Государственный академический театр имени Евгения Вахтангова

ТЕАТР. МУЗЫКА. ПОЭЗИЯ. | 16+ Спектакль-инновация театра «Сатирикон», построенный только на стихах, музыке и пластических этюдах, не имеющий сквозного сюжета и четких действующих лиц смешит, веселит, заставляет…Подробнее ТЕАТР. МУЗЫКА. ПОЭЗИЯ. | 16+ Спектакль-инновация театра «Сатирикон», построенный только на стихах, музыке и пластических этюдах, не имеющий сквозного сюжета и четких действующих лиц смешит, веселит, заставляет задуматься, и более того – не отпускает несколько дней... «Это не постановка, а бомба замедленного действия!» (Musecube) «Зал встречал стоя. БРАВО!!!» (Дмитрий Шульгин)Свернуть

Спектакль — Лауреат Вампиловского фестиваля. 90-ЛЕТИЮ А.И. СОЛЖЕНИЦЫНА Премьера спектакля состоялась 13 апреля 2008 г. «...На сто восемьдесят четвертом километре от Москвы по ветке, что идет к Мурому и Казани,…Подробнее Спектакль — Лауреат Вампиловского фестиваля. 90-ЛЕТИЮ А.И. СОЛЖЕНИЦЫНА Премьера спектакля состоялась 13 апреля 2008 г. «...На сто восемьдесят четвертом километре от Москвы по ветке, что идет к Мурому и Казани, еще с добрых полгода после того все поезда замедляли ход почти как бы до ощупи. Пассажиры льнули к стеклам, выходили в тамбур: чинят ли пути, что ли? Из графика вышел? Нет. Пройдя переезд, поезд опять набирал скорость, пассажиры усаживались. Только машинисты знали и помнили, отчего это все. Да я.» Небольшой рассказ А.И. Солженицына «Матренин двор», написанный полвека назад и опубликованный в 1963 г. в журнале «Новый мир», возглавляемом А.Твардовским, стал событием в литературе, словом правды о судьбе простой женщины — скромной, совестливой, с душой огромной и светлой. «Все мы жили рядом с ней и не поняли, что есть она тот самый праведник, без которого, по пословице, не стоит село. Ни город. Ни вся земля наша» (А.И.Солженицын). Идея создания сценической редакции рассказа принадлежит Александру Михайлову, он долго жил с этой мыслью, пока не поделился ею с профессором Щукинского училища В.В. Ивановым — режиссером Театра им. Евг.Вахтангова. Желания совпали. Владимир Иванов владеет редким режиссерским даром психологического анализа, тончайшей разработкой характеров, в сочетании с точно угаданной интонацией автора. Эти качества пригодились в работе над прозой А.И.Солженицына. В соавторстве с Александром и Еленой Михайловыми, в свое время закончившими Щукинское училище, художником Максимом Обрезковым, режиссером и автором сценической версии Владимиром Ивановым родился спектакль «Матренин двор». Премьера его окончательной редакции состоялась 13 апреля 2008 г. на малой сцене театра им. Евг.Вахтангова. Н.Д. Солженицына с уважением отнеслась к этой работе и одобрила ее. Спектакль «Матренин двор" — подарок вахтанговцев к 90-летию Александра Исаевича Солженицына — великого писателя и гражданина. Продолжительность спектакля 1 час 40 минут без антракта. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Автор сценической версии и режиссер-постановщик — Владимир Иванов Автор идеи — Александр Михайлов Художник — Максим Обрезков Музыкальное оформление — Татьяна Агаева Консультант по вокалу — Светлана Игнатьева Художник-гример — Ольга Калявина Художник по свету — Елена Шумова Действующие лица и исполнители: Матрена — Елена Михайлова Игнатич — Александр МихайловСвернуть

Премьера спектакля состоялась 22 ноября 2017 года на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Андрей Максимов, режиссер: «В первую очередь я хочу сказать огромное спасибо Римасу Туминасу,…Подробнее Премьера спектакля состоялась 22 ноября 2017 года на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Андрей Максимов, режиссер: «В первую очередь я хочу сказать огромное спасибо Римасу Туминасу, который дал мне возможность реализовать свой проект на только открывшейся сцене Вахтанговского театра. Работать в лучшем театре страны – это просто какое-то невероятное чудо. Когда я сказал об этом Римасу Владимировичу, он ответил: «Чудо вы нам покажете в ноябре». Хочется в это верить. Благодаря директору театра Кириллу Кроку, театр работает как отлаженный механизм. Только ставь! Я стараюсь… Пьеса «Любовь у трона» — это своего рода фантасмагория: сон снится Екатерине Великой накануне государственного переворота, который приведет ее к власти на долгие годы. Во сне она вспоминает свои отношения с мужем Петром III. По сути, это история о любви на фоне политики. Я давно мечтал поработать с поразительной актрисой Ольгой Тумайкиной, очень хотел, чтобы Екатерину сыграла именно она. Мечта сбылась. Она очень мощная актриса, очень интересный, глубокий человек. С исполнителем роли Петра III были проблемы, пока я не вспомнил, что в Вахтанговском театре работает поразительный актер Андрей Ильин. Я видел его в роли Хлестакова на сцене Русского театра в Риге. Это была поразительная актерская работа! Я видел его на сцене МХТ и театра Моссовета. Счастлив теперь не только работать, но и общаться с ним. Впервые встретился в работе с художником Максимом Обрезковым, который придумал очень интересный мир для наших героев, очень необычный. Но Обрезков еще и создатель Симоновской сцены. Мне кажется, это уникальный случай, когда главный художник театра создал несколько сценических пространств, включая Новую сцену. Очень спокойный, интеллигентный, творческий человек. Музыку написал замечательный композитор Сергей Шустицкий, с которым мы сделали несколько спектаклей, и он даже выпустил диск с музыкой к моим постановкам. Мне кажется, что синонимом театра является удовольствие. Надо с удовольствием репетировать, с радостью. Я знаю, что есть режиссеры – любители «кровавых» репетиций, Бог им судья. Поставив довольно много спектаклей, я всегда старался, чтобы и актеры, и постановочная часть, и я сам получали удовольствие. Иначе не вижу смысла этим заниматься. Удовольствие должен получать и зритель. Это самое главное. Мне кажется, именно за этим он и приходит. Я не люблю разговоров о миссии театра, о некоем режиссерском послании. Сегодня есть большой интерес к судьбе Екатерины Великой. Мы, что называется, в тренде. И, слава Богу! Любовь у трона… Любовь на фоне серьезных разговоров о судьбе России, о судьбах русских людей… Сон-фантасмагория с подлинной человеческой страстью… Если зрителю будет интересно, если он поймет, что не напрасно потратил почти два часа – мы будем считать, что наша задача выполнена». Продолжительность спектакля 1 ч 40 мин. без антракта Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+) Действующие лица и исполнители: Пётр III, Император и Самодержец Всероссийский — Андрей Ильин Екатерина — его супруга, будущая Императрица и Самодержица Всероссийская Екатерина II — Ольга Тумайкина Остальные — Виталийс Семёновс, Павел Тэхэда КардэнасСвернуть

Пластический спектакль | 12+ Пластический спектакль в двух частях: КАРМЕН. НАЧАЛО – страстная фантазия о взрослении юной Кармен как бы предваряет знаменитую историю самой роковой испанской цыганки.Подробнее Пластический спектакль | 12+ Пластический спектакль в двух частях: КАРМЕН. НАЧАЛО – страстная фантазия о взрослении юной Кармен как бы предваряет знаменитую историю самой роковой испанской цыганки. MOZART&PÄRT – черно-белый «вихрь любовников» на музыку двух великих маэстро: радостного гения небес и тревожного «монаха», чьи ноты падают, словно капли в глубокий колодец. . «Обнаженные танцем чувства» (Musecube) «Я восхищен! Такой бурной пластики я не видел давно: синхронность, страсть, плавность!» (Дмитрий Шульгин)Свернуть

Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене,…Подробнее Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене, и юные зрители воочию увидят героев, которых сначала явило их воображение, а теперь они появятся на сцене и подарят удивительные моменты общения, развлекут, уведут в мир фантазии, где игра актеров и мастерство постановщика спектакля Владимира Иванова создадут волшебный мир удивительных превращений.Театр имени Евгения Вахтангова возвращается к практике постановки спектаклей для детей. Эту миссию он объединил с другой, уже ставшей традицией: включение лучшего выпускного спектакля Театрального института им. Б. Щукина в свой репертуар. Акция чрезвычайно важная, определяющая потенциальные возможности будущих актеров, их стимул к творческому росту на пути к профессиональной сцене.Сказка Ш. Перро, щедрый подарок, яркий, музыкальный, веселый, в живописных декорациях Максима Обрезкова, непременно порадует юных зрителей. Авторство спектакля «Кот в сапогах» принадлежит студентам IV курса актерского факультета и руководителю курса – профессору Владимиру Иванову, в прошлом сезоне удостоенному премии фестиваля им. А. Миронова «Фигаро» за верность репертуарному театру.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановХудожник – Максим ОбрезковМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваБалетмейстер – Олег ГлушковПродолжительность спектакля – два часа с одним антрактом.Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет.Свернуть

Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса —…Подробнее Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса — Александр Коручеков). Это волшебная сказка, где звезды разговаривают, люди летают, где странное поведение персонажей – норма. Где герой истории мальчик Питер Пэн не хочет становиться взрослым, поэтому он убежал из дома и поселился среди фей в Кенсингтонском парке. Питер Пэн появляется в доме Дарлингов среди ночи, с феей Чинь-Чин с захватывающими рассказами о сказочной стране, увлекая ими детей, и улетает с ними в неведомое прекрасное пространство, где все необычно – времена года меняются ежечасно, где полно русалок, крокодилов, краснокожих индейцев, пиратов. Невообразимое стечение событий, поединков, фантастические истории ожидают Джона, Майка и Венди Дарлингов в компании потерявшихся мальчиков. От смертельной опасности их спасает Питер Пэн, победивший Капитана Крюка. Дети возвращаются в отеческий дом, где их ждут счастливые родители, они вырастают, и только Питер Пэн остается мальчишкой, который с трудом узнает повзрослевших друзей. Александр Коручеков, режиссер: «Есть знаковые сказки, которые выходят за рамки детской литературы. Как, например, «Алиса в стране чудес». Такова и история о Питере Пэне, мальчике, который не хотел взрослеть. Питер Пэн – это глубокая история, в ней много пластов. Этому произведению посвящены тома исследований, где выясняют, что такое взрослость, что такое детскость. У Джеймса Барри – есть и пьеса, и повесть о Питере Пэне. Пьеса замечательная, но ее надо ставить на большой сцене, делать мюзикл, в котором использовать машинерию, пригласить акробатов, фокусников, сделать сложный постановочный спектакль. Мы же готовим свою работу на Новой сцене и здесь важны не постановочные эффекты, а игровая суть истории. Ведь детство продолжается, пока человек играет, верит в приключения. Питеру Пэну скучно без игры: он, например, предлагает своим друзьям обедать «понарошку», а когда они понимают, что хотят есть по-настоящему, Питер не дает им возможности покинуть игру, вернуться в реальную жизнь. Игра остается игрой, пока всем весело, пока она в радость. Это очень глубокое и разнообразное произведение, которое исследует важные пласты жизни, ставит проблему неизбежного взросления: как из веселого ребенка – озорника и придумщика – вырастает обыкновенный скучный взрослый человек. Питер не хочет становиться взрослым, ускользает от реальной жизни. Он предпочитает остаться навсегда ребенком. Поэтому он обречен на одиночество. Обратиться к истории о Питере Пэне предложил Римас Туминас, и нам всем эта идея понравилась. Играть спектакль будут студенты IV курса Театрального института имени Б. Щукина. Мне интересно поставить со своими учениками (я – художественный руководитель этого курса) детский спектакль, в который каждый год будут вводиться новые исполнители – очередной выпускной курс. Мы постараемся уйти от иллюстративности и не хотим заигрывать с детьми-зрителями, хотя сценическое пространство предполагает тесный контакт с публикой. Наша задача – разбудить фантазию ребенка, заставить его включаться в ситуации, чтобы нашим маленьким зрителям хотелось дома доиграть, что-то додумать. Мы призываем детей к сотворчеству. Этот спектакль рассчитан и на детей с 6–7 лет, и на взрослых, мам и пап, особенно на тех, кто в душе так и остался ребенком». Премьера спектакля «ПИТЕР ПЭН» продолжила ПАРАД ПРЕМЬЕР на Новой сцене Театра Вахтангова 26 декабря 2015 года. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет (6+). Обращаем Ваше внимание, что все посещающие Театр зрители, вне зависимости от их возраста, должны иметь отдельный билет. Режиссер-постановщик — Александр Коручеков Художник-сценограф — Максим Обрезков Художник по костюмам — Мария Данилова Художник по свету — Нарек Туманян Хореограф — Сергей Землянский Композитор — Петр Налич В спектакле звучит музыка «The Beatles», «Queen», группы «АукцЫон» Благорарим за помощь в создании спектакля Ольгу Лерман, Арама Мирзоянца, Светлану Федотову.Свернуть

