Вечный муж». Но здесь он напишет уже не легкий водевиль, а практически трагедию в самых реалистичных выражениях. Нам было интересно поработать с текстом «молодого» Достоевского. Здесь его язык еще не совершенен с точки зрения мастерства, но свеж и откровенен в своей наивности. Мы попытались разобраться в нем с помощью языка театра. Эксперимент чист и проводится прямо на ваших глазах. Никаких декораций. Только сцена, пять актеров, зритель и … игра. Игра, которая в процессе спектакля становится откровением». Создатели спектакля выражают особую благодарность: Александру Анатольевичу Коручекову HeadDressLab и отдельно Ларисе Сурковой за создание голубой шляпки, Екатерине Козловой за создание клетчатого плаща. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Продолжительность спектакля — 1 час без антракта. Действующие лица и исполнители: Шабрин — Юрий Цокуров Творогов — Арсений Зонненштраль Глафира — Евгения Ивашова Бобыницын — Федор Парасюк Старик — Федор Парасюк Лиза — Каролина ЕрузалимскаяСвернуть

Премьера — 13 марта 2019 года Ника Симонова, автор текста «Танец солнца»: «Работа над историей известного на весь мир танцовщика Вацлава Нижинского для меня началась с пристального изучения…Подробнее Премьера — 13 марта 2019 года Ника Симонова, автор текста «Танец солнца»: «Работа над историей известного на весь мир танцовщика Вацлава Нижинского для меня началась с пристального изучения документальных материалов, книг о Нижинском, интервью его современников, его дневника. Вместе с нашей творческой группой мы выбирали главные для нас события, фантазировали, домысливали. Наши персонажи: Вацлав Нижинский, Сергей Дягилев, Игорь Стравинский, — говорят словами, которые в начале ХХ века действительно были написаны или сказаны этими знаковыми для истории мировой культуры людьми. Для меня история Нижинского — это история о солнечном человеке, для которого лишиться возможности танцевать — все равно что сойти с ума или перестать существовать. История о трагическом несоответствии силы таланта и силы личности. История о легендарном танцовщике, хореографе, предугадавшем развитие всего современного танца в преддверии Первой Мировой войны. Его балеты оскорбляли и восхищали общество. Его стопа была подобна стопе птицы. Его стремительный взлёт и такое же стремительное падение по сей день остаются притчей во языцах...». Лейла Абу-аль-Кишек, режиссер: «Нижинский один из самых загадочных танцовщиков в истории мирового балета. Углубившись в его короткую, но яркую творческую жизнь я встретилась с большим количеством противоречий. Сам Нижинский ассоциировал себя с главным героем романа Достоевского «Идиот». И в этом есть правда: он был смелым гением на сцене, но абсолютно бесхитростным, до наивности честным человеком в обыденной жизни, как и Князь Мышкин. Прыжок Нижинского стал легендой, способность перевоплощения потрясали зрителей и критиков. А смелые хореографические эксперименты открыли новый век танца. Но что стало причиной гибели столь яркого таланта? Поиски ответа на этот вопрос привели нашу творческую группу к неожиданным открытиям, которые легли в основу истории о «Гениальном идиоте». Продолжительность спектакля 2 часа 20 минут с антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-постановщик — Лейла Абу-аль-Кишек Художник-постановщик — Дина Боровик Композитор — Николай Шипулин Музыкальный руководитель — Андрей Сергиевский Хореограф — Евгения Любашина Педагог по классическому танцу — Ольга Каплунова Режиссер по работе с актерами — Алексей Артемов Художник-гример — Ольга Калявина Художник по свету — Сергей Мясников Звукорежиссеры — Екатерина Волкова, Вадим Магаляс Помощник режиссера — Рогнеда Смирнова Действующие лица и исполнители: Вацлав Нижинский — Аделина Гизатуллина Сергей Дягилев — Денис Самойлов, Сергей Батаев Василий, его слуга — Олег Лопухов Михаил Фокин — Павел Тэхэда Кардэнас Игорь Стравинский — Ян Гахарманов Ромола де Пульски — Ася Домская Высокий — Николай Романовский Блондин — Денис БондаренкоСвернуть

Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене,…Подробнее Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене, и юные зрители воочию увидят героев, которых сначала явило их воображение, а теперь они появятся на сцене и подарят удивительные моменты общения, развлекут, уведут в мир фантазии, где игра актеров и мастерство постановщика спектакля Владимира Иванова создадут волшебный мир удивительных превращений.Театр имени Евгения Вахтангова возвращается к практике постановки спектаклей для детей. Эту миссию он объединил с другой, уже ставшей традицией: включение лучшего выпускного спектакля Театрального института им. Б. Щукина в свой репертуар. Акция чрезвычайно важная, определяющая потенциальные возможности будущих актеров, их стимул к творческому росту на пути к профессиональной сцене.Сказка Ш. Перро, щедрый подарок, яркий, музыкальный, веселый, в живописных декорациях Максима Обрезкова, непременно порадует юных зрителей. Авторство спектакля «Кот в сапогах» принадлежит студентам IV курса актерского факультета и руководителю курса – профессору Владимиру Иванову, в прошлом сезоне удостоенному премии фестиваля им. А. Миронова «Фигаро» за верность репертуарному театру.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановХудожник – Максим ОбрезковМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваБалетмейстер – Олег ГлушковПродолжительность спектакля – два часа с одним антрактом.Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет.Свернуть

Две истории по пьесам Ф. Бордона «Последние луны» и Г. Мюллера «Тихая ночь». В афише Театра им. Вахтангова много разных спектаклей. Но если вдруг вам захочется задуматься, услышать негромкую историю жизни двух…Подробнее Две истории по пьесам Ф. Бордона «Последние луны» и Г. Мюллера «Тихая ночь». В афише Театра им. Вахтангова много разных спектаклей. Но если вдруг вам захочется задуматься, услышать негромкую историю жизни двух пожилых людей, настройтесь заранее — веселость на два часа покинет вас, и вы узнаете правду, которая встревожит, а может быть, окажется сопричастной и к вашей жизни. Актеры будут говорить со сцены о равнодушии, эгоизме, милосердии, сострадании. Как много в нашей жизни первого и как мало второго. И где, как не в театре, подумать об этом. В спектакле со странным названием «Последние луны» два акта и две одноактных пьесы — итальянца Фурио Бордона и немца Гарольда Мюллера, они неизвестны в России, но обе поставлены в двадцати странах. Пьеса «Последние луны» написана в 1992 году и отмечена премией театральных деятелей Италии как лучшая пьеса года. В сезоне 1995/96 года она была поставлена для Марчелло Мастрояни и стала последней театральной работой великого артиста. «Тихая ночь» Г. Мюллера написана три десятилетия тому назад и с успехом прошла в разных странах. Старость не знает национальных границ и географических пределов. Она может быть умиротворенной и счастливой в кругу близких, или стать катастрофой, если ты оставлен дорогими тебе людьми. Человек — единственное живое существо на свете, которое знает, что умрет. Итальянская и немецкая история двух пожилых людей пронзительно и горько сыграна замечательными русскими актерами Ириной Купченко и Василием Лановым. И если у зрителей после спектакля заноет сердце и они подумают о тех, кто в них нуждается или о тех, кому предстоит встретиться с их старостью, значит история, которую театр попытался рассказать, достигла цели. Постановка – Римас Туминас Режиссер – Алексей Кузнецов Сценография и костюмы – Мария Митрофанова Композитор – Фаустас Латенас В ролях:«Последние луны» — Василий Лановой, Елена Сотникова, Олег Макаров; «Тихая ночь» — Ирина Купченко, Сергей Юшкевич, Инна Алабина, Любовь Корнева, Наталья Молева, Нина Нехлопоченко и другие. Премьера спектакля состоялась 8 декабря 2008 года.Свернуть