Автор пьесы «Ветер шумит в тополях» Жеральд Сиблейрас – современный французский драматург, родился в 1961 году. В начале писательской деятельности работал над составлением диалогов и сценариев для…Подробнее Автор пьесы «Ветер шумит в тополях» Жеральд Сиблейрас – современный французский драматург, родился в 1961 году. В начале писательской деятельности работал над составлением диалогов и сценариев для фильмов. В соавторстве с Жаном Делом написал ряд пьес; одна из них, «Маленькая игра без последствий», принесла авторам невероятный успех и в 2003 году была удостоена театральной премии Мольера в пяти номинациях, в том числе «Лучшая французская пьеса года». Самостоятельная работа Ж. Сиблейраса «Ветер шумит в тополях» получила в 2006 году премию Лоуренса Оливье в номинации «Лучшая комедия». Жеральд Сиблейрас почти не известен в России, что не справедливо, ибо обладает безусловными достоинствами. Он – мастер остроумного диалога, его чувство юмора – безусловно, он философ и провокатор. Его герои – амбициозные чудаки, их самоирония беспощадна, а мечтательность наивна. На террасе дома престарелых встречаются три человека, у каждого свое прошлое, но сегодня они объединены одним будущим — старостью и границами этого дома. Скучная история? Нет. Ибо ее герои сосредоточены не на уходе из жизни, а борьбе за нее с обстоятельствами, комплексами, хворями, и нисколько не похожи на уходящую натуру. Жизнь будоражит их, мешает унынью. А прихватившие болячки – лишь повод для самоиронии. Соотечественник Ж. Сиблейраса Шарль де Голль сказал: «Достоинство нации определяется чувством юмора по отношению к себе». Этим качеством всецело обладают герои пьесы, в бесконечных перепалках друг с другом протекают мгновения их жизни, они мечтают о том, что не может случиться, и каждое утро приходят на террасу, как герои Беккета к засохшему дереву, зная, что ближайшая реальность – смерть. Историю трех чудаков поведают замечательные актеры – В. Вдовиченков, М. Суханов, В. Симонов в постановке Римаса Туминаса, чья режиссура – то живопись, то графика, которую он творит вместе с актерами, а когда работа закончена, уходит, и картина – спектакль – начинает самостоятельную жизнь. Так и в этой работе: они ищут ответы на вопросы о вечности, гордости, любви, сострадании, и в этой многокрасочности заключена мощная энергетика, которая, надеемся, перехлестнет через рампу и захватит зрителей. Совместный проект Театра имени Евгения Вахтангова и Международного театрального агентства «Арт-Партнер ХХI». Автор – Жеральд Сиблейрас Постановка – Римас Туминас Сценография и костюмы – Адомас Яцовскис Музыка – Фаустас Латенас Действующие лица и исполнители: Густав – Владимир Вдовиченков Фернан – Максим Суханов Рене – Владимир СимоновСвернуть

Премьера! Гюстав Флобер (1812 – 1880) – французский писатель-реалист, один из крупнейших представителей XIX века. Над романом «Мадам Бовари» Гюстав Флобер работал 6 лет. После публикации романа в журнале «Ревю…Подробнее Премьера! Гюстав Флобер (1812 – 1880) – французский писатель-реалист, один из крупнейших представителей XIX века. Над романом «Мадам Бовари» Гюстав Флобер работал 6 лет. После публикации романа в журнале «Ревю де Пари» Флобер и редактор журнала были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Реалистический психологизм был признан оскорблением общества. Впоследствии вынесен оправдательный приговор, а роман выпущен отдельным изданием. Гюстав Флобер был известен в России, русская критика восторженно приняла его в переводе И. Тургенева. Его романы пользовались успехом. М. Мусоргский написал оперу по мотивам «Саламбо». Для творчества Гюстава Флобера свойственна тщательная разработка характера с подробностями в деталях. С истории дочери фермера Руо, на которой женится провинциальный врач Шарль Бовари и, вскоре после венчания разочарованной в браке, пустившейся в поиск утешения на стороне, начинается сюжет Эммы Бовари. Но её увлечения Леоном Дюпюи и Родольфом Буланже бесперспективны. Разрыв с ними и семейные неурядицы повергают Эмму в депрессию. Она безотчётно тратит деньги мужа, обрастая долгами. Тайно продаёт приносившее небольшой доход поместье Шарля. Любовники не спасают её от разорения. Отчаявшись, Эмма принимает мышьяк, вскоре после неё скоропостижно уходит в мир иной Шарль. В ходе работы Гюстав Флобер неоднократно переделывал роман, отрицая наличие прототипа героини, заявив однажды: «Госпожа Бовари – это я». Ольга Субботина закончила режиссёрский факультет ГИТИСа (мастерская Л. Хейфеца). С 1997 года работает театральным режиссёром. Участвовала в создании Центра драматургии и режиссуры под руководством А. Казанцева и М. Рощина, где поставила 10 спектаклей, среди них «Заговор чувств» Ю. Олеши, «Ощущение бороды» К. Драгунской, «Половое покрытие» Братьев Пресняковых. Сотрудничала с театрами: Сатиры, Балтийский дом. Ставила спектакли в Финляндии и Франции. Сняла 3 художественных фильма и 7 сериалов на TV. Как режиссёр-ассистент работала с Петером Штайном и Декланом Донелланом. Режиссёр Ольга Субботина: «Когда мы слышим название этого произведения – «Мадам Бовари» – нам представляется нечто заунывно-кружевное, очень дамское, слезливое, и – всё про любовь! Но стоит сегодня перечитать роман Флобера, как вы с удивлением обнаруживаете невероятный, лихой и даже чёрный юмор; великолепную галерею образов в гоголевских тонах; искромётные сцены… «Копнув под Флобера», мы открыли для себя несколько особенностей – что автор (ныне безусловный классик!) был судим за этот роман уголовным судом; что Шарль Бовари был его… одноклассником! Да и ещё кучу всяких невероятных параллелей с сегодняшним днём, с русской литературой… Я не хочу выделять только Мадам Бовари, так как Эмма в романе не одна – вокруг неё муж, свекровь, дочь, да и вообще – всё провинциальное общество – всё это такое собирательное понятие «Бовари». Спектакль создан в уникальном пространстве – зрители смогут побывать сразу в двух залах Симоновской сцены: первое действие спектакля идет в Амфитеатре, второе — в Камерном зале. Внимание! Место, указанное в билете, будет действительно в первом акте спектакля, место на второй акт будет предоставлено администратором.Свернуть

Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса —…Подробнее Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса — Александр Коручеков). Это волшебная сказка, где звезды разговаривают, люди летают, где странное поведение персонажей – норма. Где герой истории мальчик Питер Пэн не хочет становиться взрослым, поэтому он убежал из дома и поселился среди фей в Кенсингтонском парке. Питер Пэн появляется в доме Дарлингов среди ночи, с феей Чинь-Чин с захватывающими рассказами о сказочной стране, увлекая ими детей, и улетает с ними в неведомое прекрасное пространство, где все необычно – времена года меняются ежечасно, где полно русалок, крокодилов, краснокожих индейцев, пиратов. Невообразимое стечение событий, поединков, фантастические истории ожидают Джона, Майка и Венди Дарлингов в компании потерявшихся мальчиков. От смертельной опасности их спасает Питер Пэн, победивший Капитана Крюка. Дети возвращаются в отеческий дом, где их ждут счастливые родители, они вырастают, и только Питер Пэн остается мальчишкой, который с трудом узнает повзрослевших друзей. Александр Коручеков, режиссер: «Есть знаковые сказки, которые выходят за рамки детской литературы. Как, например, «Алиса в стране чудес». Такова и история о Питере Пэне, мальчике, который не хотел взрослеть. Питер Пэн – это глубокая история, в ней много пластов. Этому произведению посвящены тома исследований, где выясняют, что такое взрослость, что такое детскость. У Джеймса Барри – есть и пьеса, и повесть о Питере Пэне. Пьеса замечательная, но ее надо ставить на большой сцене, делать мюзикл, в котором использовать машинерию, пригласить акробатов, фокусников, сделать сложный постановочный спектакль. Мы же готовим свою работу на Новой сцене и здесь важны не постановочные эффекты, а игровая суть истории. Ведь детство продолжается, пока человек играет, верит в приключения. Питеру Пэну скучно без игры: он, например, предлагает своим друзьям обедать «понарошку», а когда они понимают, что хотят есть по-настоящему, Питер не дает им возможности покинуть игру, вернуться в реальную жизнь. Игра остается игрой, пока всем весело, пока она в радость. Это очень глубокое и разнообразное произведение, которое исследует важные пласты жизни, ставит проблему неизбежного взросления: как из веселого ребенка – озорника и придумщика – вырастает обыкновенный скучный взрослый человек. Питер не хочет становиться взрослым, ускользает от реальной жизни. Он предпочитает остаться навсегда ребенком. Поэтому он обречен на одиночество. Обратиться к истории о Питере Пэне предложил Римас Туминас, и нам всем эта идея понравилась. Играть спектакль будут студенты IV курса Театрального института имени Б. Щукина. Мне интересно поставить со своими учениками (я – художественный руководитель этого курса) детский спектакль, в который каждый год будут вводиться новые исполнители – очередной выпускной курс. Мы постараемся уйти от иллюстративности и не хотим заигрывать с детьми-зрителями, хотя сценическое пространство предполагает тесный контакт с публикой. Наша задача – разбудить фантазию ребенка, заставить его включаться в ситуации, чтобы нашим маленьким зрителям хотелось дома доиграть, что-то додумать. Мы призываем детей к сотворчеству. Этот спектакль рассчитан и на детей с 6–7 лет, и на взрослых, мам и пап, особенно на тех, кто в душе так и остался ребенком». Премьера спектакля «ПИТЕР ПЭН» продолжила ПАРАД ПРЕМЬЕР на Новой сцене Театра Вахтангова 26 декабря 2015 года. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет (6+). Обращаем Ваше внимание, что все посещающие Театр зрители, вне зависимости от их возраста, должны иметь отдельный билет. Режиссер-постановщик — Александр Коручеков Художник-сценограф — Максим Обрезков Художник по костюмам — Мария Данилова Художник по свету — Нарек Туманян Хореограф — Сергей Землянский Композитор — Петр Налич В спектакле звучит музыка «The Beatles», «Queen», группы «АукцЫон» Благорарим за помощь в создании спектакля Ольгу Лерман, Арама Мирзоянца, Светлану Федотову.Свернуть

Пьеса «Бег» – знаковое для творчества Михаила Булгакова произведение. Е.С. Булгакова вспоминала: «Это была любимая пьеса Михаила Афанасьевича. Он любил эту пьесу, как мать любит ребенка».Валентин Каверин писал о пьесе: «Бег»…Подробнее Пьеса «Бег» – знаковое для творчества Михаила Булгакова произведение. Е.С. Булгакова вспоминала: «Это была любимая пьеса Михаила Афанасьевича. Он любил эту пьесу, как мать любит ребенка».Валентин Каверин писал о пьесе: «Бег» разрушает условные границы жанра, то перед нами психологическая драма, то фантасмагория, почти выпадающая из реальных представлений об окружающем мире».Сценическая история пьесы «Бег» была непростой. После запрета в 1928 году ее репетиций во МХАТе, вопрос о постановке «Бега» четырежды рассматривался на заседаниях Политбюро. Второго, после «Дней Турбиных», появления белого офицерства на сцене власти не допустили. При жизни автора пьеса не была поставлена, что «было для М. Булгакова почти катастрофой». Премьера «Бега» состоялась только в 1957 году в Сталинграде.«Пьеса почти не имеет сценической истории. Семь более – менее известных постановок за 87 лет – это почти ничего. Факт довольно удивительный, учитывая восприятие пьесы как шедевра. И дело тут, как мне кажется, не в острой социальности,... а в загадочной театральной фактуре, в невозможности найти сценический эквивалент фантастическим, невообразимым ремаркам Булгакова, да и самому тексту, произносимому людьми, населяющими эту пьесу. Вот такая, например, ремарка: «Поднимаясь в гибельные выси…». Это что такое? Это можно сыграть??? Это как??? Но как прекрасно! И не надо искать основу для постановки пьесы в событиях реальной жизни – это тупиковый путь, сужающий поиск и тему.«Бег» для меня – это состояние человека, проснувшегося после сна, в котором его преследовал кошмар, видения… а утром ты обретаешь покой… Ты один, очень тихо, в соседней комнате спят родные,.. все хорошо,.. и ты спокоен и счастлив…» Юрий Бутусов.Режиссер – Юрий БутусовСценография – Александр ШишкинХудожник по костюмам – Максим ОбрезковХудожник по свету – Александр СиваевБалетмейстер – Николай РеутовХудожник по гриму – Ольга КалявинаЗвуковой дизайн – Андрей МирныйВ спектакле звучат стихотворения И. Бродского, В. Маяковского, А. Володина, С. ДовлатоваПродолжительность спектакля 3 ч. 50 мин.Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+).Свернуть

К открытию Новой сцены Вахтанговского театра Анжелика Холина создала новый спектакль, основанный на музыке романтических классических балетов – «Мужчины и женщины» (или Сценарии, по которым живут…Подробнее К открытию Новой сцены Вахтанговского театра Анжелика Холина создала новый спектакль, основанный на музыке романтических классических балетов – «Мужчины и женщины» (или Сценарии, по которым живут люди). Этот спектакль — повествование, сотканное из постоянных превращений отношений и чувств: кокетство, любовь, страсть, ревность, соперничество, предательство. Мужчины и женщины — какие они есть и какими хотят казаться. Анжелика Холина: «Этот спектакль – фантазия на тему Любви, трагическая комедия, которая соткана из моих наблюдений. Я назвала его «Мужчины и Женщины» потому что он именно о мужчинах и о женщинах. Мне хотелось ответить на вопрос, почему у людей в отношениях ничего не получается до конца, почему столько разрушенных союзов и сломанных судеб? В спектакле разыгрываются истории жизни мужчин и женщин с рождения, с чистоты, веры, с поиска любви и до конца их земного существования, когда любовь, которую они искали, встретили, пережили – умирает. Любовь – не романтическое все обещающее чувство. Это столкновение двух разных природ, женской и мужской. Огромным разрушительным оружием в отношениях является ЭГО человека, поэтому любовь часто приносит людям только боль. Мужчинам и женщинам надо учиться быть вместе и до конца бороться за свою любовь, даже когда их природная несовместимость становится невыносимой». Премьера спектакля продолжила «Парад премьер» Новой сцены 7 октября 2015 года. Продолжительность спектакля 2 ч.10 минут с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-хореограф и автор либретто — Анжелика Холина Художник-сценограф — Мариус Яцовскис Художник по костюмам и гриму — Юозас Статкевичус Художник по свету — Тадас Валейка Балетмейстер-репетитор — Живиле Байкштите Действующие лица и исполнители: Мужчины: Дмитрий Ендальцев, Александр Константинов, Павел Попов, Денис Самойлов, Павел Юдин Женщины: Ася Домская, Ксения Кубасова, Анастасия Лукьянова, Аня Чиповская, Лада ЧуровскаяСвернуть

Комедия Эрве в трех действиях.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваСценография – Борис ВалуевХудожник по костюмам – Светлана СиницынаХудожник-гример –…Подробнее Комедия Эрве в трех действиях.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваСценография – Борис ВалуевХудожник по костюмам – Светлана СиницынаХудожник-гример – Ольга КалявинаХудожник по свету – Владимир АмелинВ ролях: Виктор Добронравов / Валерий Ушаков, Евгения Крегжде / Ольга Немогай, Мария Аронова, Владимир Симонов / Артур Иванов, Александр Солдаткин, Лидия Вележева, Павел Любимцев, Юрий Красков, Александра Стрельцина / Ольга Ефремова.Продолжительность спектакля – три часа 50 минутПремьера спектакля состоялась 30 декабря 2004 года«Мадемуазель Нитуш» продолжает традицию вахтанговских музыкальных спектаклей: «Соломенной шляпки», «Дам и гусаров», «Старинных русских водевилей», в которых вахтанговская школа с ее особым шармом, где элегантность и изящество уживаются с остроумной шуткой, прелестным вокалом, озорным танцем, создает особый вахтанговский стиль игры – легкий, ироничный, заразительный.В спектакле, поставленном Владимиром Ивановым, звучит живой оркестр и живые голоса, а его герои, пройдя через все перипетии водевильных интриг, обретают, наконец, каждый свое счастье: хормейстер монастырского пансиона наслаждается постановкой своей оперетты на подмостках дижонского театра, воспитанница пансиона, мечтавшая о театре, становится певицей и находит свое личное счастье в лице блистательного драгунского лейтенанта Шамплатро.Свернуть

Спектакль создан при поддержке Департамента культуры города Москвы Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 октября 2016 года. Выпускница Мастерской…Подробнее Спектакль создан при поддержке Департамента культуры города Москвы Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 октября 2016 года. Выпускница Мастерской Римаса Туминаса Гульназ Балпеисова выпустила спектакль по пьесе Августа Стриндберга «Фрекен Жюли». В свое время пьеса была запрещена к публикации за острую тему и слишком откровенный эротизм. Режиссер Гульназ Балпеисова и молодые артисты Первой студии Театра им. Евгения Вахтангова, сохраняя верность духу Стриндберга, предлагают свое прочтение пьесы. Молодая графиня фрекен Жюли остается дома одна в канун праздника Ивановой ночи. Эту ночь она проводит с людьми, с которыми, казалось бы, ее ничего не может связывать – со своими слугами: лакеем Жаном и кухаркой Кристиной. Все они никогда не смогут понять друг друга, слишком многое их разделяет: статус; воспитание; интеллект; вера; кровь, в конце концов. Но какие-то таинственные силы притягивают их, вынуждают остаться в эту праздничную ночь вместе. И решение становится для них роковым. Молодой режиссер читает пьесу по-своему. Она делает акцент на том, что природа конфликта лежит не в социальном устройстве какого-либо общества, но в экзистенциальной плоскости, в самой природе оппозиции мужчина-женщина. На сцене больше нет Графини, Лакея и Кухарки, но есть две абсолютно разные женщины и один мужчина. Этот мужчина будет пытаться выстроить диалог с каждой из них, будет подстраиваться, стараться понять обеих. А эти женщины настолько не похожи, что Жану придется очень сложно. Что приемлемо для одной, невозможно для другой; что одна ценит и уважает, то для другой не существует. Но все же кое-что их объединяет, они обе женщины. Зритель получит возможность соотнести себя с героями на сцене и ответить на глубинные, неудобные в повседневной жизни вопросы: что на деле важно для меня в связи с мужчиной/женщиной, быть может, я лишь реализую свое эго или же состою в диалоге с партнером, существует ли пространство для личного выбора или же все давно решено за нас? Продолжительность спектакля 2 час 20 минут с антрактом Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). ействующие лица и исполнители: Фрекен Жюли — Полина Кузьминская Кристина — Яна Соболевская Жан — Павел Попов / Владимир ШульевСвернуть

Премьера спектакля состоялась 9 апреля 2014 года. Великая актриса Сара Бернар пытается реконструировать события прожитого. В воспоминаниях она опять на сцене, в детстве, в конфликте…Подробнее Премьера спектакля состоялась 9 апреля 2014 года. Великая актриса Сара Бернар пытается реконструировать события прожитого. В воспоминаниях она опять на сцене, в детстве, в конфликте с матерью, в разговорах с любовником. Зачем ей это? Да, чтобы наполнить угасающую жизнь эмоциями, страстями, но уже в воспоминаниях. Ей по-прежнему нужна сцена, партнеры. И Сара Бернар произносит монологи, разыгрывает диалоги со своим секретарем Питу. Театр – ее жизнь, ей необходим адреналин и это – сцена, в которую она превращает берег французского курорта Бель Иль ан Мер. Питу понимает, что значит для актрисы театр. Она – уходящая натура. Ей не удалось закончить полемику с оппонентами, поскольку последние ушли из жизни, слова оказались не высказанными, но Сара Бернар с упорством продолжает односторонний спор. Для нее реальность и уход в небытие, в котором эфемерность прожитого, чувства, страдания, иррациональность, страсти, алогизмы – органичны. Это и есть жизнь, а, следовательно, это и есть – театр. Продолжительность спектакля 1 час 45 мин. без антракта. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка — Михаил Цитриняк Художник — Мария Рыбасова Художник по костюмам — Виктория Севрюкова Композитор — Борис Кинер, Александр Прокопович Перевод — Мария Зонина Действующие лица и исполнители: Сара Бернар — Юлия Рутберг Жорж Питу — Андрей ИльинСвернуть

Премьера — 8 апреля 2018 года Пьеса Ники Симоновой «Фрида. Жизнь в цвете» о всемирно известных мексиканских художниках Фриде Кало и Диего Ривере. Об их творчестве, любви, противоречиях, спорах…Подробнее Премьера — 8 апреля 2018 года Пьеса Ники Симоновой «Фрида. Жизнь в цвете» о всемирно известных мексиканских художниках Фриде Кало и Диего Ривере. Об их творчестве, любви, противоречиях, спорах и примирениях. Об их непростой судьбе: изменах и расставаниях, — которые неспособны были разрушить их творческую общность. Фрида Кало родилась 6 июля 1907 года в пригороде Мехико. В восемнадцать лет она попала в тяжёлую аварию и получила серьёзные травмы, год была прикована к постели, а проблемы со здоровьем остались на всю жизнь. Именно после трагедии она впервые занялась живописью. В 1929 году вышла замуж за Диего Риверу, ей было 22, ему — 43. Их сближало не только искусство, но и общие политические убеждения — коммунистические. Их бурная совместная жизнь стала легендой. Спустя много лет Фрида говорила: «В моей жизни было две аварии: одна — когда автобус врезался в трамвай, другая — это Диего». В работах Фриды Кало заметно очень сильное влияние народного мексиканского искусства. Её творчество насыщено символами, и одновременно влиянием европейской живописи, что особенно проявляется в её ранних работах, равно как и присутствие стилистики наивного искусства. Большое влияние на живопись Фриды Кало оказал Диего Ривера. В её творчестве преобладает жанр автопортрета, метафорически отражающего события её жизни. В 1953 году состоялась первая персональная выставка художницы на её родине. В 2003 году выставка работ Фриды Кало и её фотографий прошла в Москве. Яркая и неординарная личность Фриды Кало нашла своё отражение в литературе и кинематографе. Диего Ривера родился 8 декабря 1886 года на северо-западе Мексики. С 1896 по 1902 год брал уроки рисования и живописи в Академии Художеств в Мехико, учился в Мадриде, жил и работал в Париже. Диего Ривера — один из самых знаменитых латиноамериканских художников-монументалистов ХХ века. В своём творчестве обращался к истории и современности коренных народов Америки, и в первую очередь — Мексики. Он испытал влияние как классического европейского изобразительного искусства, так и модернизма, в частности — кубизма. Ему были близки традиционные мексиканские художественные жанры и стили. В 1927 году Диего Ривера приезжал в СССР, участвовал в праздновании десятой годовщины революции. Несколько лет работал в США, его фрески украшают огромное число общественных зданий. Писал на темы фольклорных сюжетов, верований и обычаев народов Мексики и революционного движения в стране. В 1955–56 гг. Ривера вновь посещал СССР. Скончался 24 ноября 1957 года в Мексике, похоронен на территории Ротонды выдающихся деятелей. «Такие люди, как Ороско, Тамайо, Ривера, — подобны вершинам Анд», — сказал поэт Пабло Неруда. Режиссер Лейла Абу-аль-Кишек: «Творчество Фриды Кало неотделимо от ее жизни, большинство ее картин автобиографичны. Ее жизнь настолько насыщена событиями, что может послужить вдохновением для множества драматических произведений. Каждая картина – маленькая пьеса. За три дня до смерти Фрида напишет картину «Viva la Vida!». Это название звучит как манифест всей ее жизни, которую она прожила с благодарностью, несмотря на множество трагических обстоятельств. «Да здравствует Жизнь!» — говорит Фрида Кало на прощание. Спектакль «Фрида. Жизнь в цвете» о том, что скрыто за яркими и, отчасти, наивными картинами Фриды Кало. Это история об одиночестве, страсти, боли, любви и предназначении». Ника Симонова, автор текста «Фрида. Жизнь в цвете»: «История сама по себе настолько драматическая, красочная и самодостаточная, что все время нашей работы над спектаклем она вела нас: автора, режиссера, исполнительницу главной роли и всех создателей спектакля, – за собой, направляя, подсказывая решения. В сценах мы использовали документальные материалы, отрывки из дневника Фриды Кало, фрагменты интервью Диего Риверы, мексиканские крылатые фразы, песни, но также и свой субъективный взгляд на внутреннее развитие персонажей. Для меня «Фрида. Жизнь в цвете» — это в первую очередь история преодолений и подвигов одной маленькой женщины, которой суждено было стать большим художником. Это история любви и публичного одиночества. Это история победы цвета над серостью, выдумки над повседневностью, жизни над смертью». В спектакле звучит народная мексканская музыка Запись музыки осуществлена в студии Театра имени Евгения Вахтангова Звукорежиссёр — Руслан Кнушевицкий В записи принимали участие: Михаил Айнетдинов (труба), Николай Шипулин (гитара, бас-гитара, перкуссия, ударные), Андрей Сергиевский (рояль, синтезатор), Жазира Абдигали (виолончель) Создатели спектакля выражают благодарность Посольству Мексики в России и лично советнику по культуре Наталье Фортуни за неоценимые консультации в процессе репетиций Продолжительность спектакля 2 часа 30 минут с антрактом Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссёр Лейла Абу-аль-Кишек Художник-постановщик Дина Боровик Композитор Николай Шипулин Хореограф Евгения Любашина Музыкальный руководитель и педагог по вокалу Андрей Сергиевский Художник-гримёр Ольга Калявина Художник по свету Сергей Мясников Звукорежиссёр Екатерина Волкова Помощник режиссёра Рогнеда Смирнова Действующие лица и исполнители: Ведущий — Андрей Удалов Певица — Полина Чернышова Фрида Кало — Аделина Гизатуллина Алехандро Ариас — Константин Белошапка Кристина Кало — Анастасия Жданова Диего Ривера — Денис Самойлов Лупе Марин — Мария Волкова / Наталья Винокурова Лев Троцкий — Павел ЮдинСвернуть