«Поговорим о странностях любви (Другого я не смыслю разговора)…» А.С. Пушкин Сочинение единомышленников по пьесе «Валенсианская вдова» Создатели спектакля, взяв комедию Лопе де Веги, выражают своё юное безумие,…Подробнее «Поговорим о странностях любви (Другого я не смыслю разговора)…» А.С. Пушкин Сочинение единомышленников по пьесе «Валенсианская вдова» Создатели спектакля, взяв комедию Лопе де Веги, выражают своё юное безумие, любовь к поэзии, музыке и почти забытому сочетанию театрального пафоса, подлинной романтики и юмора Премьера спектакля на Симоновской сцене — 25 марта 2019 года. Сюжет испанской приключенческой комедии не тайна: молодая вдова Леонарда служит предметом восхищения всей Валенсии. Однако, она не подаётся на уговоры дяди Лусенсьо выйти замуж вторично, остаётся надменно-равнодушной к ночным серенадам влюблённых. Леонарда посвящает жизнь служению Господу, желая достойно нести вдовье званье, но это оказывается не так просто, когда на смену молитве и ханжеству приходит любовь.Все здесь окутано любовью и подчинено её законам. Любовь приводит героев в отчаяние, толкает на безрассудные поступки, путает и водит. Бледный свет Луны хранит тайну сердца, а маска прячет лицо. Сложность и необычность режиссёрских решений иногда кроется в их простоте, игровой природе действия. Авторы постановки искали грани между условностью маски и подлинным переживанием, стремились к музыкальности слов. Самые современные мысли чаще всего способны подсказать классические тексты. «Торжественность, сила, героизм и сознательное стремление к высокой цели встречаются на каждом шагу в классической литературе… В наши дни и в нашем обществе классические вещи не могут прозвучать иначе, чем революционно...» (Михаил Чехов). Авторы спектакля — выпускники Театрального института имени Б.В. Щукина, курс режиссёра Александра Коручекова. В спектакле звучит музыка Ж. Бизе, М. де Фальи, Л. Минкуса, Э. Грига. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Художник-постановщик — Мария Мелешко Художник по свету — Владислав Фролов Художники по костюму — Мария Мелешко, Ян Гахарманов Хореограф — Виталий Липовый Сонеты — Виталий Липовый, Ян Гахарманов, Евгения Ивашова Музыка романсов — Марк Бурлай, Евгения Ивашова Грим — Мария Мелешко, Анастасия Голикова Действующие лица и исполнители: Лусенсьо, старик — Николай Лиханов Леонарда, молодая вдова — Евгения Ивашова Урбан, её паж — Виталий Липовый Марта, её служанка — Елизавета Лейбензон Камило, молодой человек — Ян Гахарманов Флоро, его слуга — Николай Лиханов Селья, горожанка — Анастасия Голикова Отон, влюблённый — Данил Можаев Валерьо, влюблённый — Марк Бурлай Лисандро, влюблённый — Данила Гнидо Росано, сват из Мадрида — Анастасия ГоликоваСвернуть

Премьера спектакля «Сергеев и городок» состоялась 21 сентября 2017 года. Роман писателя Олега Зайончковского населяют люди маленького городка, где почти все друг друга знают. Они разные – вздорные, смешные, грубые,…Подробнее Премьера спектакля «Сергеев и городок» состоялась 21 сентября 2017 года. Роман писателя Олега Зайончковского населяют люди маленького городка, где почти все друг друга знают. Они разные – вздорные, смешные, грубые, ласковые, агрессивные и миролюбивые, есть среди них писатель – человек странный, ранимый, романтичный, но безвольный. Роман состоит из новелл, и каждая из них – история жизни, любви, расставаний, смешных недоразумений, посиделок с песней под баян, которые часто кончаются потасовками. Разные люди, разные характеры – поток жизни, где каждая страница открывает ее новую грань, заставляющую то рассмеяться, то огорчиться, а то порадоваться остроумию неожиданно разрешенной ситуации. Случаются с персонажами и трагические истории, но в описании их автор избегает сильных эмоций, они спокойно вписываются в течение жизни, оставляя легкую грусть без надрыва и отчаяния. В описании этих людей, их характеров, поступков авторская интонация добрая, слегка ироничная, так пишут о людях, которых знают и любят, поэтому так снисходительно прощают их слабости и чудачества. Светлана Землякова, режиссер: «Олег Зайончковский писатель-прозаик родился в Самаре. Потомок старинного дворянского рода сегодня живет в Подмосковье в Хотьково. В 2004 году издательство ОГИ опубликовало его роман в новеллах «Сергеев и городок», вошедший в финальные списки премии «Букер – Открытая Россия» (2004) и «Национальный бестселлер» (2005). Время остановилось в маленьком городке, в котором живет Сергеев. Времена перемешались и перепутались и наступило «всегда». Люди, ненужные истории, живущие далеко от В