Премьера — 17 декабря 2016 года. Творческий тандем народного артиста СССР Владимира Этуша и режиссера – заслуженного деятеля искусств РФ Владимира Иванова давно радует Вахтанговскую публику.Подробнее Премьера — 17 декабря 2016 года. Творческий тандем народного артиста СССР Владимира Этуша и режиссера – заслуженного деятеля искусств РФ Владимира Иванова давно радует Вахтанговскую публику. Уже 16 лет не сходит с подмостков Театра Вахтангова «Дядюшкин сон» по Ф.М. Достоевскому (спектакль был сыгран 250 раз). 5 лет идёт «Цена» Артура Миллера — фрагмент спектакля «Пристань». Представления снискали несомненный успех у зрителей. В постановка Владимира Иванова психологическая глубина характеров сочетается с ирониничной лёгкостью и ярким гротеском. Успешное совместное творчество продолжилось в новом спектакле. На этот раз материалом постановки стала знаменитая пьеса Надежды Птушкиной «Пока она умирала». Но в сценической версии театра получила не только новое название – «Бенефис», но и несколько измененный сюжет. Поклонников Владимира Этуша ждет неожиданный сюрприз. Зрителям предстоит встреча с любимым артистом в совершенно новом качестве. Легендарный артист пошел на рискованный эксперимент с одним желанием – испытать себя в иной ипостаси. Продолжительность спектакля 2 часа 50 минут с одним антрактом Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка и сценическая версия Владимир Иванов Сценография и костюмы Максим Обрезков Музыкальный руководитель Татьяна Агаева, Арам Мирзоянц Художник-гример Ольга Калявина Художник по свету Александр Матвеев Звукорежиссеры Андрей Герасимов, Анатолий Ибрагимов Помощник режиссера Ирина Горошкова Действующие лица и исполнители: Александр Петрович, пожарник — Владимир Этуш Павел, актер — Евгений Князев Кира, актриса — Ольга Тумайкина Лена, молодая актриса — Екатерина Симонова Геннадий Петрович, директор театра — Сергей Пинегин Помощник режиссера — Светлана ИозефийСвернуть

Премьера спектакля состоялась 14 октября 2016 года на Новой сцене Вахтанговского театра! Театр благодарит за помощь в создании спектакля И.А. Маршака. Первый звонок… Первый школьный день……Подробнее Премьера спектакля состоялась 14 октября 2016 года на Новой сцене Вахтанговского театра! Театр благодарит за помощь в создании спектакля И.А. Маршака. Первый звонок… Первый школьный день… Мальчики и девочки, полные жизни и радости, полные надежд рассказывают о себе, о родителях, о своих мечтах. Так начинается их общая биография. Так начинается пьеса «Наш класс». С этими десятью ребятами за время спектакля мы проживем десять жизней. Они будут дружить, веселиться, ссориться, мириться, драться. Они будут спасать и предавать друг друга, любить, ревновать, ненавидеть. И только одного они никогда не смогут – разорвать ту невидимую нить, которою связаны их жизни. Ибо – «одноклассник все равно, что родственник». В 2008 году польский драматург Тадеуш Слободзянек написал пьесу, название которой призывало осознать трудные уроки истории — «Наш класс. История в 14 уроках». Действие начинается в маленьком городке в конце 20-х годов, а судьбы персонажей — польских и еврейских мальчиков и девочек из одного класса — прослеживаются до наших дней. У десяти героев пьесы есть реальные прототипы, и события, описанные в пьесе, действительно происходили в польском городке Едвабне. Режиссер спектакля Наталья Ковалева:«В 2000 году вышла книга Я. Т. Гросса «Соседи» о Едвабне. Она вызвала в польском обществе шок, расколов его на два лагеря: желавших и не желавших признать свою вину. Для поляков это история их страны. Но ведь и в истории нашей страны есть трудные страницы. И это не только история: и сегодня нам часто приходится делать трудный выбор. За свой поступок отвечаем мы сами. Как поступить так, чтобы не захлебнуться поздним раскаянием? Работая над спектаклем, я часто задавала вопрос себе: «А что бы я сделала?». И оправдание, которое звучит у героев пьесы: «А что я мог сделать?», — не есть ответ. Так что для меня эта история — общечеловеческая. Везде, где человек зажат в кулак диктатуры, он перестает быть человеком — он становится волком, окружённым красными флажками. От страха он сеет зло вокруг себя, и в результате не может жить сам. Как выскочить за флажки? Мне думается, что о сложных уроках истории необходимо разговаривать с людьми языком театра, ибо он прост и нагляден: здесь перед живым человеком (зрителем) живой человек (артист) за пару часов проживает целую жизнь, проявляя тайные механизмы судьбы человека: связи его прошлого с настоящим и будущим». Тадеуш Слободзянек не летописец, который «добру и злу внимает равнодушно». Он глубоко встревожен вечными вопросами, он ведет битву за человека. Потому и достигает глубины художественного обобщения явлений. Пьеса «Наш класс» была отмечена главной литературной премией Польши Нике. При вручении ее автору было отмечено, что пока в Польше есть такие писатели, можно смотреть в будущее оптимистически. Спектакль рекомендован для зрителей старше 18 лет (18+). Продолжительность спектакля — 3 часа с одним антрактом. Режиссер — Наталья Ковалева Художник — Александр Боровский Композитор — Клавдия Тарабрина Хореограф — Ирина Филиппова Действующие лица и исполнители: Зоська — Полина Кузьминская Рахелька — Ксения Кубасова Дора — Дарья Щербакова Якуб Кац — Эльдар Трамов Рысек — Юрий Поляк Менахем — Владимир Шульев Зигмунт — Владимир Логвинов Хенек — Алексей Гиммельрейх Владек — Павел Попов Абрам — Максим СевриновскийСвернуть

Спектакль — Лауреат Вампиловского фестиваля. 90-ЛЕТИЮ А.И. СОЛЖЕНИЦЫНА Премьера спектакля состоялась 13 апреля 2008 г. «...На сто восемьдесят четвертом километре от Москвы по ветке, что идет к Мурому и Казани,…Подробнее Спектакль — Лауреат Вампиловского фестиваля. 90-ЛЕТИЮ А.И. СОЛЖЕНИЦЫНА Премьера спектакля состоялась 13 апреля 2008 г. «...На сто восемьдесят четвертом километре от Москвы по ветке, что идет к Мурому и Казани, еще с добрых полгода после того все поезда замедляли ход почти как бы до ощупи. Пассажиры льнули к стеклам, выходили в тамбур: чинят ли пути, что ли? Из графика вышел? Нет. Пройдя переезд, поезд опять набирал скорость, пассажиры усаживались. Только машинисты знали и помнили, отчего это все. Да я.» Небольшой рассказ А.И. Солженицына «Матренин двор», написанный полвека назад и опубликованный в 1963 г. в журнале «Новый мир», возглавляемом А.Твардовским, стал событием в литературе, словом правды о судьбе простой женщины — скромной, совестливой, с душой огромной и светлой. «Все мы жили рядом с ней и не поняли, что есть она тот самый праведник, без которого, по пословице, не стоит село. Ни город. Ни вся земля наша» (А.И.Солженицын). Идея создания сценической редакции рассказа принадлежит Александру Михайлову, он долго жил с этой мыслью, пока не поделился ею с профессором Щукинского училища В.В. Ивановым — режиссером Театра им. Евг.Вахтангова. Желания совпали. Владимир Иванов владеет редким режиссерским даром психологического анализа, тончайшей разработкой характеров, в сочетании с точно угаданной интонацией автора. Эти качества пригодились в работе над прозой А.И.Солженицына. В соавторстве с Александром и Еленой Михайловыми, в свое время закончившими Щукинское училище, художником Максимом Обрезковым, режиссером и автором сценической версии Владимиром Ивановым родился спектакль «Матренин двор». Премьера его окончательной редакции состоялась 13 апреля 2008 г. на малой сцене театра им. Евг.Вахтангова. Н.Д. Солженицына с уважением отнеслась к этой работе и одобрила ее. Спектакль «Матренин двор" — подарок вахтанговцев к 90-летию Александра Исаевича Солженицына — великого писателя и гражданина. Продолжительность спектакля 1 час 40 минут без антракта. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Автор сценической версии и режиссер-постановщик — Владимир Иванов Автор идеи — Александр Михайлов Художник — Максим Обрезков Музыкальное оформление — Татьяна Агаева Консультант по вокалу — Светлана Игнатьева Художник-гример — Ольга Калявина Художник по свету — Елена Шумова Действующие лица и исполнители: Матрена — Елена Михайлова Игнатич — Александр МихайловСвернуть

Дидье Карон (12 июня 1963) начинал свою карьеру в качестве служащего небольшого банка. Но вскоре творческая натура Карона потребовала перемен. Он пробует себя в литературных жанрах, пишет…Подробнее Дидье Карон (12 июня 1963) начинал свою карьеру в качестве служащего небольшого банка. Но вскоре творческая натура Карона потребовала перемен. Он пробует себя в литературных жанрах, пишет первую пьесу «Благотворительность по заказу», которую поставили в театре «Сплендид», и несколько одноактных пьес, пробует роль артиста, снимаясь в небольших сериалах. Признание и успех в 2002 году принесет ему пьеса «Настоящее счастье», по которой он снимет свой первый полнометражный фильм. С тех пор Карон активно работает режиссером, актером, драматургом. С 2008 года руководит одним из самых старых и популярных театров Мишель в Париже. В его репертуаре сегодня с большим успехом идут две пьесы Карона — «Фальшивая нота», в которой он играет одну из главных ролей и «Сад Альфонса». «Фальшивая нота» написана в 2017 году и летом была показана на фестивале в Авиньоне. Всемирно известный дирижер Миллер только что завершил свой концерт в Женевской филармонии. Он недоволен своим оркестром и крайне раздражен. В его гримерной неожиданно появляется зритель, который специально приехал из Бельгии, чтобы присутствовать на этом концерте. Давний поклонник творчества Миллера, он жаждет получить автограф и фотографию маэстро на память. Но что стоит за этой встречей? Только ли желание выразить свой восторг или заранее заготовленный план? Встреча этих двух людей изменит жизнь каждого, превратившись в поединок, в результате которого поменяется мировоззрение и философия жизни обоих персонажей. Почти детективная история, где жертва и палач подчас меняются местами и держат зал в напряжении в течение всего спектакля. Премьера спектакля «Фальшивая нота» состоится 15 сентября – в день открытия 98-го сезона на основной сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Постановка — Римас Туминас Режиссер — Алексей Кузнецов Сценография — Адомас Яцовскис Костюмы — Максим Обрезков Композитор — Фаустас Латенас Перевод — Ирина Прохорова, Александр Браиловский Действующие лица и исполнители: Миллер — Алексей Гуськов Динкель — Геннадий ХазановСвернуть

Премьера спектакля — 2 марта 2017 года. Спектакль в постановке выпускника Мастерской Римаса Туминаса — Владимира Бельдияна. «А где же еще в наш рациональный и прагматичный век можно встретить таких дураков,…Подробнее Премьера спектакля — 2 марта 2017 года. Спектакль в постановке выпускника Мастерской Римаса Туминаса — Владимира Бельдияна. «А где же еще в наш рациональный и прагматичный век можно встретить таких дураков, которые так упорно еще чего–то ждут и на что-то надеятся, если не в театре?» (Римас Туминас). Владимир Что мы здесь делаем — вот в чем вопрос! И наше счастье, что случилось так, что мы знаем ответ. Да! В этом невероятном хаосе ясно только одно — мы ждём, когда придёт Годо… ... или когда наступит ночь. У нас назначена встреча, и точка. Мы не святые, но у нас назначена встреча. Сколько людей могут похвастаться тем же? Эстрагон Миллиарды. Беккет – писатель отчаяния. Но его почти неразличимый голос слышен, когда мы перестаем верить, что «человек – это звучит гордо». В пьесе «В ожидании Годо» Сэмюэля Беккета рассказана трогательная история о бродягах, живущих на обочине жизни, повязанных друг с другом общностью судьбы, надежд и ожиданий. Они бесконечно одиноки в этом мире, где счастливые истории всегда чужие. Каждый день они встречаются под засохшим деревом и ждут... В этом спектакле клоунада органично соседствует с трагедией, мистика с реальным миром. Живые люди превращаются в знаковые фигуры, а отвлечённое понятие времени обретает пластическое выражение. «В ожидании Годо» — это театр жизни, иллюзии и жестокой правды. «В ожидания Годо», где царит страх, не ушедший еще из Европы 1940-х после окончания самой жуткой из войн: Второй Мировой войны. Страх перед завтрашним днем, с наступлением которого кто-то уже не проснется был знаком Беккету, принимавшему участие во французском Сопротивлении. Война, говорят ветераны, это, прежде всего, одуряющее ожидание конца. Странные разговоры персонажей Беккета многие воспринимают как торжество абсурдистского юмора; но, быть может, единственная цель их бесед– спастись от страха бытия и пустоты мира, которая вдруг заявила о себе. Речь разрушает тишину. Но живы мы не когда говорим, а только когда нас слышат. Не случайно персонажи Беккета в спектакле похожи на клоунов. Увидеть в современном человеке не героя, а клоуна – не значит его унизить. Наборот в клоунах европейского театрального авангарда заключено стремление стать героем, обрести смысл существования, пусть даже природа современного человека, на взгляд Беккета, не очень-то соответствует привычному облику героя. Единственное занятие, которое персонажи Беккета признают для себя достойным, – ждать Годо. Многие критики отмечали неслучайность сходства в английском имени “God” (Бог) и “Godo” (Годо). Вероятно, Беккет хочет сказать своему зрителю, что ожидание Годо – единственное достойное занятие в мире, лишенном героизма и силящемся вновь обрести былую красоту. Беккет наотрез отказывался от звания абсурдиста, назвав свою пьесу трагикомедией. В 1969 году он был награжден Нобелевской премией по литературе, в дипломе лауреата стояла формулировка: «за сочинения, которые – в новых формах романа и драмы – обретают возвышенность посреди нищеты современного человека». «Сказка о спасении оборачивается руководством к действию». (Владимир Бельдиян). Продолжительность спектакля 1 час. 45 мин. без антракта Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-постановщик — Владимир Бельдиян Сценография — Владимир Круглов Свет — Александр Матвеев Костюмы, грим, дизайн — Анна Пакулова Звукорежиссеры — Андрей Мирный, Андрей Рыбников Помощник режиссера — Наталья Кузина Действующие лица и исполнители: Владимир — Алексей Гиммельрейх Эстрагон — Матвей Волков Поццо — Владислав Гандрабура Счастливчик — Артем Пархоменко Мальчик — Антон Полосов, Юрий Цокуров Спектакль обслуживают: Константин Белошапка, Александр Галочкин, Александр Горбатов, Оксана СурковаСвернуть

Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 января 2017 года. В спектакле принимают участие выпускники Театрального института имени Бориса Щукина, художественный…Подробнее Молодые — молодым! Премьера спектакля на сцене Первой Студии Вахтанговского театра — 28 января 2017 года. В спектакле принимают участие выпускники Театрального института имени Бориса Щукина, художественный руководитель курса Александр Коручеков. Режиссер Екатерина Зонненштраль о спектакле: «Рассказ «Чужая жена и муж под кроватью» — раннее произведение Достоевского. Он составлен автором из двух отдельных рассказов «Чужая жена» и «Ревнивый муж». В каком-то смысле, этот текст — ирония автора над популярными в то время легкомысленными водевилями. Диалоги легки, почти анекдотичны. Однако сама тема рассказа — ревность и страсть, доведенная до сумасшествия — была для Достоевского очень серьезной, больной. Мысли о ней не покидали его на протяжении всей жизни. Это связано, в том числе и с отношениями в семье родителей: отец Достоевского мучил ревностью свою жену (мать Федора Михайловича), от чего она страдала, ведь любила его по-настоящему преданно. Позже, в расцвете своего творчества, уже зрелый Достоевский вернется к этой теме в рассказе «Вечный муж». Но здесь он напишет уже не легкий водевиль, а практически трагедию в самых реалистичных выражениях. Нам было интересно поработать с текстом «молодого» Достоевского. Здесь его язык еще не совершенен с точки зрения мастерства, но свеж и откровенен в своей наивности. Мы попытались разобраться в нем с помощью языка театра. Эксперимент чист и проводится прямо на ваших глазах. Никаких декораций. Только сцена, пять актеров, зритель и … игра. Игра, которая в процессе спектакля становится откровением». Создатели спектакля выражают особую благодарность: Александру Анатольевичу Коручекову HeadDressLab и отдельно Ларисе Сурковой за создание голубой шляпки, Екатерине Козловой за создание клетчатого плаща. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Продолжительность спектакля — 1 час без антракта. Действующие лица и исполнители: Шабрин — Юрий Цокуров Творогов — Арсений Зонненштраль Глафира — Евгения Ивашова Бобыницын — Федор Парасюк Старик — Федор Парасюк Лиза — Каролина ЕрузалимскаяСвернуть

Премьера — 22 ноября 2018 г. В спектакле заняты: Ольга Тумайкина, Игорь Карташёв, Юрий Поляк, Екатерина Крамзина, Виталийс Семеновс. Андрей Максимов, автор пьесы, режиссёр-постановщик спектакля «Брюсов переулок»: …Подробнее Премьера — 22 ноября 2018 г. В спектакле заняты: Ольга Тумайкина, Игорь Карташёв, Юрий Поляк, Екатерина Крамзина, Виталийс Семеновс. Андрей Максимов, автор пьесы, режиссёр-постановщик спектакля «Брюсов переулок»: «С тех пор как стало известно, что я ставлю в театре Вахтангова пьесу по мотивам произведений Валерия Брюсова, меня начали спрашивать: «Ну, почему именно Брюсов, ныне почти забытый, ну, что в нем такого-эдакого современного?» Мы – люди – забавные создания. Нам искренне кажется, что самые главные поступки в своей жизни мы совершаем, ориентируясь на разум. На самом же деле, своим чувствам мы доверяем гораздо больше. Что такое любовь? Чувство. Разве можно объяснить, почему ты любишь эту даму или ту? Что такое призвание? Это желание делать то или иное дело. А желание – это тоже чувство. На самом деле, чувства гораздо сильнее разума. И гораздо реже обманывают нас, что важно. Я люблю творчество Валерия Брюсова. Причем, прозу больше, чем стихи. Я люблю его странность и таинственность. Невероятное сочетание детективного сюжета (наша история начинается с убийства), мелодрамы (одну женщину любят двое мужчин, а тут еще влюбляется третий) и глубокого, философского отношения к жизни. Все эти слова о любви к Брюсову ничего не объясняют, как ничего не объясняют никакие слова о любви. В его прозе есть необъяснимая тайна и необъяснимая же притягательность. Философ-фантазер… Такое в мировой литературе встречается не часто. Мы пытались соответствовать. Нам хотелось, чтобы разгадывая детективный сюжет, погружаясь в мелодраматические коллизии наших героев, зритель, в конце концов, задумался о себе, о своей жизни, о том, например, какой безнадежно печальной может быть жизнь, если в ней нет Бога. Эпиграф спектакля – слова Достоевского «Без Бога… все позволено». Я благодарен руководителю театра Римасу Владимировичу Туминасу, который, прочитав первый вариант пьесы, не указал мне на дверь, а стал думать, как пьесу улучшить. Его короткие и всегда очень корректные замечания были принципиально важны для нас, и, надеюсь, принципиально улучшили драматургический материал. Я благодарен директору театра Кириллу Игоревичу Кроку и всей фантастической команде театра имени Вахтангова, которые создают для режиссера практически идеальные условия работы. Мой низкий поклон людям, которые поверили в эту идею и пошли со мной. В первую очередь, конечно, спасибо артистам. Я всегда стараюсь делать спектакли, в которых главную роль будет играть артист. Я считаю, что зритель приходит в театральный зал, чтобы увидеть актеров, создающих новых интересных людей, которых интересно разгадывать. Ольга Тумайкина, Витайлис Семеновс, Игорь Карташёв, Екатерина Крамзина, Юрий Поляк – вы лучшие! В нашем спектакле нет эпизодов. Вы создали живые, настоящие, и, что было особенно важно, разные характеры. Удивительный мир спектакля создал поразительный Максим Обрезков. Спектакль – музыкальный; герои танцуют, поют, и для меня огромная честь, что музыку к постановке написал один из лучших современных композиторов Фаустас Латенас. Татьяна Докукина известна как создательница лучших балов в Москве, и для меня радость, что она создала очень непростую пластику этого спектакля. Все вместе мы пытались выразить нашу, невыразимую словами, любовь к Валерию Брюсову. Любовь, ее отсутствие и ее имитация – наверное, в творчестве Брюсова это главная тема. Тема, которая не может устареть никогда». Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Постановка Андрей Максимов Сценография и костюмы Максим Обрезков Композитор Фаустас Латенас Хореография Татьяна ДокукинаСвернуть

Загадочные вариации на тему Эрика-Эмманюэля Шмитта.Первые звуки спектакля — шум прибоя, обозначающий место действия. Это остров в норвежском море, где уединился знаменитый писатель Абель Знорко.Подробнее Загадочные вариации на тему Эрика-Эмманюэля Шмитта.Первые звуки спектакля — шум прибоя, обозначающий место действия. Это остров в норвежском море, где уединился знаменитый писатель Абель Знорко. Писатель обрел на острове спасение от повседневности, здесь не надо играть роль счастливого человека, не надо «одевать» светскую улыбку, когда подступает боль и страдание. Однако его уединение неожиданно нарушает Эрик Ларсен, представившийся журналистом. Причиной встречи героев послужил выход книги, автором которой является один из них. Книга о любви, основанная на многолетней переписке, мгновенно стала бестселлером и спровоцировала конфликт. Новый роман писателя представляет собой подлинную переписку Знорко с возлюбленной, которая позже стала женой Ларсена. Несколько лет назад она умерла, но письма от ее имени продолжали приходить. Итак, двое мужчин, любивших одну и ту же, давно умершую женщину… Два антипода, объединенные общей болью утраты и обреченные на одиночество. Два мировоззрения, два видения одной и той же судьбы…Постановка — Сергей ЯшинРежиссер — Сергей ГоломазовСценография и костюмы — Алла КоженковаХудожник по свету — Владимир АмелинХудожник-гример — Ольга КалявинаВ ролях: Василий Лановой, Евгений Князев, Александр Прудников / Александр Солдаткин, Анна Антонова, Анастасия Васильева, Леонид Бичевин, студенты ТИ им. Щукина.Продолжительность спектакля — один час 45 минут.Премьера спектакля состоялась 22 апреля 1999 года.Свернуть

Наталья Ковалева, режиссер спектакля: «Время от времени, каждый из нас задает себе непростые вопросы: кто я? зачем я живу? каково мое назначение? что я могу и не могу себе позволить? Такой разговор…Подробнее Наталья Ковалева, режиссер спектакля: «Время от времени, каждый из нас задает себе непростые вопросы: кто я? зачем я живу? каково мое назначение? что я могу и не могу себе позволить? Такой разговор предлагает зрителю спектакль «Очарованный странник». Вместе с героями спектакля мы отправимся в очарованное странствие по своей жизни, потому что это наши вопросы и наша жизнь. Пароход. Маленький кусочек суши посреди бескрайней воды. Десять человек плывут на остров Валаам. Долгий путь обыкновенно располагает к разговору. А порой даже и к исповеди. Такую исповедь нам и предстоит услышать. И развернется перед нами человеческая жизнь. Жизнь Ивана Флягина. Яркая, полная непредсказуемых поворотов, ситуаций смешных и горьких. В ней будет всё: высокая жертвенная любовь, муки телесные и душевные, жестокость и сострадание. Перед нами пройдут сцены неистовые и нежные: вот Иван укрощает дикого коня, а вот «укрощен» сам красотою женщины; вот он в единоборстве убивает человека, а вот пронизан жалостью и любовью к чужому ребенку… Сцена станет полем битвы за человеческую душу. Душа человеческая станет полем битвы. За нее будут драться и ангелы и демоны. Река жизни будет приносить Ивану образы убитого им монаха, согретой его любовью девочки, пьянчужки — барина, умницы Евгеньи Семёновны, красавицы-цыганки Грушеньки. Иван листает свою книгу жизни и открывается душа человеческая. А душа-то самая русская – всё её страсти морочат. Ведь Иван – типичный русский характер: широкий и страстный, дикий и необузданный, рисковый и смелый, упрямый, бесшабашный. И путь его – это путь человека от раба своих страстей и желаний до человека свободного. «Очарованный странник» – история сегодняшняя. Житие человеческое, описанное Лесковым, это жизнь каждого из нас. И ещё – это наша общая жизнь. Читаешь последние страницы повести и проникаешься тревогой её героя. Он страшится за свой народ, потому что когда все кричат о мире, то нападает «всегубительство». А что мы видим вокруг? В газетах, по радио, в телевизорах – все рассказывают нам о том, как борются за мир и покой, а на деле – там война, там террористический акт, там насилие, там вандализм, там коррупция, там грабеж, там ложь и так далее. Николай Лесков – исконно русский писатель. Русский по темам, которые выбирает, по героям, которых выводит, по мелодическому складу языка, которым их описывает. Я бы даже назвала его писателем эпическим, потому что повествования его – это всегда целостная картина народной жизни, на фоне которой разворачивается жизнь героя. И герой этот плоть от плоти народной. Лучше не скажешь, чем сказал сам Лесков в завершении «Левши»: «…предания эти нет нужды торопиться забывать, несмотря на баснословный склад легенды и эпический характер главного героя. …Это эпос… с очень «человечкиной душою». Вот и «Очарованный странник», как всякий эпос, – история вечная».Свернуть

Премьера спектакля состоялась 21 декабря 2012 года. Американский драматург Нил Саймон написал пьесу о том, как люди находят друг – друга. И как сложно разобраться в своих чувствах, в прошлом, мешающем…Подробнее Премьера спектакля состоялась 21 декабря 2012 года. Американский драматург Нил Саймон написал пьесу о том, как люди находят друг – друга. И как сложно разобраться в своих чувствах, в прошлом, мешающем настоящему, новых ощущениях, к которым они пока не готовы, найти себя в партнере, пройдя трудный путь узнавания, понять необходимость терпимости и компромисса. Простая история и, может быть, она тем и интересна, что очень знакома. В зрелом возрасте встретились два человека, как им с их опытом жизни, привычками найти гармонию сосуществования? Каждый человек может и должен спасти себя сам – принять решение, быть ответственным за него и только тогда появится шанс на счастье. Продолжительность спектакля 2 часа без антракта. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Режиссер-постановщик — Михаил Цитриняк Художник-сценограф — Мария Рыбасова Художник по костюмам — Виктория Севрюкова Композиторы — Борис Кинер, Александр Прокопович Художник по свету — Майя Шавдатуашвили Режиссер по пластике — Андрей Щукин Балетмейстер — Ирина Филиппова Художник-гример — Ольга Калявина Помощник режиссера — Марина Марченко Действующие лица и исполнители: Джордж Шнайдер — Андрей Ильин Дженнифер Мелоун — Елена Сотникова Фей Медуик — Ольга Тумайкина Лео Шнайдер — Андрей Зарецкий, Михаил ЦитринякСвернуть

Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина.Подробнее Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина. Чтецкие программы и оперные интерпретации значительно превалируют. В Театре им. Вахтангова режиссер Римас Туминас с артистами Юлией Борисовой, Людмилой Максаковой, Сергеем Маковецким, Владимиром Вдовиченковым, Олегом Макаровым и молодыми «вахтанговцами» решили воплотить роман в стихах в драматической форме, осторожно, импровизационно пытаясь найти сценический эквивалент слову, сюжету, ничего не разрушая и стараясь ничего не пропустить. Это наше познание Пушкина, его героев, их мира, пространства России. Кажется, что о Пушкине мы знаем все. Но и тома исследователей, литературоведов, толмачей, серьезных изысканий не могут до конца постичь феномен поэта. Александр Сергеевич – «наше все», непознанное, загадочное. И всякий раз, обращаясь к нему, опасаешься повториться в восприятии, стремишься избежать штампов, знания, которому противится поэт, ибо он всегда больше, неразгаданнее. Он не исчерпывается сюжетом. «Евгений Онегин» – это что? Философское размышление о жизни в поэтической форме? Не только. История любви? Не совсем. Это огромное пространство мира и чувств, которое вместило все эпохи, игру ума, прозрения, догадки, гнев, обличение, сатиру и цинизм, сострадание и прощение. «Евгений Онегин» – «энциклопедия русской жизни» и в высшей степени народное произведение, роман в стихах, написанный в эпоху романтизма, где «современный мир предстал со всем его холодом, прозою и пошлостью». И вместе с тем, по словам Белинского, «Онегин есть самое задушевное произведение Пушкина, самое любимое дитя его фантазии, в которой личность поэта отразилась с такой полнотой, светло и ясно. Здесь вся жизнь, вся душа, вся любовь его, здесь его чувства, понятия, идеалы». «Евгений Онегин» – это простор России, судьбы его героев, обычаи, устои, культура, природа. Это попытка проникнуть в сущность русской души, понять неподдающийся трезвому анализу русский характер. Это русское общество во всех его ипостасях – наивной прелести языческой деревни и в холодной чопорности высшего света. Это отважная трепетность Татьяны и игривая наивность Ольги. Это «ума холодных наблюдений и сердца горестных замет». Спектакль Римаса Туминаса разрушает стереотипы; он, как всегда, авторский, увиденный и выстроенный полифонично, музыкально, жестко и эмоционально. Режиссеру чужд поэтический флер, он ломает ритмическое построение фразы, его влечет проза жизни, он враг выспренности и ложной лиричности. Своим спектаклем он разрушает «хлам воспоминаний» ранее увиденного и прочитанного. Он открывает новый смысл в характере и сюжете. Кто герой этого романа? Онегин? Конечно же, Татьяна, «Татьяна – русская душою…». Ее русскость в органичном слиянии с природой, обычаями, искренней задушевности, простодушном бесстрашии. Она пленительна в естественной грации, отважной прямолинейности, горькой искренности: «но я другому отдана и буду век ему верна». Свое откровенное признание Татьяна пишет человеку, которого создало ее воображение, ее вымысел значительнее оригинала, это ее подарок Онегину, который тот не смог ни понять, ни оценить, ни оправдать своею сутью. Для Онегина это очередное послание, он не дал себе труд постичь и разгадать его, он, по словам Достоевского, «не сумел отличить в бедной девочке законченности и совершенства». Он не увидел ее ни в деревенской глуши, ни в петербургском салоне. Он не захотел узнать, разглядеть ее. Угадает его Татьяна: «Уж не пародия ли он?». Хотя сам предмет обожания уверен: «Я молод, жизнь во мне крепка, чего мне ждать, тоска, тоска!». Читай – душа пуста. В Петербурге Онегин пленяется не самой Татьяной, это не возвращение к воспоминаниям, а ослепление блеском, положением в свете. Для Татьяны – это вериги, для Онегина – достоинства, питающие его фантазию и чувства. Их разность столь очевидна, что, идя навстречу друг к другу, они обязательно пройдут мимо, так несоприкасаемы их души в понятии любви, достоинства, духовности. Ее доминанта – Россия. Его метания по свету – суета, невозможность остановиться на главном, а скорее, незнание, что есть главное – родина, долг, любовь? В их невстрече – горькая закономерность несовместимости. Режиссер-постановщик – Римас Туминас Сценография – Адомас Яцовскис Музыка – Фаустас Латенас Художник по костюмам – Мария Данилова Художник по свету – Майя Шавдатуашвили Действующие лица и исполнители: Евгений Онегин – Сергей Маковецкий / Виктор Добронравов / Максим Севриновский Гусар в отставке – Владимир Вдовиченков Владимир Ленский – Олег Макаров / Василий Симонов Татьяна Ларина – Евгения Крегжде / Ольга Лерман «Сон Татьяны» – Юлия Борисова Ольга Ларина – Мария Волкова / Наталья Винокурова и другие. Спектакль рекомендован для зрителей старше 18 лет.Свернуть

Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина.Подробнее Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина. Чтецкие программы и оперные интерпретации значительно превалируют. В Театре им. Вахтангова режиссер Римас Туминас с артистами Юлией Борисовой, Людмилой Максаковой, Сергеем Маковецким, Владимиром Вдовиченковым, Олегом Макаровым и молодыми «вахтанговцами» решили воплотить роман в стихах в драматической форме, осторожно, импровизационно пытаясь найти сценический эквивалент слову, сюжету, ничего не разрушая и стараясь ничего не пропустить. Это наше познание Пушкина, его героев, их мира, пространства России. Кажется, что о Пушкине мы знаем все. Но и тома исследователей, литературоведов, толмачей, серьезных изысканий не могут до конца постичь феномен поэта. Александр Сергеевич – «наше все», непознанное, загадочное. И всякий раз, обращаясь к нему, опасаешься повториться в восприятии, стремишься избежать штампов, знания, которому противится поэт, ибо он всегда больше, неразгаданнее. Он не исчерпывается сюжетом. «Евгений Онегин» – это что? Философское размышление о жизни в поэтической форме? Не только. История любви? Не совсем. Это огромное пространство мира и чувств, которое вместило все эпохи, игру ума, прозрения, догадки, гнев, обличение, сатиру и цинизм, сострадание и прощение. «Евгений Онегин» – «энциклопедия русской жизни» и в высшей степени народное произведение, роман в стихах, написанный в эпоху романтизма, где «современный мир предстал со всем его холодом, прозою и пошлостью». И вместе с тем, по словам Белинского, «Онегин есть самое задушевное произведение Пушкина, самое любимое дитя его фантазии, в которой личность поэта отразилась с такой полнотой, светло и ясно. Здесь вся жизнь, вся душа, вся любовь его, здесь его чувства, понятия, идеалы». «Евгений Онегин» – это простор России, судьбы его героев, обычаи, устои, культура, природа. Это попытка проникнуть в сущность русской души, понять неподдающийся трезвому анализу русский характер. Это русское общество во всех его ипостасях – наивной прелести языческой деревни и в холодной чопорности высшего света. Это отважная трепетность Татьяны и игривая наивность Ольги. Это «ума холодных наблюдений и сердца горестных замет». Спектакль Римаса Туминаса разрушает стереотипы; он, как всегда, авторский, увиденный и выстроенный полифонично, музыкально, жестко и эмоционально. Режиссеру чужд поэтический флер, он ломает ритмическое построение фразы, его влечет проза жизни, он враг выспренности и ложной лиричности. Своим спектаклем он разрушает «хлам воспоминаний» ранее увиденного и прочитанного. Он открывает новый смысл в характере и сюжете. Кто герой этого романа? Онегин? Конечно же, Татьяна, «Татьяна – русская душою…». Ее русскость в органичном слиянии с природой, обычаями, искренней задушевности, простодушном бесстрашии. Она пленительна в естественной грации, отважной прямолинейности, горькой искренности: «но я другому отдана и буду век ему верна». Свое откровенное признание Татьяна пишет человеку, которого создало ее воображение, ее вымысел значительнее оригинала, это ее подарок Онегину, который тот не смог ни понять, ни оценить, ни оправдать своею сутью. Для Онегина это очередное послание, он не дал себе труд постичь и разгадать его, он, по словам Достоевского, «не сумел отличить в бедной девочке законченности и совершенства». Он не увидел ее ни в деревенской глуши, ни в петербургском салоне. Он не захотел узнать, разглядеть ее. Угадает его Татьяна: «Уж не пародия ли он?». Хотя сам предмет обожания уверен: «Я молод, жизнь во мне крепка, чего мне ждать, тоска, тоска!». Читай – душа пуста. В Петербурге Онегин пленяется не самой Татьяной, это не возвращение к воспоминаниям, а ослепление блеском, положением в свете. Для Татьяны – это вериги, для Онегина – достоинства, питающие его фантазию и чувства. Их разность столь очевидна, что, идя навстречу друг к другу, они обязательно пройдут мимо, так несоприкасаемы их души в понятии любви, достоинства, духовности. Ее доминанта – Россия. Его метания по свету – суета, невозможность остановиться на главном, а скорее, незнание, что есть главное – родина, долг, любовь? В их невстрече – горькая закономерность несовместимости. Режиссер-постановщик – Римас Туминас Сценография – Адомас Яцовскис Музыка – Фаустас Латенас Художник по костюмам – Мария Данилова Художник по свету – Майя Шавдатуашвили Действующие лица и исполнители: Евгений Онегин – Сергей Маковецкий / Виктор Добронравов / Максим Севриновский Гусар в отставке – Владимир Вдовиченков Владимир Ленский – Олег Макаров / Василий Симонов Татьяна Ларина – Евгения Крегжде / Ольга Лерман «Сон Татьяны» – Юлия Борисова Ольга Ларина – Мария Волкова / Наталья Винокурова и другие. Спектакль рекомендован для зрителей старше 18 лет.Свернуть

Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина.Подробнее Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина. Чтецкие программы и оперные интерпретации значительно превалируют. В Театре им. Вахтангова режиссер Римас Туминас с артистами Юлией Борисовой, Людмилой Максаковой, Сергеем Маковецким, Владимиром Вдовиченковым, Олегом Макаровым и молодыми «вахтанговцами» решили воплотить роман в стихах в драматической форме, осторожно, импровизационно пытаясь найти сценический эквивалент слову, сюжету, ничего не разрушая и стараясь ничего не пропустить. Это наше познание Пушкина, его героев, их мира, пространства России. Кажется, что о Пушкине мы знаем все. Но и тома исследователей, литературоведов, толмачей, серьезных изысканий не могут до конца постичь феномен поэта. Александр Сергеевич – «наше все», непознанное, загадочное. И всякий раз, обращаясь к нему, опасаешься повториться в восприятии, стремишься избежать штампов, знания, которому противится поэт, ибо он всегда больше, неразгаданнее. Он не исчерпывается сюжетом. «Евгений Онегин» – это что? Философское размышление о жизни в поэтической форме? Не только. История любви? Не совсем. Это огромное пространство мира и чувств, которое вместило все эпохи, игру ума, прозрения, догадки, гнев, обличение, сатиру и цинизм, сострадание и прощение. «Евгений Онегин» – «энциклопедия русской жизни» и в высшей степени народное произведение, роман в стихах, написанный в эпоху романтизма, где «современный мир предстал со всем его холодом, прозою и пошлостью». И вместе с тем, по словам Белинского, «Онегин есть самое задушевное произведение Пушкина, самое любимое дитя его фантазии, в которой личность поэта отразилась с такой полнотой, светло и ясно. Здесь вся жизнь, вся душа, вся любовь его, здесь его чувства, понятия, идеалы». «Евгений Онегин» – это простор России, судьбы его героев, обычаи, устои, культура, природа. Это попытка проникнуть в сущность русской души, понять неподдающийся трезвому анализу русский характер. Это русское общество во всех его ипостасях – наивной прелести языческой деревни и в холодной чопорности высшего света. Это отважная трепетность Татьяны и игривая наивность Ольги. Это «ума холодных наблюдений и сердца горестных замет». Спектакль Римаса Туминаса разрушает стереотипы; он, как всегда, авторский, увиденный и выстроенный полифонично, музыкально, жестко и эмоционально. Режиссеру чужд поэтический флер, он ломает ритмическое построение фразы, его влечет проза жизни, он враг выспренности и ложной лиричности. Своим спектаклем он разрушает «хлам воспоминаний» ранее увиденного и прочитанного. Он открывает новый смысл в характере и сюжете. Кто герой этого романа? Онегин? Конечно же, Татьяна, «Татьяна – русская душою…». Ее русскость в органичном слиянии с природой, обычаями, искренней задушевности, простодушном бесстрашии. Она пленительна в естественной грации, отважной прямолинейности, горькой искренности: «но я другому отдана и буду век ему верна». Свое откровенное признание Татьяна пишет человеку, которого создало ее воображение, ее вымысел значительнее оригинала, это ее подарок Онегину, который тот не смог ни понять, ни оценить, ни оправдать своею сутью. Для Онегина это очередное послание, он не дал себе труд постичь и разгадать его, он, по словам Достоевского, «не сумел отличить в бедной девочке законченности и совершенства». Он не увидел ее ни в деревенской глуши, ни в петербургском салоне. Он не захотел узнать, разглядеть ее. Угадает его Татьяна: «Уж не пародия ли он?». Хотя сам предмет обожания уверен: «Я молод, жизнь во мне крепка, чего мне ждать, тоска, тоска!». Читай – душа пуста. В Петербурге Онегин пленяется не самой Татьяной, это не возвращение к воспоминаниям, а ослепление блеском, положением в свете. Для Татьяны – это вериги, для Онегина – достоинства, питающие его фантазию и чувства. Их разность столь очевидна, что, идя навстречу друг к другу, они обязательно пройдут мимо, так несоприкасаемы их души в понятии любви, достоинства, духовности. Ее доминанта – Россия. Его метания по свету – суета, невозможность остановиться на главном, а скорее, незнание, что есть главное – родина, долг, любовь? В их невстрече – горькая закономерность несовместимости. Режиссер-постановщик – Римас Туминас Сценография – Адомас Яцовскис Музыка – Фаустас Латенас Художник по костюмам – Мария Данилова Художник по свету – Майя Шавдатуашвили Действующие лица и исполнители: Евгений Онегин – Сергей Маковецкий / Виктор Добронравов / Максим Севриновский Гусар в отставке – Владимир Вдовиченков Владимир Ленский – Олег Макаров / Василий Симонов Татьяна Ларина – Евгения Крегжде / Ольга Лерман «Сон Татьяны» – Юлия Борисова Ольга Ларина – Мария Волкова / Наталья Винокурова и другие. Спектакль рекомендован для зрителей старше 18 лет.Свернуть

Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина.Подробнее Премьера спектакля по роману в стихах Александра Сергеевича Пушкина. Сцены из романа. «Кого ж любить? Кому же верить?» Не часто в драматическом театре мы встречаемся с «Евгением Онегиным» Пушкина. Чтецкие программы и оперные интерпретации значительно превалируют. В Театре им. Вахтангова режиссер Римас Туминас с артистами Юлией Борисовой, Людмилой Максаковой, Сергеем Маковецким, Владимиром Вдовиченковым, Олегом Макаровым и молодыми «вахтанговцами» решили воплотить роман в стихах в драматической форме, осторожно, импровизационно пытаясь найти сценический эквивалент слову, сюжету, ничего не разрушая и стараясь ничего не пропустить. Это наше познание Пушкина, его героев, их мира, пространства России. Кажется, что о Пушкине мы знаем все. Но и тома исследователей, литературоведов, толмачей, серьезных изысканий не могут до конца постичь феномен поэта. Александр Сергеевич – «наше все», непознанное, загадочное. И всякий раз, обращаясь к нему, опасаешься повториться в восприятии, стремишься избежать штампов, знания, которому противится поэт, ибо он всегда больше, неразгаданнее. Он не исчерпывается сюжетом. «Евгений Онегин» – это что? Философское размышление о жизни в поэтической форме? Не только. История любви? Не совсем. Это огромное пространство мира и чувств, которое вместило все эпохи, игру ума, прозрения, догадки, гнев, обличение, сатиру и цинизм, сострадание и прощение. «Евгений Онегин» – «энциклопедия русской жизни» и в высшей степени народное произведение, роман в стихах, написанный в эпоху романтизма, где «современный мир предстал со всем его холодом, прозою и пошлостью». И вместе с тем, по словам Белинского, «Онегин есть самое задушевное произведение Пушкина, самое любимое дитя его фантазии, в которой личность поэта отразилась с такой полнотой, светло и ясно. Здесь вся жизнь, вся душа, вся любовь его, здесь его чувства, понятия, идеалы». «Евгений Онегин» – это простор России, судьбы его героев, обычаи, устои, культура, природа. Это попытка проникнуть в сущность русской души, понять неподдающийся трезвому анализу русский характер. Это русское общество во всех его ипостасях – наивной прелести языческой деревни и в холодной чопорности высшего света. Это отважная трепетность Татьяны и игривая наивность Ольги. Это «ума холодных наблюдений и сердца горестных замет». Спектакль Римаса Туминаса разрушает стереотипы; он, как всегда, авторский, увиденный и выстроенный полифонично, музыкально, жестко и эмоционально. Режиссеру чужд поэтический флер, он ломает ритмическое построение фразы, его влечет проза жизни, он враг выспренности и ложной лиричности. Своим спектаклем он разрушает «хлам воспоминаний» ранее увиденного и прочитанного. Он открывает новый смысл в характере и сюжете. Кто герой этого романа? Онегин? Конечно же, Татьяна, «Татьяна – русская душою…». Ее русскость в органичном слиянии с природой, обычаями, искренней задушевности, простодушном бесстрашии. Она пленительна в естественной грации, отважной прямолинейности, горькой искренности: «но я другому отдана и буду век ему верна». Свое откровенное признание Татьяна пишет человеку, которого создало ее воображение, ее вымысел значительнее оригинала, это ее подарок Онегину, который тот не смог ни понять, ни оценить, ни оправдать своею сутью. Для Онегина это очередное послание, он не дал себе труд постичь и разгадать его, он, по словам Достоевского, «не сумел отличить в бедной девочке законченности и совершенства». Он не увидел ее ни в деревенской глуши, ни в петербургском салоне. Он не захотел узнать, разглядеть ее. Угадает его Татьяна: «Уж не пародия ли он?». Хотя сам предмет обожания уверен: «Я молод, жизнь во мне крепка, чего мне ждать, тоска, тоска!». Читай – душа пуста. В Петербурге Онегин пленяется не самой Татьяной, это не возвращение к воспоминаниям, а ослепление блеском, положением в свете. Для Татьяны – это вериги, для Онегина – достоинства, питающие его фантазию и чувства. Их разность столь очевидна, что, идя навстречу друг к другу, они обязательно пройдут мимо, так несоприкасаемы их души в понятии любви, достоинства, духовности. Ее доминанта – Россия. Его метания по свету – суета, невозможность остановиться на главном, а скорее, незнание, что есть главное – родина, долг, любовь? В их невстрече – горькая закономерность несовместимости. Режиссер-постановщик – Римас Туминас Сценография – Адомас Яцовскис Музыка – Фаустас Латенас Художник по костюмам – Мария Данилова Художник по свету – Майя Шавдатуашвили Действующие лица и исполнители: Евгений Онегин – Сергей Маковецкий / Виктор Добронравов / Максим Севриновский Гусар в отставке – Владимир Вдовиченков Владимир Ленский – Олег Макаров / Василий Симонов Татьяна Ларина – Евгения Крегжде / Ольга Лерман «Сон Татьяны» – Юлия Борисова Ольга Ларина – Мария Волкова / Наталья Винокурова и другие. Спектакль рекомендован для зрителей старше 18 лет.Свернуть

ТЕАТР. МУЗЫКА. ПОЭЗИЯ. | 16+ Спектакль-инновация театра «Сатирикон», построенный только на стихах, музыке и пластических этюдах, не имеющий сквозного сюжета и четких действующих лиц смешит, веселит, заставляет…Подробнее ТЕАТР. МУЗЫКА. ПОЭЗИЯ. | 16+ Спектакль-инновация театра «Сатирикон», построенный только на стихах, музыке и пластических этюдах, не имеющий сквозного сюжета и четких действующих лиц смешит, веселит, заставляет задуматься, и более того – не отпускает несколько дней... «Это не постановка, а бомба замедленного действия!» (Musecube) «Зал встречал стоя. БРАВО!!!» (Дмитрий Шульгин)Свернуть

Спектакль — Лауреат Вампиловского фестиваля. 90-ЛЕТИЮ А.И. СОЛЖЕНИЦЫНА Премьера спектакля состоялась 13 апреля 2008 г. «...На сто восемьдесят четвертом километре от Москвы по ветке, что идет к Мурому и Казани,…Подробнее Спектакль — Лауреат Вампиловского фестиваля. 90-ЛЕТИЮ А.И. СОЛЖЕНИЦЫНА Премьера спектакля состоялась 13 апреля 2008 г. «...На сто восемьдесят четвертом километре от Москвы по ветке, что идет к Мурому и Казани, еще с добрых полгода после того все поезда замедляли ход почти как бы до ощупи. Пассажиры льнули к стеклам, выходили в тамбур: чинят ли пути, что ли? Из графика вышел? Нет. Пройдя переезд, поезд опять набирал скорость, пассажиры усаживались. Только машинисты знали и помнили, отчего это все. Да я.» Небольшой рассказ А.И. Солженицына «Матренин двор», написанный полвека назад и опубликованный в 1963 г. в журнале «Новый мир», возглавляемом А.Твардовским, стал событием в литературе, словом правды о судьбе простой женщины — скромной, совестливой, с душой огромной и светлой. «Все мы жили рядом с ней и не поняли, что есть она тот самый праведник, без которого, по пословице, не стоит село. Ни город. Ни вся земля наша» (А.И.Солженицын). Идея создания сценической редакции рассказа принадлежит Александру Михайлову, он долго жил с этой мыслью, пока не поделился ею с профессором Щукинского училища В.В. Ивановым — режиссером Театра им. Евг.Вахтангова. Желания совпали. Владимир Иванов владеет редким режиссерским даром психологического анализа, тончайшей разработкой характеров, в сочетании с точно угаданной интонацией автора. Эти качества пригодились в работе над прозой А.И.Солженицына. В соавторстве с Александром и Еленой Михайловыми, в свое время закончившими Щукинское училище, художником Максимом Обрезковым, режиссером и автором сценической версии Владимиром Ивановым родился спектакль «Матренин двор». Премьера его окончательной редакции состоялась 13 апреля 2008 г. на малой сцене театра им. Евг.Вахтангова. Н.Д. Солженицына с уважением отнеслась к этой работе и одобрила ее. Спектакль «Матренин двор" — подарок вахтанговцев к 90-летию Александра Исаевича Солженицына — великого писателя и гражданина. Продолжительность спектакля 1 час 40 минут без антракта. Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+). Автор сценической версии и режиссер-постановщик — Владимир Иванов Автор идеи — Александр Михайлов Художник — Максим Обрезков Музыкальное оформление — Татьяна Агаева Консультант по вокалу — Светлана Игнатьева Художник-гример — Ольга Калявина Художник по свету — Елена Шумова Действующие лица и исполнители: Матрена — Елена Михайлова Игнатич — Александр МихайловСвернуть

Премьера спектакля состоялась 22 ноября 2017 года на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Андрей Максимов, режиссер: «В первую очередь я хочу сказать огромное спасибо Римасу Туминасу,…Подробнее Премьера спектакля состоялась 22 ноября 2017 года на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Андрей Максимов, режиссер: «В первую очередь я хочу сказать огромное спасибо Римасу Туминасу, который дал мне возможность реализовать свой проект на только открывшейся сцене Вахтанговского театра. Работать в лучшем театре страны – это просто какое-то невероятное чудо. Когда я сказал об этом Римасу Владимировичу, он ответил: «Чудо вы нам покажете в ноябре». Хочется в это верить. Благодаря директору театра Кириллу Кроку, театр работает как отлаженный механизм. Только ставь! Я стараюсь… Пьеса «Любовь у трона» — это своего рода фантасмагория: сон снится Екатерине Великой накануне государственного переворота, который приведет ее к власти на долгие годы. Во сне она вспоминает свои отношения с мужем Петром III. По сути, это история о любви на фоне политики. Я давно мечтал поработать с поразительной актрисой Ольгой Тумайкиной, очень хотел, чтобы Екатерину сыграла именно она. Мечта сбылась. Она очень мощная актриса, очень интересный, глубокий человек. С исполнителем роли Петра III были проблемы, пока я не вспомнил, что в Вахтанговском театре работает поразительный актер Андрей Ильин. Я видел его в роли Хлестакова на сцене Русского театра в Риге. Это была поразительная актерская работа! Я видел его на сцене МХТ и театра Моссовета. Счастлив теперь не только работать, но и общаться с ним. Впервые встретился в работе с художником Максимом Обрезковым, который придумал очень интересный мир для наших героев, очень необычный. Но Обрезков еще и создатель Симоновской сцены. Мне кажется, это уникальный случай, когда главный художник театра создал несколько сценических пространств, включая Новую сцену. Очень спокойный, интеллигентный, творческий человек. Музыку написал замечательный композитор Сергей Шустицкий, с которым мы сделали несколько спектаклей, и он даже выпустил диск с музыкой к моим постановкам. Мне кажется, что синонимом театра является удовольствие. Надо с удовольствием репетировать, с радостью. Я знаю, что есть режиссеры – любители «кровавых» репетиций, Бог им судья. Поставив довольно много спектаклей, я всегда старался, чтобы и актеры, и постановочная часть, и я сам получали удовольствие. Иначе не вижу смысла этим заниматься. Удовольствие должен получать и зритель. Это самое главное. Мне кажется, именно за этим он и приходит. Я не люблю разговоров о миссии театра, о некоем режиссерском послании. Сегодня есть большой интерес к судьбе Екатерины Великой. Мы, что называется, в тренде. И, слава Богу! Любовь у трона… Любовь на фоне серьезных разговоров о судьбе России, о судьбах русских людей… Сон-фантасмагория с подлинной человеческой страстью… Если зрителю будет интересно, если он поймет, что не напрасно потратил почти два часа – мы будем считать, что наша задача выполнена». Продолжительность спектакля 1 ч 40 мин. без антракта Спектакль рекомендован для зрителей старше 16 лет (16+) Действующие лица и исполнители: Пётр III, Император и Самодержец Всероссийский — Андрей Ильин Екатерина — его супруга, будущая Императрица и Самодержица Всероссийская Екатерина II — Ольга Тумайкина Остальные — Виталийс Семёновс, Павел Тэхэда КардэнасСвернуть

Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене,…Подробнее Редко встретишь ребят, которые бы в детстве не прочли замечательные сказки Шарля Перро. «Кот в сапогах» – одна из них. В начале нового сезона эта волшебная история оживет на Вахтанговской сцене, и юные зрители воочию увидят героев, которых сначала явило их воображение, а теперь они появятся на сцене и подарят удивительные моменты общения, развлекут, уведут в мир фантазии, где игра актеров и мастерство постановщика спектакля Владимира Иванова создадут волшебный мир удивительных превращений.Театр имени Евгения Вахтангова возвращается к практике постановки спектаклей для детей. Эту миссию он объединил с другой, уже ставшей традицией: включение лучшего выпускного спектакля Театрального института им. Б. Щукина в свой репертуар. Акция чрезвычайно важная, определяющая потенциальные возможности будущих актеров, их стимул к творческому росту на пути к профессиональной сцене.Сказка Ш. Перро, щедрый подарок, яркий, музыкальный, веселый, в живописных декорациях Максима Обрезкова, непременно порадует юных зрителей. Авторство спектакля «Кот в сапогах» принадлежит студентам IV курса актерского факультета и руководителю курса – профессору Владимиру Иванову, в прошлом сезоне удостоенному премии фестиваля им. А. Миронова «Фигаро» за верность репертуарному театру.Режиссер-постановщик – Владимир ИвановХудожник – Максим ОбрезковМузыкальный руководитель – Татьяна АгаеваБалетмейстер – Олег ГлушковПродолжительность спектакля – два часа с одним антрактом.Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет.Свернуть

Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса —…Подробнее Спектакль — Лауреат Театральной премии МК в номинации «Лучший спектакль для детей и подростков», 2016 В спектакле заняты выпускники Театрального училища имени Бориса Щукина (художественный руководитель курса — Александр Коручеков). Это волшебная сказка, где звезды разговаривают, люди летают, где странное поведение персонажей – норма. Где герой истории мальчик Питер Пэн не хочет становиться взрослым, поэтому он убежал из дома и поселился среди фей в Кенсингтонском парке. Питер Пэн появляется в доме Дарлингов среди ночи, с феей Чинь-Чин с захватывающими рассказами о сказочной стране, увлекая ими детей, и улетает с ними в неведомое прекрасное пространство, где все необычно – времена года меняются ежечасно, где полно русалок, крокодилов, краснокожих индейцев, пиратов. Невообразимое стечение событий, поединков, фантастические истории ожидают Джона, Майка и Венди Дарлингов в компании потерявшихся мальчиков. От смертельной опасности их спасает Питер Пэн, победивший Капитана Крюка. Дети возвращаются в отеческий дом, где их ждут счастливые родители, они вырастают, и только Питер Пэн остается мальчишкой, который с трудом узнает повзрослевших друзей. Александр Коручеков, режиссер: «Есть знаковые сказки, которые выходят за рамки детской литературы. Как, например, «Алиса в стране чудес». Такова и история о Питере Пэне, мальчике, который не хотел взрослеть. Питер Пэн – это глубокая история, в ней много пластов. Этому произведению посвящены тома исследований, где выясняют, что такое взрослость, что такое детскость. У Джеймса Барри – есть и пьеса, и повесть о Питере Пэне. Пьеса замечательная, но ее надо ставить на большой сцене, делать мюзикл, в котором использовать машинерию, пригласить акробатов, фокусников, сделать сложный постановочный спектакль. Мы же готовим свою работу на Новой сцене и здесь важны не постановочные эффекты, а игровая суть истории. Ведь детство продолжается, пока человек играет, верит в приключения. Питеру Пэну скучно без игры: он, например, предлагает своим друзьям обедать «понарошку», а когда они понимают, что хотят есть по-настоящему, Питер не дает им возможности покинуть игру, вернуться в реальную жизнь. Игра остается игрой, пока всем весело, пока она в радость. Это очень глубокое и разнообразное произведение, которое исследует важные пласты жизни, ставит проблему неизбежного взросления: как из веселого ребенка – озорника и придумщика – вырастает обыкновенный скучный взрослый человек. Питер не хочет становиться взрослым, ускользает от реальной жизни. Он предпочитает остаться навсегда ребенком. Поэтому он обречен на одиночество. Обратиться к истории о Питере Пэне предложил Римас Туминас, и нам всем эта идея понравилась. Играть спектакль будут студенты IV курса Театрального института имени Б. Щукина. Мне интересно поставить со своими учениками (я – художественный руководитель этого курса) детский спектакль, в который каждый год будут вводиться новые исполнители – очередной выпускной курс. Мы постараемся уйти от иллюстративности и не хотим заигрывать с детьми-зрителями, хотя сценическое пространство предполагает тесный контакт с публикой. Наша задача – разбудить фантазию ребенка, заставить его включаться в ситуации, чтобы нашим маленьким зрителям хотелось дома доиграть, что-то додумать. Мы призываем детей к сотворчеству. Этот спектакль рассчитан и на детей с 6–7 лет, и на взрослых, мам и пап, особенно на тех, кто в душе так и остался ребенком». Премьера спектакля «ПИТЕР ПЭН» продолжила ПАРАД ПРЕМЬЕР на Новой сцене Театра Вахтангова 26 декабря 2015 года. Продолжительность спектакля 2 часа с одним антрактом. Спектакль рекомендован для зрителей старше 6 лет (6+). Обращаем Ваше внимание, что все посещающие Театр зрители, вне зависимости от их возраста, должны иметь отдельный билет. Режиссер-постановщик — Александр Коручеков Художник-сценограф — Максим Обрезков Художник по костюмам — Мария Данилова Художник по свету — Нарек Туманян Хореограф — Сергей Землянский Композитор — Петр Налич В спектакле звучит музыка «The Beatles», «Queen», группы «АукцЫон» Благорарим за помощь в создании спектакля Ольгу Лерман, Арама Мирзоянца, Светлану Федотову.Свернуть

Автор пьесы «Ветер шумит в тополях» Жеральд Сиблейрас – современный французский драматург, родился в 1961 году. В начале писательской деятельности работал над составлением диалогов и сценариев для…Подробнее Автор пьесы «Ветер шумит в тополях» Жеральд Сиблейрас – современный французский драматург, родился в 1961 году. В начале писательской деятельности работал над составлением диалогов и сценариев для фильмов. В соавторстве с Жаном Делом написал ряд пьес; одна из них, «Маленькая игра без последствий», принесла авторам невероятный успех и в 2003 году была удостоена театральной премии Мольера в пяти номинациях, в том числе «Лучшая французская пьеса года». Самостоятельная работа Ж. Сиблейраса «Ветер шумит в тополях» получила в 2006 году премию Лоуренса Оливье в номинации «Лучшая комедия». Жеральд Сиблейрас почти не известен в России, что не справедливо, ибо обладает безусловными достоинствами. Он – мастер остроумного диалога, его чувство юмора – безусловно, он философ и провокатор. Его герои – амбициозные чудаки, их самоирония беспощадна, а мечтательность наивна. На террасе дома престарелых встречаются три человека, у каждого свое прошлое, но сегодня они объединены одним будущим — старостью и границами этого дома. Скучная история? Нет. Ибо ее герои сосредоточены не на уходе из жизни, а борьбе за нее с обстоятельствами, комплексами, хворями, и нисколько не похожи на уходящую натуру. Жизнь будоражит их, мешает унынью. А прихватившие болячки – лишь повод для самоиронии. Соотечественник Ж. Сиблейраса Шарль де Голль сказал: «Достоинство нации определяется чувством юмора по отношению к себе». Этим качеством всецело обладают герои пьесы, в бесконечных перепалках друг с другом протекают мгновения их жизни, они мечтают о том, что не может случиться, и каждое утро приходят на террасу, как герои Беккета к засохшему дереву, зная, что ближайшая реальность – смерть. Историю трех чудаков поведают замечательные актеры – В. Вдовиченков, М. Суханов, В. Симонов в постановке Римаса Туминаса, чья режиссура – то живопись, то графика, которую он творит вместе с актерами, а когда работа закончена, уходит, и картина – спектакль – начинает самостоятельную жизнь. Так и в этой работе: они ищут ответы на вопросы о вечности, гордости, любви, сострадании, и в этой многокрасочности заключена мощная энергетика, которая, надеемся, перехлестнет через рампу и захватит зрителей. Совместный проект Театра имени Евгения Вахтангова и Международного театрального агентства «Арт-Партнер ХХI». Автор – Жеральд Сиблейрас Постановка – Римас Туминас Сценография и костюмы – Адомас Яцовскис Музыка – Фаустас Латенас Действующие лица и исполнители: Густав – Владимир Вдовиченков Фернан – Максим Суханов Рене – Владимир СимоновСвернуть

Премьера! Гюстав Флобер (1812 – 1880) – французский писатель-реалист, один из крупнейших представителей XIX века. Над романом «Мадам Бовари» Гюстав Флобер работал 6 лет. После публикации романа в журнале «Ревю…Подробнее Премьера! Гюстав Флобер (1812 – 1880) – французский писатель-реалист, один из крупнейших представителей XIX века. Над романом «Мадам Бовари» Гюстав Флобер работал 6 лет. После публикации романа в журнале «Ревю де Пари» Флобер и редактор журнала были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Реалистический психологизм был признан оскорблением общества. Впоследствии вынесен оправдательный приговор, а роман выпущен отдельным изданием. Гюстав Флобер был известен в России, русская критика восторженно приняла его в переводе И. Тургенева. Его романы пользовались успехом. М. Мусоргский написал оперу по мотивам «Саламбо». Для творчества Гюстава Флобера свойственна тщательная разработка характера с подробностями в деталях. С истории дочери фермера Руо, на которой женится провинциальный врач Шарль Бовари и, вскоре после венчания разочарованной в браке, пустившейся в поиск утешения на стороне, начинается сюжет Эммы Бовари. Но её увлечения Леоном Дюпюи и Родольфом Буланже бесперспективны. Разрыв с ними и семейные неурядицы повергают Эмму в депрессию. Она безотчётно тратит деньги мужа, обрастая долгами. Тайно продаёт приносившее небольшой доход поместье Шарля. Любовники не спасают её от разорения. Отчаявшись, Эмма принимает мышьяк, вскоре после неё скоропостижно уходит в мир иной Шарль. В ходе работы Гюстав Флобер неоднократно переделывал роман, отрицая наличие прототипа героини, заявив однажды: «Госпожа Бовари – это я». Ольга Субботина закончила режиссёрский факультет ГИТИСа (мастерская Л. Хейфеца). С 1997 года работает театральным режиссёром. Участвовала в создании Центра драматургии и режиссуры под руководством А. Казанцева и М. Рощина, где поставила 10 спектаклей, среди них «Заговор чувств» Ю. Олеши, «Ощущение бороды» К. Драгунской, «Половое покрытие» Братьев Пресняковых. Сотрудничала с театрами: Сатиры, Балтийский дом. Ставила спектакли в Финляндии и Франции. Сняла 3 художественных фильма и 7 сериалов на TV. Как режиссёр-ассистент работала с Петером Штайном и Декланом Донелланом. Режиссёр Ольга Субботина: «Когда мы слышим название этого произведения – «Мадам Бовари» – нам представляется нечто заунывно-кружевное, очень дамское, слезливое, и – всё про любовь! Но стоит сегодня перечитать роман Флобера, как вы с удивлением обнаруживаете невероятный, лихой и даже чёрный юмор; великолепную галерею образов в гоголевских тонах; искромётные сцены… «Копнув под Флобера», мы открыли для себя несколько особенностей – что автор (ныне безусловный классик!) был судим за этот роман уголовным судом; что Шарль Бовари был его… одноклассником! Да и ещё кучу всяких невероятных параллелей с сегодняшним днём, с русской литературой… Я не хочу выделять только Мадам Бовари, так как Эмма в романе не одна – вокруг неё муж, свекровь, дочь, да и вообще – всё провинциальное общество – всё это такое собирательное понятие «Бовари». Спектакль создан в уникальном пространстве – зрители смогут побывать сразу в двух залах Симоновской сцены: первое действие спектакля идет в Амфитеатре, второе — в Камерном зале. Внимание! Место, указанное в билете, будет действительно в первом акте спектакля, место на второй акт будет предоставлено администратором.Свернуть